Nintendo e Illumination mostraron el primer tráiler de The Super Mario Galaxy Movie, que confirma la llegada de Yoshi al universo cinematográfico de Mario. La película se estrenará en abril de 2026 y estará inspirada en Super Mario Galaxy.
Nintendo e Illumination presentaron el primer vistazo oficial de The Super Mario Galaxy Movie, secuela animada que marca el regreso de Mario y Luigi a la pantalla grande. El avance confirma, por primera vez, la aparición cinematográfica de Yoshi, uno de los personajes más emblemáticos de la franquicia.
En el tráiler, Mario (Chris Pratt) y Luigi (Charlie Day) exploran un templo antiguo para desatascar una tubería oculta. Tras recorrer una mazmorra subterránea, encuentran a Yoshi entre los escombros, en una escena que marca su debut dentro de esta saga y apunta a que será un aliado clave.
New galaxies. New friends. Yoshi joins the adventure. The Super Mario Galaxy Movie is only in theaters April 1. pic.twitter.com/w60ChVU64Q
La historia estará inspirada en Super Mario Galaxy (2007), lo que anticipa una aventura de mayor escala, con escenarios espaciales y templos antiguos. La dirección vuelve a manos de Aaron Horvath y Michael Jelenic, responsables de la película de 2023.
El reparto principal regresa con Jack Black como Bowser y Anya Taylor-Joy como Peach, a quienes se suman Benny Safdie como Bowser Jr. y Brie Larson como Rosalina. La cinta buscará igualar el éxito de The Super Mario Bros. Movie, que recaudó 1,360 millones de dólares y se mantiene entre las animadas más taquilleras de la historia.
Disney se ha posicionado en traer secuelas, como Zootopia 2, mientras que su competencia, Sony, busca llevar nuevas historias a las pantallas y ahora lo hace con Goat.
Goat, película de Sony Pictures, es una historia que toma como protagonista a una pequeña cabra con grandes sueños, en esta próxima entrega los animales silvestres actúan como humanos en una sociedad similar a Zootopia.
Recientemente Zootopia estrenó su secuela, la cual ha sido bien recibida por parte de la audiencia, sin embargo, en las premiaciones es opacada por Las Guerreras K-Pop, del mismo estudio que realizó Spider-Man Across the Spider-Verse. Ahora, con su nuevo proyecto, Goat, se aviva la llama de la pelea entre las producciones por quien consolida el mejor universo de películas de fauna silvestre.
Ya comenzaron las críticas, las cuales fueron desatadas por su doblaje, lo que se debe a a que han añadido un gran número de stary talents, entre los que resaltan Carolina Diaz, Bárbara de Regil, Erika Buenfil, Daniel Sosa, Fanny Lu y Gianella Neyra.
A pesar de ello se encuentran voces de gente experimentada como Ricardo Mendoza “El Coyote”, quien ha dado voz a Coraje en Coraje el perro Cobarde, Eddy en Ed, Edd y Eddy, y Alicia Barragan quien da vida a Chilli Heeler en Bluey, así como a Namaari en Raya y el Último Dragón.
Columbia Pictures y Sony Pictures Animation, en asociación con Unanimous Media y Modern Magic, está apostando por contar nuevas historias, a diferencia de Walt Disney que trae secuelas, como los casos de Zootopia 2, Moana 2, Toy Story 5.
La cinta protagonizada por Timothée Chalamet no solo rompió récords para A24, también redefinió el marketing cinematográfico al convertir su promoción en un espectáculo participativo donde la moda, la música y la estética viral fueron tan importantes como la historia.
“Marty Supreme” llegó a los cines, pero mucho antes ya se había instalado en la mente colectiva. Dirigida por Josh Safdie y protagonizada por Timothée Chalamet como Marty Mauser un vendedor de zapatos convertido en improbable estrella del ping pong en los años 50, la película se transformó en un caso de estudio sobre cómo vender una idea antes que un producto.
Una campaña que evitó lo obvio
A24 decidió alejarse de los tráileres tradicionales y las entrevistas nocturnas. En su lugar, construyó una narrativa paralela: livestreams, estética reconocible, filtraciones “accidentales” y experiencias urbanas.
Chalamet encabezó un stream de ping pong con más de 40 mil espectadores, apareció rapado sin explicación previa y convirtió cada movimiento en contenido viral.
La audiencia dejó de ser espectadora pasiva para volverse parte del lanzamiento. El marketing no acompañó a la película: la anticipó, la explicó y la amplificó.
El color naranja y la obsesión estética
Uno de los símbolos más claros fue el color naranja. Chalamet impulsó la idea de sustituir el blanco tradicional de las pelotas de ping pong por naranja para hacerlas más visibles. De ahí, el color se expandió: vestuario, apariciones públicas, familiares, pareja y elenco. Incluso circuló una carpeta titulada “MARTY GREAT IDEAS”, donde se proponía medio en broma, medio en serio, pintar de naranja la Estatua de la Libertad o llenar la Torre Eiffel de pelotas.
La estética fue simple, reconocible y replicable. Justo lo que las redes sociales necesitan.
La chaqueta que desató multitudes
El punto más tangible del fenómeno fue la chaqueta “Marty Supreme”. Un rompevientos vintage de inspiración noventera, resultado de la colaboración entre Doni Nahmias, Chalamet, su estilista Taylor McNeil y A24. Esta pieza de mod es totalmente exclusiva y solo algunos afortunados pudieron obtenerla. Su costo inicial era de 250 dólares, (4 mil 340 pesos mexicanos). Actualmente se puede encontrar esta chaqueta en reventa en exorbitantes precios, incluso rebasando los 200 mil pesos mexicanos.
En noviembre de 2025, Chalamet publicó únicamente su ubicación. Bastó eso para que cientos de personas se congregaran en una tienda de SoHo, Nueva York. El resultado: más de 743 mil menciones y 61 millones de interacciones en redes sociales. Escasez, exclusividad y pertenencia emocional, todo en una sola prenda.
Música, confusión y cultura digital
La campaña también cruzó al terreno musical. Durante meses, en redes se especuló que el misterioso rapero inglés Esdeekid era en realidad Timothée Chalamet bajo un alter ego. La teoría se sostuvo hasta que ambos publicaron una canción juntos, confirmando que no eran la misma persona, pero sí parte del mismo universo creativo.
El tema terminó de cerrar el círculo: cine, moda, música y narrativa compartida. No importaba si habías visto la película; ya estabas dentro del fenómeno.
Más que una película
“Marty Supreme” presume 93% de aprobación de la crítica en Rotten Tomatoes, premios al guion y a Chalamet, y una conversación constante en redes. Sin embargo, su mayor logro fue demostrar que el marketing puede funcionar como performance cultural.
El actor y cantante estadounidense Will Smith fue demandado en EUA por el violinista Brian King Joseph, quien lo acusa de acoso sexual, represalias y despido injustificado durante la gira musical de 2025; la defensa del artista rechaza todas las imputaciones.
El actor y cantante estadounidense Will Smith fue demandado en EUA por el violinista Brian King Joseph, quien formó parte de su más reciente gira musical. La denuncia incluye señalamientos por acoso sexual, represalias laborales y despido improcedente, hechos que el intérprete niega de manera categórica.
La acción legal fue presentada esta semana y también incluye como demandada a la empresa Treyball Studios. En el documento, Joseph acusa a Smith de mantener un comportamiento depredador y de generar un entorno que, de acuerdo con la querella, buscaba facilitar una mayor explotación sexual durante la gira titulada Basada en una historia real: 2025.
Entre los episodios descritos destaca una irrupción sospechosa en la habitación de hotel del músico, luego de que su llave permaneciera extraviada por varias horas. Al regresar, encontró objetos y una nota que interpretó como una advertencia de un posible encuentro sexual no consentido, situación que fue reportada tanto a la policía como al equipo del artista.
Pocos días después del incidente, Joseph asegura que fue humillado y despedido, bajo el argumento de que había inventado los hechos. A raíz de ello, afirma haber sufrido trastorno de estrés postraumático, además de daños económicos y profesionales, por lo que solicita que un jurado determine una compensación.
Por su parte, el abogado de Will Smith calificó las acusaciones como falsas, infundadas e imprudentes, y adelantó que utilizarán todos los recursos legales disponibles para defender al actor y esclarecer los hechos ante las autoridades.
El directorio de Warner Bros. Discovery prevé rechazar nuevamente la propuesta de compra de Paramount, aun con el respaldo financiero del multimillonario Larry Ellison, al considerar que no mejora los términos económicos ni supera el acuerdo ya pactado con Netflix.
El consejo de administración de Warner Bros. Discovery se prepara para rechazar por segunda ocasión la oferta de adquisición presentada por Paramount, pese a que esta última sumó el respaldo financiero directo de Larry Ellison, uno de los empresarios más influyentes del sector tecnológico y de medios.
La empresa considera que la propuesta de Paramount sigue siendo inferior frente al acuerdo alcanzado con Netflix, el cual contempla únicamente la venta de los negocios de estudio y streaming de Warner, con condiciones financieras más favorables y menor riesgo operativo.
Aunque el directorio aún no ha tomado una decisión formal, se espera que el tema sea definido en una reunión la próxima semana. Entre las principales preocupaciones figura que Paramount no ha incrementado el monto ofrecido, además de que el acuerdo limitaría la capacidad de Warner para gestionar su deuda sin la aprobación de los Ellison.
Paramount, controlada por Larry Ellison y su hijo David, hizo pública una oferta en efectivo de 30 dólares por acción, respaldada por una garantía de 40,400 millones de dólares en financiamiento. Sin embargo, accionistas de Warner esperan mejores condiciones económicas y advierten que la operación podría implicar mayor endeudamiento y recortes laborales en la compañía compradora.
En presentaciones públicas, Warner Bros. ha reiterado que la oferta de Netflix resulta superior, al ofrecer mayor certidumbre financiera. Netflix es actualmente la empresa más valiosa de Hollywood, con una capitalización de mercado superior a 400 mil millones de dólares.
El actor Isiah Whitlock Jr., recordado por su icónico papel como Clay Davis en la serie “The Wire”, falleció a los 71 años en Nueva York, tras enfrentar una breve enfermedad. Su carrera abarcó más de tres décadas en cine y televisión, con colaboraciones destacadas junto a Spike Lee.
Isiah Whitlock Jr., cuya interpretación en “The Wire” lo convirtió en una figura clave de la televisión contemporánea, murió este 31 de diciembre en Nueva York, confirmó su representante, Brian Liebman, a CNN. El actor enfrentó una breve enfermedad, de la cual habló su entorno cercano.
Whitlock fue ampliamente reconocido por dar vida al senador corrupto R. Clayton “Clay” Davis, personaje presente en las cinco temporadas del drama criminal creado por David Simon, una de las series más influyentes de la historia reciente de la televisión.
A lo largo de su trayectoria, participó en varias películas dirigidas por Spike Lee, entre ellas “BlacKkKlansman”, “Da 5 Bloods” y “25th Hour”. En televisión, tuvo apariciones constantes en producciones como “Law & Order”, “NYPD Blue” y, más recientemente, en la serie de Netflix “The Residence”.
Nacido en Indiana y formado en el Conservatorio Americano de Teatro de San Francisco, Whitlock vivió durante décadas en Nueva York. Su representante destacó que fue “un actor brillante y una persona aún mejor”, dejando una huella profunda entre colegas y espectadores.
Del romance clásico a la ciencia ficción distópica, estas cinco películas utilizan el Año Nuevo como escenario simbólico de cambio, cierre y nuevos comienzos, convirtiendo la última noche del calendario en un punto clave para sus historias.
El cine ha encontrado en el Año Nuevo una excusa perfecta para hablar de segundas oportunidades, caos colectivo y decisiones que lo cambian todo. No es solo una fecha festiva, sino un momento cargado de expectativa, ideal para que los personajes enfrenten lo que dejaron pendiente. Estas cinco películas aprovechan ese contexto con estilos muy distintos, pero con una misma idea de fondo: cuando el reloj llega a cero, el cambio es inevitable.
When Harry Met Sally… (1989) convirtió la medianoche del 31 de diciembre en una de las escenas más memorables del cine romántico. La historia de Harry y Sally avanza a lo largo de varios años, pero es en Año Nuevo cuando el relato alcanza su punto emocional más alto, reafirmando que el amor también llega cuando uno deja de huirle.
En un registro completamente distinto, Strange Days (1995) sitúa su trama en el 31 de diciembre de 1999, en una Los Ángeles caótica, violenta y obsesionada con la tecnología. El cambio de milenio no es solo un fondo temporal, sino un reflejo del miedo colectivo al futuro. Aquí, el Año Nuevo simboliza la ansiedad de una sociedad al borde del colapso.
Por su parte, Carol (2015) utiliza el cierre del año como culminación emocional de una historia íntima y contenida. La llegada del Año Nuevo marca la posibilidad real de empezar de nuevo, en un contexto social que limita y juzga. Es un final sutil, pero profundamente significativo, donde el tiempo juega a favor de la valentía.
El tono cambia con Trading Places (1983), una comedia feroz sobre clases sociales y venganza. El desenlace ocurre en Año Nuevo y funciona como ajuste de cuentas definitivo, demostrando que el cambio también puede ser económico, irónico y brutalmente satisfactorio. Nada como comenzar el año con el mundo patas arriba.
Finalmente, Ghostbusters II (1989) mezcla humor, fantasía y espíritu festivo en una batalla final que ocurre durante la noche de Año Nuevo en Nueva York. La celebración colectiva se convierte en arma contra el caos, recordando que la esperanza también puede ser un acto compartido cuando el calendario vuelve a empezar.
El legendario actor estadounidense Tom Cruise envió un emotivo mensaje al cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu celebrando los 25 años de la emblemática película Amores Perros, recordando su primer encuentro con la cinta y anticipando su próxima colaboración cinematográfica.
A través de sus redes sociales, el legendario actor Tom Cruise felicitó al director Alejandro González Iñárritu por el 25º aniversario de Amores Perros, una de las películas más trascendentes del cine mexicano. En su cuenta de X, Cruise escribió: “Felicitaciones a mi amigo Alejandro G. Iñárritu por esta increíble instalación de arte que celebra los 25 años de Amores Perros y el arte del cine alrededor del mundo”.
Congratulations to my friend Alejandro G. Iñárritu on this incredible art installation celebrating 25 years of Amores Perros and the art of filmmaking around the world. pic.twitter.com/VKNIifCvas
Además, en Instagram, compartió una foto junto a Iñárritu, rememorando la primera vez que vio la película y destacando el Oscar Honorario que recibió de manos del director mexicano. El actor expresó su emoción por trabajar nuevamente con Iñárritu en su nueva cinta Judy, una comedia que marca la primera película de Cruise fuera del género de acción, programada para estrenarse en 2026.
Desde que John Carpenter presentó en 1978 a Michael Myers, la franquicia ha pasado por reinicios, secuelas, líneas temporales paralelas y reinterpretaciones totales.
A lo largo de más de cuatro décadas, la figura de Myers ha sido símbolo del mal puro, de una amenaza que nunca muere y de la eterna confrontación entre el asesino y su víctima, Laurie Strode. Con altibajos notorios, pero también con momentos icónicos, la sagaHalloween ha logrado marcar el imaginario del terror contemporáneo así como abrir paso al género slasher.
Aquí un breve repaso, de peor a mejor, por cada una de sus trece entregas, desde los tropiezos más desafortunados hasta las cintas que han definido el género.
13. Halloween: Resurrection (2002) Esta película y la siguiente casi siempre disputan el lugar de “la peor película de la saga” entre los seguidores. Un fallido intento de modernizar la saga tratando de meter una temática de reality shows y cámaras web, lo que dio como resultado un Michael Myers ridiculizado, una trama que traiciona la esencia de la franquicia, y arruina lo logrado en “H20”.
12. Halloween II (2009)
Un desorden sin propósito que intenta darle profundidad psicológica a Michael, pero termina siendo confusa y agotadora, arruina el gran logro que el mismo director, Rob Zombie, logró con la entrega anterior con su remake de la franquicia (Halloween 2007), lo que solo demuestra que las secuelas a veces son innecesarias.
11. Halloween: The Curse of Michael Myers (1995) Un pésimo intento por explicar los orígenes de Michael con una secta resultó en un enredo sobrenatural que no aportó algo de valor. A veces menos es más, y para este punto solo marcó un despropósito. Parafraseando a cierto payaso de la internet, “si no tienes nada que decir, no digas nada, mejor duérmete otro rato”. Y, en efecto, esta película “durmió un rato” a la franquicia, al grado de optar por tomar el rumbo con una nueva línea temporal en la siguiente entrega con “H20”.
10. Halloween 5: The Revenge of Michael Myers (1989) Una secuela que marcó un retroceso tras la entrega anterior. Cambios de tono, incoherencias y un “misterioso hombre de negro” sin sentido hunden todo intento de encaminar por buen lugar a la historia.
9. Halloween Ends (2022) Una entrega interesante por haber intentado algo distinto, pero decepcionante la ejecución porque debía ser el desenlace de una historia de 40 años. La trama gira en torno a Corey, un personaje del que no sabemos nada y deja de lado a Michael y Laurie durante casi toda la cinta. Una entrega polémica, y lo que lo salva de estar más abajo en el listado es que las películas anteriores son mucho peores.
8. Halloween III: Season of the Witch (1982) La única película de la saga que no cuenta con la presencia de Michael Myers, sin embargo, su propuesta “independiente” y su atmósfera ochentera la convirtieron en una película de culto entre algunos fans. Una entrega extraña con una premisa interesante, aunque pasa sin pena ni gloria para la mayoría de fanáticos y el público general.
7. Halloween 4: The Return of Michael Myers (1988) Un regreso sólido tras la entrega que prescindió de Myers. La película recupera el espíritu del slasher clásico con un enfoque más sombrío, una fotografía fría y un final impactante que insinuaba una nueva dirección para la saga, pero sería arruinado por la quinta entrega. Correcta, efectiva y mejor de lo que muchos recuerdan.
6. Halloween II (1981) La secuela directa del clásico original, aunque carece de la dirección de John Carpenter. Peca de una falta de suspenso, pero mostró cómo debe ser una secuela que inicia justo después de la película anterior.
5. Halloween H20: 20 Years Later (1998) La primera secuela que decidió ignoró las secuelas de la película original para dar un salto de 20 años y mostrar cómo Laurie Strode enfrenta a su hermano. Un concepto innovador en su momento, que respetaba a la cinta original y modernizaba de la historia.
4. Halloween Kills (2021) La entrega más sangrienta y caótica. Se centra en el caos colectivo de Haddonfield tras los sucesos de la secuela de 2018, con algunas de las muertes más brutales de la saga. Puede pecar de tener un exceso de muertes, pero cumple con el propósito de entretener y mostrarnos una de las facetas más brutales de Michael.
3. Halloween (2018) Este soft reboot ignora todas las secuelas previas para continuar con la historia de la película original. Funciona, de nuevo, tal como “H20”, como una secuela directa del clásico de 1978. El esperado, y quizá mejor, regreso de Jamie Lee Curtis al papel de Laurie Strode. Moderniza la película original, trae un toque de nostalgia y mantiene el tono original de John Carpenter. Sin duda, la película que la saga necesitaba en ese momento.
2. Halloween (2007) Tan excelente que resulta divisiva, pues reinventa con crudeza la historia original, lo que divide la opinión entre fans, pues muestra un Michael más humano y perturbador al explorar su infancia y enfocarse más en el lado psicológico que sobrenatural. A pesar de que Halloween es una película que no necesitaba un remake, muestra cómo se debe hacer uno: con respeto al material original otorgándole un nuevo enfoque.
1. Halloween (1978) — dir. John Carpenter Tal vez para sorpresa de nadie, la primera película, la que dio origen a todo, es la primera en esta lista. Una obra maestra del terror con una atmósfera única que pocas veces ha sido igualada. El pequeño Michael cometió su primer asesinato, quince años después regresó a su tierra natal, Haddonfield, para sembrar el horror de nuevo entre la población. Su música icónica y el aura de suspenso definieron al slasher moderno y crearon uno de los asesinos más emblemáticos del cine. Un filme atemporal.
La historia de Halloween no solo pertenece al cine de terror: es parte del inconsciente colectivo. Michael Myers se ha vuelto un arquetipo, una sombra que se reinventa cada generación. Su máscara vacía refleja lo que más tememos: que el mal no tiene rostro ni explicación.
Desde las calles silenciosas de Haddonfield hasta los gritos perdidos en la noche, esta saga ha demostrado que el miedo, tal como la música de Carpenter, nunca deja de sonar. Porque cada vez que alguien apaga la luz y escucha un ruido en la oscuridad, la noche de Halloween vuelve a comenzar.
