El alcalde de Gustavo A. Madero, Janecarlo Lozano instala una cancha de más de 500 metros cuadrados con gradas, escenario y pantalla gigante para que hasta 15 mil vecinos festejen juntos el torneo.
La alcaldía Gustavo A. Madero quiere que ninguna familia se quede sin vivir el Mundial. Por eso, el alcalde Janecarlo Lozano puso en marcha el “Mundial Social”: 13 eventos completamente gratuitos con música, deporte y comida para todos los vecinos de la demarcación.
El corazón de la fiesta es el Estadio GAM 2026, una cancha de más de 500 metros cuadrados con gradas, escenario y una mega pantalla. Ahí caben hasta 15 mil personas al mismo tiempo.
La inauguración ya dejó huella. Majo Aguilar cantó “Cielito Lindo” y otros éxitos de la música regional mexicana ante más de 10 mil asistentes que celebraron la victoria de la Selección Mexicana sobre Sudáfrica en el partido inaugural. El primer fin de semana, el estadio recibió a más de 20 mil personas que bailaron con Banda el Maguey, El Sonido la Changa y el humor de Platanito Show.
Lo que viene es igual de intenso. Este jueves 18 de junio la alcaldía transmite el partido México vs. Corea del Sur desde las 19:00 horas y, al terminar, Mi Banda el Mexicano cierra la noche con música regional. El viernes 19, Uzielito Mix, Pablito Mix y DJ Esli calientan el ambiente desde las 16:00 horas antes del duelo entre Brasil y Haití.
El sábado 20 arranca con el partido entre Alemania y Costa de Marfil a las 14:00 horas y termina con lucha libre en vivo para toda la familia. El domingo 21, Día del Padre, habrá doble festejo: el Sonido el Siboney a las 13:00 horas y La Sonora Santanera con María Fernanda a las 14:00 horas.
La programación continúa el miércoles 24 de junio con Danny Daniel a las 17:00 horas, previo al partido de México ante República Checa. El viernes 26, el rock toma el escenario con Nana Pancha a las 15:00 horas y Salón Victoria a las 16:00 horas. El sábado 27, el rapero Aczino protagoniza una batalla desde las 17:00 horas.
El martes 30 de junio llega la nostalgia con Big Metra, Claudio Yarto de Caló, Charly y Luisa Fernanda de Garibaldi, María Karunna, Marco Jaques ex Ragazzi y Tony Sánchez de los Hijos de Sánchez, todos desde las 17:00 horas.
La gran final del torneo, el 19 de julio, tendrá a Eme MalaFe como cierre de lujo desde las 15:00 horas.
Además de los conciertos y transmisiones, el Estadio GAM alberga una Feria Gastronómica con más de 35 puestos de comida típica mexicana: tlacoyos, tacos, tortas y postres desde 30 pesos. También hay juegos mecánicos para que los más chicos disfruten junto a sus familias.
Parecía solo un meme de internet, pero detrás del corte de cabello, los lentes y el humor absurdo había un músico que marcó a toda una generación. Oliver Tree convirtió su personaje en un fenómeno mundial y construyó una carrera que sorprendió al mundo con Ugly Is Beautiful, un álbum que probó que el meme y el arte podían ir de la mano.
Orígenes
Oliver Tree Nickell nació el 29 de junio de 1993 en Santa Cruz, California. Aprendió a tocar el piano a los tres años, escribió sus primeras canciones en la infancia y exploró distintos géneros musicales antes de encontrar el estilo que lo haría famoso. Se graduó en 2016 en el Instituto de las Artes de California, donde se especializó en tecnología musical, y ese mismo año comenzó a construir lo que sería una de las propuestas más peculiares de la música alternativa contemporánea.
El personaje y el despegue en internet
Tree comenzó a llamar la atención en la extinta red social Vine con un personaje llamado Turbo: una sátira de un influencer moderno, definido por un corte de taza, unos jeans extra grandes, una chamarra deportiva retro de los 80 y lentes de velocista.
Con el tiempo, la línea entre la realidad y la ficción empezó a desvanecerse, pues cada vez era más difícil distinguir cuándo Tree interpretaba a Turbo y cuándo no. El personaje y el mismo Oliver comenzaban a ser fácilmente identificables en la web como uno solo.
El camino hacia su primer álbum: Ugly Is Beautiful
El camino hacia su álbum debut comenzó con el tema “Hurt”, publicado en diciembre de 2018, sencillo que en su primera semana alcanzó un millón de reproducciones en YouTube. Antes de eso, en 2016, su colaboración con el productor Whethan en “When I’m Down” se había vuelto viral y le valió un contrato con Atlantic Records. En agosto de 2019 lanzó el EP Do You Feel Me?, que era una muestra de cómo podría sonar su álbum.
El lanzamiento fue tan imprevisible como el mismo Tree. Con la llegada de la pandemia por COVID-19 se retrasó la fecha, por lo que anunció en broma que el álbum había sido cancelado y que planeaba lanzarlo “en los próximos 5 a 10 años”, antes de declararse oficialmente retirado. En mayo de 2020, tras desaparecer de redes sociales, reapareció con un video en Instagram en el que era “secuestrado” por alguien que prometió revelar la fecha de lanzamiento si la publicación llegaba a 100 mil comentarios. Sus seguidores lo lograron en 45 minutos. La meta se movió a 250 mil, luego a 500 mil, y la gente siguió.
La importancia de Ugly Is Beautiful
Finalmente, Ugly Is Beautiful vio la luz el 17 de julio de 2020 y debutó en el número 14 del Billboard 200 y en el número uno en Top Rock Albums, algo sorpresivo para un artista que era considerado un meme andante. El álbum mezcla melodías enérgicas, beats de trap con una voz aguda y distorsionada que lograba darle identidad a Tree.
Detrás del espectáculo del personaje, Tree había construido un álbum sobre el dolor, el rechazo y la lucha contra éstos, donde cada pista revelaba un tema específico, pues la absurdez del personaje solo era un vehículo, no el destino. Ugly Is Beautiful se convirtió en un álbum de pop-rock que animaba a sus fans a ser ellos mismos sin vergüenza.
En mayo de 2021, pese a haber declarado su retiro, Tree lanzó una edición deluxe del álbum, llamada Ugly Is Beautiful: Shorter, Thicker & Uglier, de la que el hit viral “Life Goes On” se convirtió en un fenómeno global, acumulando más de 464 millones de reproducciones en YouTube.
El impacto fue grande también en México, donde su amistad con el influencer Aarón Mercury y el doctor Simi lo llevó a fortalecer el vínculo con nuestro país. Tree murió el 14 de junio de 2026 en una colisión de helicópteros en Río de Janeiro, a los 32 años, dejando como legado cuatro álbumes de estudio y una personalidad de internet que demostró que el meme y el arte no son mutuamente excluyentes.
Después de tres décadas de carrera, el grupo danés-noruego ‘Aqua’ ha confirmado su separación definitiva de los escenarios. La noticia marca el fin de una era para una de las bandas más emblemáticas del pop de los años noventa.
A través de un comunicado publicado el 18 de mayo en Instagram, los integrantes Lene Nystrøm, René Dif y Søren Rasted explicaron que han decidido cerrar el capítulo de Aqua como agrupación musical. Según redactaron en el comunicado, consideraron que este era “el momento adecuado para decir adiós” buscando proteger el legado que construyeron juntos y asegurando que a pesar de la ruptura, el amor por la música y el cariño entre ellos se mantendrá intacto.
Importante recalcar que esta no es su primera vez yéndose a un hiatus. Tras su boom en la industria, se separaron en 2001 argumentando que “faltaba la chispa”, para luego reunirse en 2007 y nuevamente en 2017 para distintas giras conmemorativas. Sin embargo, este anuncio parece ser el cierre final de la historia de la agrupación. Venían operando como trío desde que el productor fundador, Claus Norreen, los dejó en 2016.
Aqua saltó a la fama mundial en 1997 con su éxito “Barbie Girl”, una canción que definió el eurodance de la década, vendió más de 33 millones de discos en todo el mundo y hasta les costó una enorme y polémica demanda por parte de la empresa de juguetes ‘Mattel’ (que finalmente ganaron al ser protegidos por leyes de parodia).
La agrupación experimentó un fuerte regreso en su popularidad gracias a la película de Barbie (2023) protagonizada por Margot Robbie. Su clásico regresó a los rankings de la mano de un exitoso remix, “Barbie World”, interpretado junto a las raperas Nicki Minaj y Ice Spice, lo que acercó su música a toda una nueva generación joven de oyentes casuales.
El adiós de Aqua, como el de muchas bandas que definieron el sonido de nuestra infancia o juventud, siempre deja un vacío en el panorama de la industria musical y cultura pop. Cuando estos grupos se retiran de los escenarios, no solo se apaga un estudio de grabación, sino que también se cierra una puerta directa hacia la nostalgia de la cultura pop de los 90s, recordándonos el cómo deberían de valorarse estos proyectos y que incluso las eras más icónicas de la música tienen fecha de caducidad.
Radiohead construyó durante años una imagen de crítica y resistencia: canciones contra la guerra, el neoliberalismo y la vigilancia convirtieron a la banda en una de las voces políticas más críticas del rock contemporáneo. Sin embargo, su silencio prolongado sobre Gaza e Israel, así como sus declaraciones posteriores, ha mostrado cómo politizaron el arte, para después despolitizar la tragedia.
En sus primeros dos álbumes, Pablo Honey (1993) y The Bends (1995), se concentran las letras menos políticas en sentido estricto, pues el primero es principalmente introspectivo y juvenil, y el segundo se enfoca más en el malestar y el vacío.
Es hasta OK Computer (1997) que Radiohead entra de lleno a una crítica del orden contemporáneo con una autopsia del capitalismo tardío, la globalización y la tecnocracia.
Primeros pasos
En “Electioneering”, la letra más directa, Yorke describe a los políticos que visitan comunidades rurales con vacías promesas y venden políticas de austeridad vacías, con una mención directa del FMI y el Banco Mundial. Yorke ha declarado que la canción nació de su hartazgo con la política de Tony Blair y el New Labour.
“Karma Police” satiriza la vigilancia y el control social normalizado; “Paranoid Android” es una visión brutal del mundo: especulación financiera, consumismo vacío, violencia. “No Surprises” es quizás la imagen más clara del álbum: aceptar la insignificancia en un sistema que nos aplasta.
Jonny Greenwood ha señalado que OK Computer pretendía transmitir aquella sensación que deja el dar cuenta que la velocidad del mundo moderno había superado la capacidad humana de comprenderlo o cuestionarlo.
Radicalización
Sin embargo, fue hasta Kid A (2000) y Amnesiac (2001), que Radiohead se radicalizó tanto de manera estética como política, y la influencia del movimiento antiglobalización es tangible, incluso Yorke asistió a protestas en Seattle y Praga.
“Idioteque” es la pieza más destacada de este periodo, al abordar el cambio climático, el colapso civilizatorio, la inutilidad de las respuestas institucionales. Por su parte, “The National Anthem” usa la saturación sonora como una metáfora política: un caos de voces superpuestas como la imagen sonora de una democracia liberal incapaz de escuchar o deliberar.
En Amnesiac, “Dollars and Cents” y “Life in a Glasshouse” hablan de vigilancia, instituciones vacías y la obsolescencia de los rituales cívicos, pues Yorke por ese entonces era muy cercano al movimiento Jubilee 2000.
Hail to the Thief: la crítica más dura
Las críticas más duras, directas y explícitas llegaron en Hail to the Thief (2003), que vio la luz en plena invasión de Irak y critica directamente el robo electoral de Bush del 2000, de acuerdo a Yorke.
“2 + 2 = 5” abre el disco con una referencia directa a Orwell: el doblepensar aplicado a la guerra y al discurso político post 11 de Septiembre; “Sit Down. Stand Up.” evoca la retórica del pánico securitario; “Backdrifts” y “Go to Sleep” hablan del adormecimiento colectivo y la complicidad pasiva con las estructuras de poder.
A “There There” y “Myxomatosis” Yorke las ha relacionado con una metáfora del capitalismo neoliberal y también con la expansión mediática del miedo. Durante este periodo, Yorke firmó manifiestos contra la guerra y denunció el papel de los medios a favor de ésta.
In Rainbows: el tiemble de la industria y las compañías
In Rainbows (2007) es un disco de amor, pérdida personal y menos enfocado en la crítica del sistema, pues Yorke ha explicado que necesitaba volver estos temas humanos después de años de rabia política.
Sin embargo, el modelo de distribución del álbum, un pago voluntario por el material directo en su página web y sin depender de un sello discográfico, fue en sí mismo un acto político y un ataque directo a la industria musical, así como al modelo de propiedad intelectual corporativa, pues le mostró a los artistas y al público que era posible prescindir de las discográficas y las grandes compañías.
Politizar la música para despolitizar la tragedia
Cuando el conflicto en Gaza se desató en octubre de 2023, los seguidores de la banda esperaban un posicionamiento o apoyo de la banda que escribió “2 + 2 = 5” e “Idioteque”, o al menos de sus dos miembros centrales. La respuesta fue el silencio.
Jonny Greenwood es el más implicado. Casado desde hace décadas con la artista israelí Sharona Katan, lleva desde 2008 colaborando con el músico israelí Dudu Tassa. Para Greenwood, la colaboración artística entre músicos árabes y judíos es una posición política. Sin embargo, es duramente criticado que actuó en Tel Aviv en mayo de 2024, mientras en Rafah ardían los campamentos de desplazados a manos de las FDI. En mayo de 2025, conciertos en Londres y Bristol con Tassa fueron cancelados tras presión del movimiento Boicot, Desinversión y Sanciones contra Israel, al que Greenwood acusó de “censura”. El BDS, a su vez, exigió el boicot a Radiohead y The Smile hasta que la banda se distancie de lo que llama su “complicidad en el artwashing del genocidio”. No obstante, en febrero de 2026 el guitarrista comentó que la música debe “estar por encima de lo político”, como si sus más grandes trabajos hubieran sido fruto de la indiferencia.
Por otro lado,Thom Yorkeguardó silencio hasta el 30 de mayo de 2025, cuando, más por presión que por iniciativa, publicó un extenso comunicado en él llamó a Netanyahu “extremista fuera de control”, afirmó que su excusa de autodefensa “hace mucho que dejó de sostenerse” y calificó el bloqueo de ayuda humanitaria como “horroroso.” De igual manera condenó a Hamas y criticó la cultura del activismo de redes sociales. El comunicado, a crítica de sus seguidores, exuda una falsa simetría, es “tibio”, llegó tarde, y carece de una condena característica del vocalista. A mi muy honesto parecer, es una evasión por parte de un artista, y activista, que durante décadas ha sido la conciencia política de su tiempo, y con el que las disidencias del sistema podían identificarse.
El problema no es el silencio, es todo lo que cantaron antes
A todo esto subyace el debate, ¿tienen los artistas la obligación de pronunciarse sobre atrocidades en curso, y en qué plazo? La respuesta, dependiendo de a quien se le pregunte, puede ir más allá de la afirmación, la negación o el “depende”. Al menos en este caso, Radiohead durante décadas construyó la imagen de una banda comprometida con la crítica al sistema, política, guerras o al autoritarismo.
Hay un compromiso entre lo que se transmite en el arte y lo que se dice en la vida pública. En álbumes como“Animals”, “Wish You Were Here” o “Is This the Life We Really Want?”, Roger Waters ha mantenido una clara postura política, la cual ha sido la raíz de sus obras y la ha reafirmado en su vida pública al denunciar injusticias, criticar políticos, figuras y guerras, así como apoyar causasdurante 50 años de carrera. Mismo es el caso de System of a Down, que durante una carrera más corta han mantenido una congruencia similar entre el contenido lírico de sus álbumes, sus posturas, comunicados y causas que apoyan.
No es un capricho de los fanáticos, y es verdad que una condena no resolverá los problemas ni cambiará el panorama, dado que los conflictos globales no pueden reducirse a “tomar un bando” tal como si de un partido se tratase. No obstante, la trayectoria de Radiohead creó una expectativa que ellos mismos alimentaron durante décadas, por lo que el silencio de dos años por parte de la banda que hizo Hail to the Thief, para rematar después con que “la música debe estar por encima de la política”, resulta algo peor que decepcionante: es la personificación de la incongruencia.
¿Cómo veo ahora a una de las bandas que me enseñó que el arte debe incomodar al poder?
El pasado 10 de mayo, cálculos no oficiales estiman que entre 60 mil y 70 mil armys se concentraron fuera del Estadio GNP Seguros (antes Foro Sol) para poder disfrutar, aunque fuera desde el exterior, el concierto de BTS. Esto es una gran evidencia de lo que muchos pensamos: el antiguo Foro Sol, a pesar de su reciente 一y muy pobre一 remodelación, es un recinto que le queda corto a nuestra ciudad y necesita una reestructuración completa. Por décadas, la Ciudad de México ha tolerado lo intolerable en nombre de la música.
Quienes solemos asistir seguido a conciertos sabemos que, fuera del espectáculo musical, es una horrible experiencia asistir al Estadio GNP Seguros, anteriormente llamado Foro Sol (como si una casi nula remodelación y un cambio de nombre hubieran mejorado algo). No solo basta el pagar un boleto cada vez más caro y cargos cada vez más altos e injustificados por el monopolio llamado TicketMaster. Hay que soportar primero caminar una vuelta kilométrica al ingresar para, en la mayoría de los casos, terminar viendo a tu banda o cantante favorito en las pantallas del recinto. Porque, estas dos gradas enormes que ahora hacen llamar estadio (que de estadio no tiene nada), parece que fue diseñado para que la mayoría de sus asistentes no vean absolutamente nada.
Nula visibilidad
Si compraste un boleto en General B, en las secciones GNP 7 al 10, o en las gradas Naranja C o Verde C, básicamente pagaste por escuchar un concierto con pésima visibilidad, resultado de30 años de indiferencia hacia los usuarios. El escenario está tan abajo y tan lejos que, si no estás dispuesto a desembolsar una gran cantidad de dinero, no podrás disfrutar de una buena vista. Sí, hay pantallas, pero para ver un concierto en pantalla lo puedes hacer desde la comodidad de tu casa. Si el recinto decidiera hacer conciertos como los últimos eventos de BTS o Metallica, con un escenario 360 al medio, sería más justo para los asistentes.
Pésimo sonido
Este lugar nunca fue concebido pensando en una experiencia auditiva, fue construido para ver autos. Ofrecer conciertos en gradas ubicadas en una curva da como resultado que, a zonas como Naranja C, el sonido llegue distorsionado y mezclado con sonidos del público. Pagar un boleto para un concierto más caro que en Europa o EUA y recibir una pésima acústica es una falta de respeto al público que sostiene económicamente al foro.
Remodelación de chiste
La “gran remodelación” de 2024 fue una bofetada con guante blanco: desapareció la sección Verde A, la única zona que ofrecía cercanía real al escenario, buena vista y un precio medianamente accesible. Un techo que cubre parcialmente al público de gradas ante la lluvia, y asientos que para nada son cómodos. La “remodelación” no mejoró la experiencia en ningún aspecto.
Salidas mortales
Terminado el concierto, el recinto se convierte en un embudo humano donde decenas de miles de personas intentan salir simultáneamente por accesos insuficientes, formando peligrosos cuellos de botella. Los carteristas operan con absoluta libertad en ese caos, por lo que es común escuchar casos de personas que han perdido su cartera o cellar al salir.
A merced del clima
Un recinto al aire libre suena, en teoría, como una virtud, pero se convierte en condena cuando cae una de las tormentas típicas del Valle de México, como en el concierto de Billie Eilish de 2023 que tuvo que ser pospuesto. No hay techo suficiente, ni refugios dignos para 65 mil personas, además de que el lugar se inunda. La infraestructura de protección climática es prácticamente inexistente para la magnitud del aforo.
No cabe duda de que el Estadio GNP Seguros es el recinto más importante de entretenimiento en México no porque sea el mejor, sino porque es el único que aguanta ese volumen de gente. Y esa es, precisamente, su mayor pecado: sabe que no tiene competencia real y por eso nunca ha tenido verdadero incentivo para mejorar. Mientras haya artistas que lo llenen, el público seguirá aguantando, y el estadio seguirá sin ofrecer un servicio digno.
El encuentro con la banda surcoreana se realizaría este 6 de mayo y el gobierno contempla abrir espacios para que seguidoras puedan saludarlos en el Zócalo.
La presidenta de México, Claudia Sheinbaum, sorprendió al anunciar que la reconocida banda de K-pop BTS estará presente en Palacio Nacional este miércoles a las 17:00 horas, en un encuentro sin precedentes que marca un momento histórico en la relación cultural entre México y Corea del Sur.
Durante la Mañanera del Pueblo, la mandataria explicó que la visita surge tras una carta enviada al gobierno surcoreano, en la que expresó el entusiasmo de las y los fans mexicanos por la agrupación. El posible arribo del grupo coincide con el lanzamiento de su nuevo álbum “Arirang”, así como con su regreso a los escenarios internacionales.
Sheinbaum destacó que, ante la expectativa de miles de seguidoras en el Zócalo capitalino, se analiza la posibilidad de abrir el balcón de Palacio Nacional para que los integrantes puedan saludar al público, en lo que sería un gesto simbólico de cercanía y celebración.
La presidenta Claudia Sheinbaum (@Claudiashein) reveló que este miércoles por la tarde el grupo BTS (@BTS_twt) visitará Palacio Nacional, con la posibilidad de que sus integrantes salgan al balcón para saludar a sus fans. La llegada está prevista alrededor de las 17:00 horas. pic.twitter.com/M4vQserx2Q
La mandataria subrayó que BTS es uno de los grupos más influyentes del mundo, especialmente entre jóvenes mexicanos, y resaltó que sus canciones promueven valores como la paz, la amistad y el humanismo, lo que motivó el interés de concretar este encuentro.
Se prevé que la visita de Jin, RM, SUGA, J-Hope, Jimin, V y Jungkook sea breve y esté coordinada por la Secretaría de Cultura, encabezada por Claudia Curiel. Sin embargo, hasta el momento, el equipo oficial de la banda no ha confirmado públicamente su presencia.
El anuncio ha generado gran expectativa en redes sociales, donde fans ya se organizan para acudir al Centro Histórico, en lo que podría convertirse en uno de los eventos culturales más multitudinarios del año en la Ciudad de México.
Entre sombreros y coros del público, el Palenque de Puebla se rindió ante el show de Gerardo Ortiz, que se prolongó hasta la madrugada.
Con un auditorio lleno, el Palenque de Puebla tuvo la madrugada de este miércoles 29 de abril a Gerardo Ortiz, un referente del regional mexicano, que a un ritmo marcado por la tuba, mantuvo a los asistentes de la Feria de Puebla 2026 gritando y bailando en un concierto donde interpretó corridos, baladas y rancheras.
Foto: LosReporterosMX / Frank Alvarado
De botas y sombrero iban, desde jóvenes y hasta adultos mayores, a disfrutar de este concierto, sin importar que el día siguiente fuera laboral. Incluso se dejaban ver cárteles para mostrar su cariño a Gerardo Ortiz: “Esperé 12 años para verte en vivo, ¿me regalas una foto?”, decía uno de los susodichos que era sostenido por una joven que durante la presentación lanzó su sombrero al escenario, mismo que el cantante tuvo el agradecimiento de firmar.
Foto: LosReporterosMX / Frank Alvarado
Originario de Estados Unidos pero con profundas raíces mexicanas, Ortiz ha construido una trayectoria sólida desde inicios de la década de 2010, destacando por renovar el corrido tradicional con tintes modernos. Durante este concierto, incluyó algunos de sus temas más emblemáticos, como “Y me besa”, en la que el público, en jubiló, coreó: “Y me besa aquí, y me tienta acá. Me besa por todos lados, uy-uy-uy, ay-ay-ay-ay”.
Foto: LosReporterosMX / Frank Alvarado
Pese a que se tenía programado a las 11 pm del martes 28 y terminó iniciando después de las 12 ya del día siguiente, la afición se mantuvo con energía en todo el concierto que se extendió hasta después de las 2 am. Una jornada donde Ortiz, vestido de saco y sombrero negros, agradeció a Puebla y sacó el brillo de las mejores armas de su repertorio, como “Tranquilito”, “El trokero lokochón”, “Palma Salazar”, “Mañana voy a conquistarla”, entre otras.
Foto: LosReporterosMX / Frank Alvarado
Aunque aún persiste el dilema y críticas sobre los corridos, Gerardo Ortiz ofreció también temas de otra índole para todos los gustos del recinto. Con esta presentación, no sólo sumó un concierto más a su carrera, sino que reafirmó su lugar como figura vigente en la música mexicana en una de las festividades más importantes de la cultura y de Puebla.
La OSM se traslada a la Sala Silvestre Revueltas por cierre temporal por rehabilitación de la Sala Nezahualcóyotl.
La Orquesta Sinfónica de Minería (OSM)realizará su temporada de verano 2026en la Sala Silvestre Revueltas, porque su sede habitual, la Sala Nezahualcóyotl, estará cerrada por trabajos de rehabilitación durante seis meses. Un ajuste obligado que evidencia la limitada infraestructura para conciertos sinfónicos en la capital.
Luis Antonio Ascencio, presidente de la Academia de Música del Palacio de Minería, señaló para La Jornada que el cambio implicó un proceso complejo, ya que en la Ciudad de México escasean los espacios diseñados específicamente para orquestas. Aunque existen auditorios y teatros, pocos cuentan con condiciones acústicas, concha sonora y capacidad escénica adecuadas para albergar a más de 100 músicos.
La Sala Revueltas, sede de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, fue seleccionada por cumplir con estos requisitos y por su cercanía con el Centro Cultural Universitario, lo que facilitará la asistencia del público habitual. El acuerdo con el Centro Cultural Ollin Yoliztli contempla una inversión cercana a 3 millones de pesos, que incluye renta del espacio y trabajos de impermeabilización del recinto.
La temporada se llevará a cabo entre julio y agosto con alrededor de 21 presentaciones distribuidas en 10 programas. Además, la OSM regresará al Palacio de Bellas Artes para ofrecer tres conciertos. El repertorio incluirá obras de Gustav Mahler, Wolfgang Amadeus Mozart y la mexicana Gabriela Ortiz.
Olas Altas se llena de entusiasmo con la llegada de miles de bikers para la Semana Internacional de la Moto 2026, que incluye música, comida y un gran desfile.
La zona de Olas Altas se convirtió en un festín de energía y camaradería este viernes. Miles de motociclistas llegaron a disfrutar de la tradicional comida de convivencia del evento motorizado más esperado del año, la Semana Internacional de la Moto 2026.
Durante el evento, visitantes y locales compartieron risas y música en un ambiente vibrante. La comida, que destaca la rica gastronomía de Mazatlán, se sirve a miles de bikers que vienen de diferentes lugares de México y el extranjero. Este encuentro ha sido una tradición de más de 30 años, simbolizando la conexión y la amistad entre motociclistas.
La celebración no termina ahí. Esta noche, el Centro de Convenciones albergará un emocionante concierto tributo al Rock en Español. Artistas reconocidos como Clavería de La Ley, Kenny Guevara de Elefante, y Pancho Barraza, entre otros, prometen hacer vibrar a todos los asistentes.
Mañana, el clásico desfile por el Malecón llenará las calles de Mazatlán con el rugido de las motocicletas. La noche será igualmente espectacular con las presentaciones de Rock And Roses, Black Beats, Los Madakakers y la actuación estelar de Mago de Oz.
La Semana Internacional de la Moto no es solo un evento, es una celebración de la pasión por las motocicletas, la música y la cultura. Mazatlán se viste de fiesta para dar la bienvenida a todos los que comparten este amor por la libertad sobre dos ruedas.
Del 28 de marzo al 11 de abril en Zacatecas habrá más de 400 actividades artísticas, talento de 20 países y una programación que, según el gobierno de David Monreal Ávila, “proyecta el futuro” del estado como plataforma cultural internacional. Pero detrás del discurso luminoso hay cifras que merecen ser cuestionadas.
Entre los actos estelares del festival figuran nombres que no son precisamente baratos. Billy Idol, el veterano del rock británico, tiene un costo de contratación que oscila entre los 300 mil y 499 mil dólares, de acuerdo con la agencia CelebrityTalent. Los Fabulosos Cadillacs, la reconocida banda argentina, cotizan entre 100 mil y 200 mil dólares de acuerdo al sitio Cuanto. Y para completar el cuadro, Revisiting Creedence, de acuerdo al portal Booking Entertainment lista con un costo anunciado menor a 100 mil dólares, aunque estimaciones en línea lo ubican alrededor de los 39 mil.
Haciendo una suma modesta, solo estos tres actos representarían un desembolso de entre 440,000 y más de 700,000 dólares (entre 7.6 y 12.1 millones de pesos) en contrataciones artísticas internacionales. Esto, en un estado que ocupa los últimos lugares nacionales en desarrollo humano, acceso a servicios de salud y seguridad pública.
El gobierno de Monreal no ha desglosado públicamente cuánto erario es destinado a cada contratación, ni bajo qué criterios se eligió gastar en figuras internacionales de ese calibre cuando el 70% de la programación, de acuerdo a cifras oficiales, es de talento local —que presumiblemente tiene un costo muy menor.
En tiempos de austeridad discursiva y crisis de seguridad, un gobernador que justifica medio millón de dólares en artistas foráneos con el argumento de “proyección internacional” debería, al menos, ofrecer transparencia.
Celebrar la cultura es un acto necesario, pero no con fondos públicos sin rendición de cuentas.
