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  • Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Una obra escrita por Daniel Veronese, bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado.

    La experimentada y lúcida actriz de cine , teatro y televisión Francesca Guillén protagoniza; Mujeres soñaron caballos, del dramaturgo argentino Daniel Veronese, que se presenta en La Teatrería bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado, producción de Pacto Escénico.

    La obra sitúa al espectador como testigo incómodo de una cena entre dos hermanos y sus parejas. Lo que inicia como un encuentro cotidiano se transforma en un campo minado de reproches, deseos frustrados y violencia contenida. Veronese, referente del teatro latinoamericano contemporáneo, usa el absurdo y el realismo para mostrar cómo la intimidad se vuelve un ring de poder.

    Guillén es Ulrika, un personaje que oscila entre la vulnerabilidad y la rabia. Su interpretación transita del sarcasmo al quiebre emocional con una precisión que sostiene la tensión de la obra. La acompañan en escena Mónica Jiménez como Bettina, Juan Ríos como Iván, Estela Aguilar como Julika, Carlo Basabe como Roger, Gina Granados como Lucera y Víctor Loomis como Rainer.

    Mujeres soñaron caballos se ha convertido en un texto clave del teatro iberoamericano por su forma de retratar el delirio de los roles de género y la descomposición del núcleo familiar sin panfletos ni juicios. Esta versión mantiene el pulso original de Veronese pero resuena con ecos locales: la casa como territorio de disputa, la cena como ritual fallido.

    Veronese no escribe obras: escribe partituras para que el actor se estrelle. Su mérito es devolverle al diálogo la categoría de acción. Su límite es que sin un actor que entienda el silencio, el texto se queda mudo. Daniel Veronese es una teatralidad – estado de emergencia.

    En exclusiva para LosReporterosMX , Francesca comparte una serie de reflexiones:

    “El hilo de plata se coge a ciegas”

    A.G. ¿Qué representa para ti en este momento formar parte de esta puesta en escena?

    F.G. Reconectar con mi animal lúdico en un montaje breve, mordaz y lleno de posibilidades para transitarse; mi animal en búsqueda de escape del acotado espacio en que transita. Resignarme en la intuición del que habita y escucha en tiempo presente… el rompimiento de mi propia imposición a ceñirme a lo que no palpita conmigo. Eso significa este montaje en este momento de mi vida. Develar mi propio laberinto y resolverlo a mi tiempo en donde corresponde.

    A.G. ¿Qué fue lo que más te atrapó del concepto, de la historia, del guión de: Mujeres soñaron caballos?

    F.G. Me fascina que el planteamiento esté sustentado en el trabajo de sus intérpretes y no en los decorados u otros elementos ajenos que culminarían en artificio. La desnudez simbólica de las actrices y los actores poniendo el cuerpo como único filtro ante la mirada del espectador.Damos peso a la palabra, el subtexto, el silencio, y la historia fincada a estos únicos elementos; Gatillos improvisados para detonar contra el otro / la otra mediante la exhibición grotesca de su falta.

    También me pareció magnífico que el autor exija ceñirse a lo que está escrito. Sin adiciones, sin reiteración, sin sobre explicación. La sabiduría intuitiva de la palabra como un acto impulsivo y sin filtro.

    A G. Háblanos de Ulrika, tu personaje.

    F.G. Decadente, ácida, lastimada, hiriente, soez, mordaz, piromaniaca emocional.Impaciente, profética y densa.Cínica, histérica, irónica, sarcástica y cáustica.

    Desde el punto de vista del reto actoral: exquisita.

    A.G. Tienes una gran trayectoria en cine, teatro y televisión. ¿Consideras que este montaje representó un reto? ¿Cómo lo encaraste?

    F.G. En muchos sentidos mi abordaje al mundo es siempre infantil, por lo que todo en esta vida me representa un reto, un riesgo, un salto al vacío. Un nuevo juego que seguro me dolerá.

    En este caso concreto: sí, tuve muchas crisis en el proceso. Mucha angustia e incomprensión de la petición. Sentí por momentos que me invitaban a deshacerme de mí para llegar a algo nuevo… sigo sin resolver tal enigma, pero decidí confiar en mi entraña… y accionar. Solo ahí, en escena, en la acción, se halla la solución. El hilo de plata que se coge a ciegas pero guía hacia un nuevo nivel del inframundo en que se habita.

    Me gusta hilvanar palabras y sensaciones… de eso me amarro para el salto al vacío. El aterrizaje es siempre desconocido lo que me hace sentir finalmente viva y auténtica en mi búsqueda.

    A.G. ¿Cuál es tu sensación tras el estreno? ¿Qué tal te sientes con esta producción y este elenco?

    F.G. Bueno, aún queda un camino para seguir encontrando tesoros y trampas. El montaje es joven en todo sentido así que lo mejor está por venir. Cuando la madurez nos alcance a todos los intérpretes en escena entonces nacerá el fruto, mientras tanto habitamos el árbol, nos familiarizamos con su ritmo.

    Me gusta este elenco, esta conformación de entidades en todo sentido diversas. No todo me agrada en nosotros, pero aún eso me agrada.

    Somos una perfecta familia disfuncional con filias y fobias para resolver y resonar. Hay un equilibrio en la precariedad del colectivo y las certezas que creemos poseer y que sin embargo aún están por sorprendernos.

    La puesta cuenta con diseño de escenografía e iluminación de Alberto Reyna, asesor de movimiento escénico Edson Martínez.

    Mujeres soñaron caballos

    Autor: Daniel Veronese

    Dirección: Mariana García Franco & Abraham Jurado

    Elenco: Francesca Guillén – Ulrika, Mónica Jiménez – Bettina, Juan Ríos – Iván, Estela Aguilar – Julika, Carlo Basabe – Roger, Gina Granados – Lucera, Víctor Loomis – Rainer

    Producción: Pacto Escénico

    Foro: La Teatrería, Tabasco 152, Roma Norte, CDMX

  • CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    TRIAGE.                                   

    Por: Alexandro Guerrero

    Producir la serie Sesiones Vagabundas México, conducida y realizada a partir de la idea original de Mauricio Figueiral, fue todo un honor.

    La más reciente temporada del programa, nació de una invitación que recibí en el Hotel Nacional de La Habana en 2022. Desde ahí, pensar en las distintas posibilidades de locaciones y sedes fue ir dando con el encuentro de distintas latitudes, también institucionales, que en materia cultural decidieron apoyar este proyecto sin pensarlo dos veces.

    El elenco que se conformó es, además, una maravillosa muestra de diversidad en un aspecto amplísimo. Eso fue lo que busqué de alguna manera curatorialmente: desde lo musical, mostrar para Latinoamérica cuál es el sonido de lo que es México hoy. Teniendo como coproductores a Orlando Canseco, Rol Alvarez y Alfonso Vázquez Pérez, además del audio del maestro Antonio Diego.

    Sesiones Vagabundas, grabada en México se transmite  por Canal 14 a las 5:30 p.m. los miércoles, a partir de este 22 de abril. La señal y complicidad de teleSURtv  y CanalHabana acompañan en esta aventura sonora que consta de 11 capítulos y sus protagonistas son: Mariachi Amazonas de Alejandra Carballido; Horacio Franco;  Sol Pereyra; Jaime Ades; Iskander; Alexandro Guerrero; Tere Estrada; Jorge Fratta; Julia González; Adriana Camacho, Ross CL y Orlando Canseco: Lobo Estepario. El centro Nacional de las artes, la Fonoteca nacional, Tepito y su espacio cultural, Centro Cultural “El rule”, Hostal Regina, Xochimilco, Cafebrería El péndulo ;La Esmeralda; El estudio A de Radio educación y el Museo del tequila y el mezcal de Garibaldi , son los escenarios y el marco de las sesiones en esta infinita urbe tan diversa.

    Sesiones Vagabundas: historia del proyecto de Mauricio Figueiral

    Sesiones Vagabundas nació en Cuba como una serie documental-musical creada, dirigida y conducida por el cantautor Mauricio Figueiral. El formato se emitió por primera vez en Canal Habana y luego tomó proyección internacional a través de TeleSUR, donde lleva más de cinco años al aire.

    La tesis era clara: sacar la música de teatros y estudios para llevarla a “rincones ocultos de La Habana que no salen en postales, que no salen en revistas porque solo los cubanos amantes de la ciudad conocen”. Cada capítulo combina sesión acústica en vivo + entrevista íntima con artistas “muy queridos” del panorama cubano. La conversación, sin guion, busca “descubrir al ser humano que creemos conocer, pero que aún le queda demasiado por contarnos”.

    Con apoyo de instituciones culturales y la Asociación Hermanos Saíz, la serie salió de La Habana para retratar otras escenas. Figueiral lo explicó así: “Estoy en Camagüey retratando su música y sus lugares públicos, con agrupaciones jóvenes y otras que se renuevan constantemente”.

    Las temporadas grabadas tanto en la Habana como en la República de Cuba en ciudades del interior así como en Caracas, se han transmitido por distintos canales de la televisión pública de México.

    El criterio curatorial no es el hit, sino la historia que puede abrir la música cuando se toca sin máscaras.

    Fuente: Canal Catorce https://share.google/54iki14ewFPgDE6et

  • El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky por fin en México. Se presenta a partir del próximo 24 de abril en el Teatro Orientación del CCB /INBAL.

    Desde la visión del creador chileno Alejandro Jodorowsky, la escena es un acto de resurrección, no un cadáver para el análisis. Una de las claves del Teatro de Alejandro Jodorowsky es que nunca ha buscado ser “comprendido” dramatológicamente. No distingue niveles, ni mide tiempos “diegéticos”, tampoco defiende el pacto ficcional como condición del hecho escénico. En “El Gorila”, atestiguamos un teatro deliberado que rechaza la autopsia académica. Emancipado a distintos niveles de esa teoría que disecciona la escena: “El Gorila” creado por Alejandro y Brontis Jodorowsky por primera vez en México, a partir de un cuento de Franz Kafka, muestra a un simio que aprende a ser humano para evitar la jaula. Esa en la que normalmente estamos todos profundamente solos.

    Aquí se invierten los términos: si la teoría exige distancia estética, en el Gorila, se da una propuesta que busca incendiarla. “La distancia es el infierno de los tibios”, sostendría la poética. Por eso Brontis no “interpreta” al gorila, se pone al servicio del rito con argumentos técnicos en lo actoral impecables y dinámica escénica precisa y lanzada poderosamente como crítica anticríptica, también de las “actoralidades” que ven como éxito al falso altar de la institución.

    “El Gorila” no necesita ser afirmado como vigente para publicidades demagógicas, la pieza es un manifiesto de reivindicación del suceso. En su genealogía, el teatro nació en la sangre, en la máscara que llama a los dioses. El paso por la academia, dice la visión del director, volvió al teatro “oficina con aire acondicionado” donde se llenan formularios. Lo volvió contable. Frente a eso, en “El Gorila” también se nos presenta una oportunidad de recuperar como espectadores, una propuesta muy lograda desde la agresión simbólica (sin intrumentalizarla), al sacrificio y el grito como herramientas, no como excesos.

    El Gorila ofrece su informe a una academia de hombres con birrete que aplauden sin entender que están siendo acusados, el informe es un escupitajo. El teatro vivo, sostiene esta postura, no cabe en cuadros ni categorías. El día que entre al aula, romperá los cuadros, orinará el pizarrón y saldrá aullando. Ese día, el crítico tendrá que elegir entre medir el aullido o aullar con él.

    La disyuntiva es clara: se puede entender el teatro o se puede dejar que el teatro nos intervenga para de algún modo nacer de nuevo. Entre tanto teatro gris de inercias hoy aquí, El Gorila respira.La jaula ahora es algorítmica El gorila de Kafka aprende a imitar al humano para salir de su jaula física. Hoy, millones de personas aprenden a imitar al algoritmo para no ser invisibles: editan su rostro, modulan su opinión, repiten tendencias para que la plataforma no las encierre en el silencio. El Gorila pone cuerpo a esa domesticación voluntaria. En escena, Brontis muestra cómo la “libertad” se consigue a costa de la naturaleza propia. El público de 2026 ya no ve una metáfora: ve su feed de TikTok, su CV optimizado para IA, su pasaporte biométrico. Hay una crísis de identidad como herramienta a la biopolítica global: De Gaza a Ucrania, de las elecciones en USA a las protestas por el agua en América Latina, el dilema es el mismo que grita el Gorila : ¿a qué renuncio para que me dejen vivir? Migrantes que borran su acento, disidentes que callan para no ser cancelados, países que negocian su soberanía por seguridad. Jodorowsky, premiado en 2025 con la Medalla Bellas Artes por “la osadía y la libertad creativa”, recurre a Kafka para recordarnos que adaptarse puede ser una forma de morir. El montaje dura 70 minutos; la pregunta dura toda la salida del teatro.

    El director recibió la Medalla Bellas Artes 2025 y desde París expresó: “a los artistas les falta agradecimiento real”. El Gorila es ese agradecimiento convertido en herencia. No es nostalgia: es advertencia. A sus 96 años. Alejandro Jodorowsky en otra mancuerna creativa con Brontis Jodorowsky nos regalan una bomba para recordarnos que seguimos eligiendo la jaula porque le tememos a la selva. ¿Quién necesita más espejos que nos digan que “estamos bien”? Aquí tenemos un Gorila que nos espeta si hay sentido en haber aprendido a caminar en dos patas.

    Brontis Jodorowsky nació en la Ciudad de México en 1962, debutó a los 7 años en El Topo (1970) dirigida por su padre. ,Tras participar en “La montaña sagrada” (1973) y ganar la Diosa de Plata al Mejor Actor Infantil en 1974 por El muro del silencio de José Luis Alcoriza, se trasladó a Francia en 1979 y estudió teatro con Ryszard Cieslak. Desde entonces ha desarrollado una carrera internacional trabajando en escena con directores como Ariane Mnouchkine, Irina Brook, Jorge Lavelli y Simon Abkarian, y ha dirigido óperas como Pelléas et Mélisande (2009), Rigoletto (2011) y Carmen (2012). En cine ha actuado en Santa Sangre (1989), La danza de la realidad (2013) y Poesía sin fin (2016), ambas de su padre, además de Tau, 7 días en Entebbe, Bayoneta y Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (2018), donde interpretó al alquimista Nicolas Flamel. Paralelamente, publicó “Manual de codicia” (2020), un libro de aforismos críticos sobre la sociedad de mercado y prepara en la actualidad un nuevo lanzamiento editorial. Recientemente participó como actor en la etnoficción de Tania Campos Thomas: “Como Elena, en París” en el Théâtre de l’Opprimé de la ciudad francesa a que refiere el título del montaje, pieza integrada por un equipo creativo francomexicano. Esto en el marco de las actividades que conmemoran el bicentenario de las relaciones diplomáticas México –Francia y el aniversario 110 del nacimiento de la escritora Elena Garro. Producto de esta residencia con la compañía mexicana (…) Puntos suspensivos; “La structure” compañía de Brontis Jodorowsky, colaboran entrambas para la temporada de: “El Gorila” que alberga la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura/INBAL.

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky se estrenó en 2009. Era la primera vez que padre e hijo firmaban juntos el montaje: Alejandro en dirección, escenografía y música; Brontis en escena. De ahí saltó a París en 2010 para una temporada en el Théâtre du Lucernaire. Ese mismo año cruzó el Atlántico y se instaló todo junio en el Teatro Sarmiento de Buenos Aires. La gira europea se extendió. Ya se había visto en Francia, Italia e Inglaterra antes de agosto de 2011. En 2011 tuvo dos hitos italianos: se presentó en Siena, en el Teatro Politeama di Poggibonsi dentro del Fenice Festival toscano, y el 17 de agosto llegó a España por primera vez, al Festival de Teatro y Danza de San Javier, en Murcia, en el Auditorio Parque Almansa. En 2012 el monólogo siguió viajando. El 29 de enero se estrenó en Madrid, en el Teatro Circo Price, siendo España el séptimo país en verlo en tres años. Ese mismo año volvió a la tierra natal de Alejandro: Santiago de Chile, como parte del XIX Festival Santiago a Mil en el Teatro GAM, con Brontis presentándose por primera vez en Chile. Entre 2010 y 2016, el monólogo sostuvo una gira internacional de seis años que lo llevó por varios países de Europa, América y Reino Unido. Tras esa itinerancia, El Gorila regresó a París en la temporada 2015-2016 “tras una larga gira de seis años”.

    Ahora, en 2026, del 24 de abril al 17 de mayo este mítico acontecimiento escénico, eslabón indispensable en la historia del Teatro Mexicano Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque, en Ciudad de México. Jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00. Los boletos ya están disponibles en:https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=411

  • “El Mandarín Milagroso”: Una Danza Contemporánea que Transforma el Clásico en la Modernidad

    “El Mandarín Milagroso”: Una Danza Contemporánea que Transforma el Clásico en la Modernidad

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    En su mejor momento, el espléndido Teatro de las Artes del Cenart, concluye hoy temporada: “El Mandarín Milagroso”.

    “El Mandarín Milagroso”, es un espectáculo de danza contemporánea que explora el deseo, la violencia y la redención desde una mirada contemporánea. La obra, creada por Duane Cochran y Aksenti Danza Contemporánea, se inspira en la célebre partitura de Béla Bartók , tuvo un memorable estreno el 30 de enero y concluye hoy funciones , 1 de febrero en el Teatro de las Artes.

    La historia original de Melchior Lengyel es reinterpretada por Cochran, quien propone una lectura renovada de este clásico modernista en diálogo con el Concierto para Violín de Igor Stravinsky. La obra es un programa escénico de gran complejidad musical y emocional, que une la fuerza de la música con la expresividad del cuerpo en un lenguaje contemporáneo profundamente humano y visualmente hipnótico.

    “El Mandarín Milagroso” es un cuento espeluznante sobre prostitución, robo, engaño y homicidio, que fue censurado en su estreno en 1926. La versión de Cochran traslada la historia al Barrio de Tepito, en la Ciudad de México, y cuenta con la participación de reconocidos intérpretes y creadores escénicos, como Sebastián Kwapisz, concertino de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Qué manera de abrir el año 2026 en este espacio. Altísimo nivel de ejecución, espléndido encuentro de precisión y sensibilidades.

    El elenco de El Mandarín Milagroso en el CENART (Centro Nacional de las Artes) está conformado por la compañía Aksenti Danza Contemporánea, bajo la dirección y coreografía de Duane Cochran. En escena: Cecilia Contreras, Elena Hernández, Yoshio Córdoba, Jonathan Villeda, Gustavo Morales, Antonio Salcedo, Juan Negrete, Luis Armas y Rodolfo Aguilera. La obra es posible gracias al apoyo del estímulo fiscal EFIARTES de Gran Formato en su edición 2024, otorgado por primera vez a la disciplina dancística. La música, el diseño lumínico y el vestuario se integran para construir una atmósfera poética y visualmente poderosa. El Teatro de las Artes: Un Espacio Emblemático de la Cultura en México.

    Teatro de las Artes: Es ya un histórico recinto de la Cultura en México que sin duda atraviesa una de sus mejores épocas, no solo por el nivel del equipo técnico y el funcionamiento estricto para las amplias necesidades estéticas de cada espectáculo que es ahí con sensibilidad programado. El equipo de sala despliega gentileza y es atento a cada requerimiento en términos de seguridad. El CENART nos lleva de un asombro a otro por las propuestas al público que lo han convertido más que nunca en la actual administración, en un sitio cercano y constante en la vida de innumerables habitantes de nuestra inmensa urbe, además de ser un sitio referencial para visitantes del interior de la república y otros países. Generoso e impecable, el pulmón cultural de México. Con imágenes de Diana García. El mandarín milagroso / Cierra temporada.

    Fechas y horarios:

    – Domingo 1 de febrero , 18:00 h

    Lugar: Teatro de las Artes, Cenart

    Boleto: 200 pesos

    El CENART ofrece descuentos del 50% para estudiantes y maestros (con credencial vigente) en taquilla y para sus cursos, además de promociones como el “Miércoles 2×1” en espectáculos, que suelen ser exclusivas de taquilla, y a veces descuentos especiales para donaciones o en plataformas como Promodescuentos.cenart.gob.mx

  • El circo mexicano hace historia con la creación de la FEMEC

    El circo mexicano hace historia con la creación de la FEMEC

    TRIAGE.  

    Por: Alexandro Guerrero.

    La Federación Mexicana de Circo (FEMEC) fue lanzada oficialmente en el Centro Nacional de las Artes (Cenart), con el objetivo de fortalecer y articular al sector circense a nivel nacional. Esta iniciativa ciudadana y horizontal busca generar espacios de organización, diálogo y colaboración entre los diferentes actores del circo en México.

    La FEMEC reconoce al circo como arte, práctica cultural, forma de vida y espacio de incidencia social, y busca visibilizar y promover el desarrollo del sector en toda su diversidad. El lanzamiento contó con la participación de autoridades y personalidades del ámbito cultural y circense, quienes destacaron la importancia de esta iniciativa para el crecimiento y reconocimiento del circo en México.

    La creación de la FEMEC es un logro importante para el sector circense mexicano, ya que busca generar un espacio de colaboración y diálogo para promover el desarrollo y la visibilidad del circo en el país.

    La creación de la FEMEC es el resultado del compromiso de un grupo diverso de organizaciones, compañías, asociaciones, artistas y profesionales del circo en México. Han aportado su trabajo, experiencia, tiempo y apoyo económico para hacer posible esta iniciativa.

    El circo en México es una manifestación artística con raíces históricas y culturales profundas, que se ha adaptado a contextos contemporáneos y responde a realidades sociales diversas. Además de su valor artístico, el circo cumple una función social importante: genera comunidad, promueve el acceso a la cultura, fomenta el trabajo colectivo y articula saberes corporales, técnicos y creativos transmitidos entre generaciones.

    La FEMEC nace para generar espacios de organización, diálogo y colaboración entre artistas, asociaciones, compañías, escuelas, investigadores, técnicos y otros agentes del sector. Su propósito es construir un espacio incluyente y plural, que refleje la diversidad de prácticas y contextos del circo en México.

    La Federación invita a todas las personas y organizaciones vinculadas al circo en México a unirse y fortalecer este espacio común de reconocimiento gremial a nivel nacional. En la presentación de la Federación Mexicana de Circo (FEMEC) en el Centro Nacional de las Artes (CENART) hoy, estuvieron presentes varias figuras importantes del gremio circense mexicano. Algunos de ellos fueron Claudia Ramírez, presidenta de la FEMEC; Rodrigo Hernández, tesorero; Charlotte Pescayre, vocal de la federación; Andrea Peláez, secretaria de la organización; Bruno Díaz León, vicepresidente; Jesús Ramírez Cuevas, coordinador de asesores de la Presidencia de la República; y Vicente Jurado López, director del CENART.

    La maestra Andrea Peláez, directora de la licenciatura en artes circenses contemporáneas LACC y cofundadora de la compañía CIRKO DE MENTE, pionera en el arte circense contemporáneo en México nos compartió: “Las Bellas Artes, constructo histórico europeo del siglo XVIII, dejó fuera a expresiones sin duda artísticas, como las que podemos englobar en el término Artes Circenses, hecho que ha marcado una diferencia en cuanto a la apreciación y valoración de las formas artísticas no consideradas como “bellas”.

    Queda claro que esto ha sido parte de un sistema de pensamiento inserto en el colonialismo y en una visión de “mejores y peores” sumamente dañina para la humanidad y este hermoso planeta.

    El arte lo hacemos y vivimos siempre; de hecho, una de las características que nos definen a los seres humanos es nuestra capacidad creativa. Las artes circenses se inscriben en esa intuición e impulso de los seres humanos de hacer proezas con el cuerpo, en relación con otros cuerpos, objetos e incluso otras especies animales. En un punto de intersección entre las actividades de alto rendimiento físico y las artes, lo que nos permite reconocer la infinita capacidad que poseemos, la magia y el asombro de nuestro ser.

    En el territorio que hoy llamamos México, las artes acrobáticas se han desarrollado de forma rica y diversa. Entre las maravillas que llevó Cortés a los reyes de España incluyó a unos increíbles antipodistas. En el periodo colonial se crearon compañías itinerantes de orígenes criollos, mestizos y negros, que viajaban por la Nueva España. Durante el periodo del gobierno de Juárez, en 1868, por causas no conocidas con precisión, la Cámara de Diputados sesionó por unos meses en el Circo Chiarini, que se ubicaba en el Centro Histórico. Y desde que México es una república hasta la fecha, los circos son de las pocas organizaciones artísticas que han podido cruzar zonas rojas durante conflictos armados y zonas de alto riesgo a lo largo y ancho del país, testimonio vivo de cómo se acuerpa el arte y la cultura de paz.

    Las y los artistas de circo mexicano han brillado en los más reconocidos escenarios. El maestro Julio Revolledo decía que era notable lo buenos que somos los mexicanos para volar; ya los primeros españoles que llegaron a nuestras tierras se asombraron con el maravilloso ritual de los voladores.

    Dando un salto en el tiempo, es remarcable lo que los trapecistas mexicanos han hecho en los vuelos de trapecio. Comenzando, por el gran Alfredo Codona, quien dominó el triple como nadie antes, los Gaona, con su hermoso doble-doble, y la primera troupe de trapecios en recibir el más alto galardón del circo: el payaso de oro del Festival de Monte Carlo en 1978. Los Vázquez, los primeros en realizar el cuádruple y también ganaron el oro en Monte Carlo en 1990. Ese cuádruple maravilloso volvería a ser presentado por Gino Fuentes Gasca en 2008,  los Caballero en 2025, quienes también obtuvieron el payaso de oro. Y este año,los Fuentes Gasca volvieron a asombrar al mundo y obtuvieron el oro.

    Menciono esta hermosa disciplina, los trapecios volantes, donde las familias mexicanas han destacado constantemente. Pero en muchísimas disciplinas circenses, los artistas mexicanos han sido los mejores embajadores de México, como se decía de los Atayde en su gira por Brasil hace casi 100 años.

    En el terreno de la salud individual y social, la gente de circo somos agentes insumisos al sedentarismo y a la limitación de las capacidades que el sistema actual de vida impone a los seres humanos. Las artes circenses, sin duda, en México son elementos identitarios de nuestra cultura, muy valiosos a nivel artístico, de un impacto social importantísimo, así como agentes de transformación en múltiples campos.

    Por eso celebramos hoy el encuentro de esta diversidad en una organización que nos permite reconocernos, pensarnos, visibilizarnos y organizarnos por el bien común. Celebramos sumarnos también a organizaciones y redes internacionales e internacionalistas, como es la esencia del circo, para seguir creando un arte para el mundo, en este contexto histórico en el que apremia recordar y desarrollar nuestras capacidades más sublimes frente a la barbarie.

    Asimismo, celebramos estar aquí en el Centro Nacional de las Artes y que los diferentes recintos en el interior del país abran sus puertas para dar a conocer esta vital iniciativa, como punto de partida para generar diálogos constantes, constructivos y colaborativos.

    Agradecimiento y amplia invitación a todos los seres que, de una u otra manera, sostenemos esta utopía de hacer circo hoy; Concluyó.

  • La Nona Roja: Un Monólogo Antifascista que Inspira a la Resistencia

    La Nona Roja: Un Monólogo Antifascista que Inspira a la Resistencia

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    La extraordinaria María Elena Olivares en La Nona Roja, cierra breve temporada en la Sala Novo del Teatro La Capilla de Coyoacán este fin de semana. La Nona Roja: Un Llamado a la Resistencia.

    En un momento en que el fascismo y la ultraderecha están resurgiendo en todo el mundo, la compañía Cardumen Teatro presenta La Nona Roja, un monólogo escrito por Mariana Hartasánchez Frenk y dirigido por Ginés Cruz, protagonizado por la actriz María Elena Olivares.

    La obra es un llamado a la resistencia y a la reflexión sobre los peligros del fascismo y la opresión. Genaria, la protagonista, es una mujer de 90 años que nos cuenta su historia de lucha antifascista y nos invita a reflexionar sobre la importancia de la amistad y la solidaridad en la lucha contra la opresión.

    En una entrevista con Ginés Cruz, director de La Nona Roja, nos cuenta sobre la inspiración detrás de la obra y su experiencia trabajando con Mariana Hartasánchez y María Elena Olivares.

    “Yo he trabajado con Mariana Hartasánchez en varias ocasiones”, dice Cruz. “Elegí su primera obra y fue mi dirección, debió ser en Querétaro en el año 2000. Ver a una actriz como María Elena Olivares, que sigue trabajando después de 70 años, es admirable. Me veo con resistencias, todos lo tenemos, pero ella sigue adelante con una energía y una pasión que es inspiradora”.

    Cruz reflexiona sobre la importancia de seguir adelante a pesar de las dificultades. “¿Por qué te quejas de una rodilla cuando tienes la salud completa? Tu memoria sigue trabajando en su lugar. Algún día se llegará el punto en el que está ahora María Elena y podrá seguir trabajando como ella. Seguramente de esa manera yo me proyecto hacia futuro, pero al mismo tiempo veo en el presente y digo tienes todo para seguirlo haciendo”.

    Cruz también habla sobre la situación política actual y la importancia de tomar una postura. “Hay un claro renacimiento del fascismo, ahora desde Estados Unidos e Israel, desgraciadamente. Antes de que Mariana lo escribiera, yo también lo estaba pensando mucho. La gente es tibia y dice ‘eso es la política’ y no se quieren meter en cuestiones políticas. Muchos artistas están en este espectro. Hay que tomar una postura política. Sin embargo, este momento no puede ser de tibieza ni en un punto medio”.

    Detalles de la Obra

    – La Nona Roja

    – Autora: Mariana Hartasánchez Frenk

    – Dirección: Ginés Cruz

    -Con: María Elena Olivares

    – Lugar: Sala Novo del Teatro La Capilla, Madrid 13, Coyoacán

    – Fechas: 24 y 25 de enero de 2026

    – Horarios: sábado 6 p.m. y domingo 6 p.m.

    – Boletos: en Boletópolis o en las redes sociales de La Capilla Teatro y el IG cardumenteatrocdmx.

  • Irma Pineda Santiago: Voz de los pueblos indígenas y defensora de la cultura en Oaxaca

    Irma Pineda Santiago: Voz de los pueblos indígenas y defensora de la cultura en Oaxaca

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    Por: Alexandro Guerrero

    La Maestra Irma Pineda Santiago destaca por su compromiso con la cultura y la sociedad oaxaqueña. Espléndida poeta en lenguas originarias es una figura fundamental en temas clave como derechos indígenas. Presidenta de la Comisión Permanente de Culturas y Artes del H. Congreso del Estado de Oaxaca.

    Irma Pineda Santiago al dar su primer informe como legisladora, considera que asumir un cargo de representación popular constituye una de las más altas responsabilidades que una persona puede asumir, ya que implica escuchar, recoger, sistematizar y elevar la voz y las aspiraciones de miles de personas que confían en que, desde el Poder Legislativo, en este caso del Estado de Oaxaca, se construya un presente y un futuro más justo, equitativo y próspero para todas y todos los habitantes de ese Estado.

    Irma Pineda Santiago diputada local por representación proporcional del Partido del Trabajo (PT), al cabo de concluir su primer periodo dio importantes muestras de participación activa en iniciativas, puntos de acuerdo y reformas en temas nodales como: La Reforma a la Ley de Coordinación Fiscal: Presentando la iniciativa para reformar varios artículos de esta ley, con enfoque en revisar criterios que impactan la distribución y ejercicio de recursos públicos estatales. – Reformas constitucionales y legislativas: Impulsando propuestas de reforma a la Constitución del estado y a la Ley Orgánica del Poder Legislativo.

    Sumamente importante es la protección de cuerpos jurídicos e indígenas: Promoviendo una iniciativa para garantizar el reconocimiento constitucional de la Sala de Justicia Indígena. Fundamental ha sido el apoyo a las artesanías y economía cultural: Presentó un punto de acuerdo para proteger los textiles oaxaqueños. – Atención a la educación y seguridad escolar: Irma Pineda lanzó una proposición para exigir al IEEPO responsabilidad y estrategias de protección para escuelas. Y sin duda de gran importancia ha sido la promoción de la cultura y reconocimiento artístico: Propuso declarar procedente la convocatoria para el Premio Estatal al Mérito Artístico “Rodolfo Morales”. Y la implementación de acciones para la búsqueda de personas desaparecidas: Exhortó a los municipios a respetar y colaborar con las cédulas de búsqueda. Su presencia en comisiones y roles institucionales en rubros de atención tan necesarias como la Situación de Vulnerabilidad – Educación, Ciencia, Tecnología e Innovación – Interculturalidad, Pueblos y Comunidades Indígenas y Afromexicanas, con acento en temas de derechos indígenas, cultura, educación y seguridad. – Atención a Grupos “Mi labor se sustenta en el diálogo constante con las comunidades y en la convicción de que sólo mediante un trabajo cercano es posible impulsar cambios significativos y duraderos. Con responsabilidad, transparencia y compromiso social, continuaré trabajando para que Oaxaca sea un estado con mejores condiciones de salud, educación, paz, justicia y desarrollo económico sostenible y sustentable para todas y todos”, menciona en la entrega de su Primer Informe de Actividades legislativas.Recordemos que Irma Pineda es una destacada representante de los pueblos indígenas de Latinoamérica y el Caribe ante la Organización de las Naciones Unidas (ONU). Fue elegida en 2020 para ocupar este cargo en el Foro Permanente sobre cuestiones indígenas de la ONU, para el periodo 2020-2022. Es poeta, ensayista y traductora de binnizá (binni, gente; zá, nube: gente que proviene de las nubes) o zapoteca. Ha publicado más de una docena de obras bilingües, incluyendo poemarios, traducciones y libros para niños, en lenguas de otros países.

    Es profesora en la Universidad Pedagógica Nacional en el Istmo y del proyecto docente México Nación Multicultural de la UNAM. Sus ensayos han sido publicados por instituciones como la Universidad de Siena, Italia; la Unistmo, la Dirección General de Culturas Populares y el Colegio de Guerrero A.C.Irma Pineda es una voz importante para los pueblos indígenas de Latinoamérica y el Caribe, y su trabajo como poeta, ensayista y traductora ha sido reconocido internacionalmente. Su dedicación a la cultura y la educación es un ejemplo inspirador para futuras generaciones.

  • El Edén Subvertido: Reflexiones sobre la lucha y la identidad en el territorio de Ricardo Flores Magón

    El Edén Subvertido: Reflexiones sobre la lucha y la identidad en el territorio de Ricardo Flores Magón

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    El Edén subvertido, un documental de estreno sobre la realidad social reciente en el pueblo originario donde nació Ricardo Flores Magón, de quien se conmemoró en días recientes su aniversario luctuoso.

    El cine político mexicano y el cine social específicamente desde el género documental, tienen en la actualidad una enorme necesidad de mística y de planteamiento psicogeográfico , dada la complejidad de perspectivas falsas y no que nos aprisionan. Decía el Maestro Xavier Robles que el cine político reciente, que indaga desde lo histórico el mostrarnos algún conflicto importante y no lejano, recurría a la mentira desde el momento en que decidía abrazar el melodrama. En el caso de “El Edén subvertido”, Arturo Díaz Santana su director y guionista, mismo que se desarrolla precisamente en el lugar del nacimiento de los Flores Magón, (San Antonio Eloxochitlán, Oaxaca, México), nos brinda una posibilidad de ubicar desde la condensación de lo mítico trágico, una confrontación que implica (universalizando desde el modelo de infinidad de mitos del origen), vínculos cercanos dentro de una comunidad en torno a la disputa por el poder, el territorio y por la capacidad de ordenamientos de la justicia corrompida, apuntalada contra lo autonómico.

    En “El Edén subvertido” se muestra la complejidad y fragilidad de la libertad humana planteado con atención bien estructurada frente al reloj implacable que nos sacude y oprime ante un hecho de cárcel política. Un tiempo pasa y se percibe para los oprimidos y otro para el bando opresor. Es también una reflexión documental sobre los tiempos internos, externos, históricos y en tensiones que reconfiguran y cuestionan lo simbólico como nación, como estado cuestionado. No se pone sobre la mesa la redención de un protagonista, si no la inexorable desintegración social y familiar además de la degradación política en el capitalismo tardío. El protagonista es el territorio y los cuerpos en el territorio son su trayectoria atormentada hasta llegar al hecho de sangre.

    El paisaje bucólico observado por el mismo Ricardo Flores Magón a modo de pensamiento estatua pero sobre todo de gesto social, genera no una reflexión lineal al elegir el orden de sus pensamientos como escripto-consigna a cuadro; Provoca una consecuencia de significado amplio, de corifeo cuando la realidad en la línea de tiempo marcada a la comunidad, deviene en un plano casi medieval. Al mismo tiempo la localidad situada en un enclave mágico y etéreo además de tiempo suspendido en espiral que no termina, redimirá y levantará puntual la voz fundacional del magonismo como pensamiento ético y principio humano.

    Es una guerra eterna como metáfora lo que se vive en Eloxochitlán y no puede quedar fuera del contexto de procesos de fascistización en que estamos insertos. La cotidianidad de los relatos y el modo en que encarnan ante la cámara las referencias y los rescoldos del conflicto que se plantea, implican otra tensión tan temprana como latente tras la libertad urgente y específica que debe resolverse a lo largo del filme, pero que precede a otra lucha que ha de llegar: “Porque cualquiera que esté una pulgada arriba de nosotros es enemigo”. Escribió el oaxaqueño.

    SINOPSIS: La discordia recorre el pueblo originario en donde nació Ricardo Flores Magón. La fractura social de este lugar llamado Nguixó, es contada a través de sus habitantes, quienes exploran las dinámicas sociales, políticas y religiosas, teñidas por la política contemporánea. En el centro del relato quedan sus tradiciones, usos y costumbres, y la vigencia del pensamiento de Ricardo Flores Magón, que aún campea en el imaginario colectivo-. En Eloxochitlán de Flores Magón, las montañas de la Sierra Mazateca resguardan una riqueza cultural y lingüística que convive con profundas tensiones comunitarias: “El edén subvertido se adentra en este universo donde las tradiciones, los rituales y los usos y costumbres marcan la vida cotidiana de sus habitantes, al tiempo que revelan las fracturas que atraviesan a la comunidad”.

    Hay un carácter épico en el documental bien logrado a pesar de las dificultades que implica tomar los aspectos que exige la estética del documental mismo. La carga ideológica y política de lo que no se puede sustraer implica la figura de Ricardo Flores Magón como reflexión ante las batallas políticas , ideológicas, contra hegemónicas, partidistas, comunitarias, estéticas y específicamente las que implican a los paradigmas históricos como vínculos instrumentalizantes.

    Arturo Díaz Santana: Director y guionista mexicano, es egresado de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC-UNAM). Su trabajo se centra en el documental como espacio de memoria, identidad y resistencia cultural. Ha dirigido más de treinta cortometrajes y dos largometrajes documentales: Rita, el documental (2018), nominado al Premio Ariel a Mejor Largometraje Documental, y El edén subvertido (2025), que explora las fracturas sociales y culturales en el pueblo natal de Ricardo Flores Magón, en la Sierra Mazateca de Oaxaca. Además de su labor creativa, se desempeña como docente universitario en áreas de cine y narrativas audiovisuales.

    La política del olvido también a se utiliza como camuflaje de reivindicación. Muy lejos del panfleto y más cerca de una poesía subversiva, ajeno a la propaganda y sumamente complejo en lo que a fin de cuentas y selectivamente decide Arturo Díaz Santana exponer a cuadro; se plantea un cine liberador comprometido con un nivel de muchos que a lo largo de la historia pudiéramos allanar o definir como presencia de la ausencia aún más presente al buscar silenciarla, también es un ejercicio de arqueología de la modernidad como dialéctica si le damos la perspectiva sin forzamiento de cine antropológico.

    Es cine de la memoria a largo plazo y al mismo tiempo de referentes inmediatos y dolorosos; El Edén subvertido no solo nos expone junto con la figura de Ricardo Flores Magón nos interroga sin ambages.

    El Edén Subvertido: Arturo Díaz Santana: Guión y dirección; Víctor Hugo Jiménez: Producción; Jaisiel Hernández Máynez: Fotografía ( De orden notable y detonador ), crédito compartido con Sergio Matamoros también fotógrafo y Manuel Castro Rosas en la foto adicional. Sabino Alba Pulido en la edición y Carlos Arriaga, posproducción. Especial mención implica al Maestro Aldo Max en la música, por la resolución desde lo incidental como ritual conceptual. En los momentos de más dificultad en lo anecdótico, sostiene desde lo inmersivo. https://www.arturodiazsantana.com/film/el-eden-subvertido/

  • Carta al viento: Un Poético Viaje de Amor y Autodescubrimiento en el Teatro

    Carta al viento: Un Poético Viaje de Amor y Autodescubrimiento en el Teatro

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Carta al viento, un monólogo espléndido que cierra temporada en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

    Se trata un texto de Sebastián de Oteyza y la Maestra Sandra Félix, quienes protagonizan y dirigen el montaje respectivamente, a partir de poemas y relatos autobiográficos de Alejandro González Félix. Este extraordinario poeta, matemático, maestro, nace en la Ciudad de México en 1958 y como la primera de forros apunta en “Él”, su poemario, vería la primera luz frente al Ángel de la Independencia. Alejandro es hijo de padre mexicano y madre norteamericana; con gran arraigo por México en cuanto a idioma y costumbres. Alejandro González Félix estudió matemáticas en Inglaterra y se ha desempeñado como catedrático en diversas universidades de la Ciudad de México y comenzó a escribir poesía porque le resulta apremiante escribir una larga carta de amor que cada vez se renueva.

    La puesta en escena nace del deseo de la directora, hermana del poeta, de darle cuerpo y voz a una vida que se expresó, y sobrevivió, a través de la escritura:Eres bonsái, rosa, cerezo en flor ¿No habría de amarte?

    Alejandro González Félix.

    La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía TeatroLab llevan al Foro La Gruta este íntimo drama, protagonizado por el actor Sebastián de Oteyza, que entrelaza razón y deseo. Sebastián nos brinda generoso prestancia y riesgo fino en lo que a corporalidad y conceptualización desde el movimiento y construcción notables, además de profunda entrañabilidad.

    Es magistral la perspectiva de espacio con que Sandra Félix arranca la primera escena que devendrá en el seguimiento de la historia de Alejandro, un profesor de matemáticas en sus treinta y tantos, al que implica con metáforas múltiples de analogía precisa. Es el elemento metonímico un elemento de construcción rítmica desde la dirección y que nos sorprende en sus últimas consecuencias con un profundo ejercicio de mostrarse, tocarse y develarse desde la creación de todos los implicados. Un monólogo que es disfrutado como un conjunto de creación colectiva es un triunfo. Es el caso.

    El pensamiento del personaje jugará con las casualidades y probabilidades de flirtear con Julen, un capitán de meseros de enorme presencia y belleza (a quien la obra nos hace visualizar de manera nítida, ahí parte de la gran magia atestiguada); un relámpago emocional que se transformará, mediante la escritura, un lustro de intensidad, de vuelcos emocionales e infinita pasión.

    Este monólogo da cuerpo a una historia de amor que se transforma en escritura, dolor y salvación pero de forma particular, en pieza trágica redonda, sutil y devastadora. “Carta al viento” nos abre la compuerta a la obsesión como paradigma amoroso de la autodestrucción latente. También es homenaje a los detalles en los recuerdos, a las psicogeografías de los paraísos y los infiernos perdidos.

    El montaje en lo psicológico planteado de forma episódica con la iluminación de Phillipe Amand, se atreve a concebir atmósferas y ritmos que rebasan el rigor y el estilo al que nos tiene acostumbrado en su excelencia. Nos interna su luz hacia nosotros mismos, bien compaginado con las decisiones sonoras de situación que aquí manifiestan un ejemplo claro de la precisión en lo auditivo como herramienta paisajista pero sin ambigüedades.

    Por ti me río

    Y algunas veces lloro:me siento vivo.

    Alejandro González Félix.

    Con imagen de Eduardo Ornelas de la puesta en escena; también compartimos la portada de: “Él”, poemario publicado por Trilce Ediciones que inspira y a partir de donde nace esta: “Carta al viento”, un texto de Sebastián de Oteyza y Sandra Félix también en la dirección de escena, que cierra temporada este año con las funciones del 10 y 11 de noviembre de 2025 20: 00 hrs, en el Foro La Gruta de Centro Cultural Helénico. Centro Cultural Helénico. Avenida Revolución 1500: helenico.gob.mx y mexicoescultura.com

  • TRIAGE: Sara, la bruja inventada por el salinismo, sobrevive esperando justicia y refugiada en las artes

    TRIAGE: Sara, la bruja inventada por el salinismo, sobrevive esperando justicia y refugiada en las artes

    Por Alexandro Guerrero

    Sara, la bruja inventada por el salinismo, sobrevive esperando justicia y refugiada en las artes, aunque los años del neoliberalismo buscaron aniquilarla.

    En Triage, tanto Artes, como Antropologías y Memoria se condensan a varios niveles temas con la complejidad de nuestros tiempos en materia cultural de nuestro país, así como en otras latitudes donde se establezcan vínculos que resaltar. El trabajo periodístico que llevamos a ustedes es de investigación inmersiva. Es así que en exclusiva para LosReporteros.Mx, en el contexto del concurso de ofrendas de Día de Muertos que tiene lugar en distintos centros de ejecución de sancionesreclusorioscentros femeniles y distintos espacios de readaptación de la Ciudad de México: a través de la SSC/Subsecretaría del Sistema Penitenciario, en un proyecto notable y muy importante por su significado, mismo que merece reconocimiento por el gran trabajo que hace como institución en la actual administración y que lleva por nombre: “Ofrenda monumental 2025”. Esta contó con una enorme participación y preparación previa de meses, por parte de las poblaciones internas participantes. Una ofrenda entregada, artística, gastronómica y plástica. La tradición trasciende en espíritu la reclusión.

    Así, con este marco, tuvimos la oportunidad de contar con el testimonio directo de Sara María Aldrete Villarealentusiasta participante de dichas actividades siempre y hace décadas, desde su aprehensión en 1989, a pesar de las terribles violaciones a sus derechos humanos, de ser víctima de torturas que en el expediente constan tras reiterados peritajespartes médicos y estudios numerosos, entre los que se encuentra el protocolo de Estambul.

    A pesar del estigma mediático que la bautizara en los medios masivos que en conjunto se tornaron amarillistas para su caso, apodándola con el claro cálculo de hacer la noticia vendible y generar en aquel turbulento periodo posterior al fraude de 1988, un golpe mediático-cortina de humo al estilo chupacabras como: “La narcosatánica”. En realidad, una de las sobrevivientes de la banda “diabólica” que llenaba los diarios con la narrativa de que aquella mujer era el mal y había sido capturada por el gobierno como presa trofeo para el mal vecino del norte.

    Sara, el ser humano tras ese expediente y del mote que la ha estigmatizado, es gracias al arte que sobrevive. A lo largo de casi cuatro décadas ha sido un personaje principal en actividades culturales en reclusión con un sinfín de obras de teatro en las que ha sido actriz, directora y dramaturga (ganando en uno de los certámenes más importantes, el premio Iberoamericano de pastorelas hace algunos años). Maestra y alumna de talleres de creación literariaexposiciones de artes plásticas, así como de extensión educativa y culturalSara, protagonista de una serie estrenada en HBOmax, en donde sigue insistiendo en su versión y su inocencia, nos comparte:

    -Estoy llena de esperanzas y de mucho dolor. El dolor que da la pérdida no sólo de la libertad sino de mis seres amados y de los años transcurridos en la espera. Casi al término del 2025 necesito estar la mayor parte del tiempo en una silla de ruedas por el problema de espalda que tengo, así como distintos padecimientos consecuencia de las torturas a las que fui sometida. La justicia para mí es una utopía pues ha sido inalcanzable e inaccesible.

    No sé si esta situación se deba a la falta de contactos, de dinero, a la falta conciencia de lo que ha significado mi caso en quienes a lo largo de todo este proceso legal han estado vinculados. Hay cobardía y temor para hacer justicia conmigo porque sigue siendo una papa caliente. Siempre persiste el miedo de ser juzgados por que se resuelva a favor. Yo he pasado mucho tiempo en prisión, me han tocado sexenios de los tres partidos, ya pagué mi condena.

    Desde el 6 de mayo de 1989, mi detención y que ya pasé muchos años en el entonces Femenil Oriente, después en la primer década de este siglo, otra etapa en que se inauguró Santa Martha femenil y donde fuimos reubicadas, entonces las condiciones iban empeorando pero sólo sería el preámbulo de lo que lamentablemente ocurriría a nivel nacional en materia de derechos humanos tras la llegada de Felipe Calderón al poder y después de Enrique Peña NietoPRI-PAN, representaron una época en que no sólo a mí sino en varios niveles del sistema penitenciario, las vejaciones se generalizaron: Traslados a Mexicali, “el hongo”; Tijuana, subir y bajar de aviones en medio de golpes, revisiones; burlas e insultos, encadenada con otras compañeras estando desnudas. Tratadas como cosas, peor que cosas. Todavía me tocó Islas Marías y ahí pude sentir con las manos el agua del mar nuevamente por una sola vez. Después estuve en Mazatlán y según órdenes de arriba (Genaro García Luna), ahí yo era persona non grata, así que fui a dar al de Máxima Seguridad de Tepic, Nayarit. Tantos años después de mi detención y fui aislada de mi familia sin haber incurrido en ningún tipo de conducta que lo ameritara. Fueron cinco meses en que mis familiares y amigos no supieron nada de mí. ¿Qué pinche culpa tiene la familia para ser también satanizada y maltratada conmigo? En Tepic ni siquiera podía traer un reloj, escuchar una radio. En Tepic no había ningún tipo de actividades culturales, artísticas, recreativas. ¿Por qué esa saña contra mí de ese grupo en el poder? ¿Qué secretos se supone que consideran que guardo que sigo siendo tan peligrosa para ellos? Buscaban acabarme.

    En 2015 se inaugura Coatlán del Río en Morelos y ahí pude tener acceso a una televisión, no hablo de privilegios, hablo de no ser sólo un número como en Tepic que era la 147, en Islas Marías la 37. Hablando de la muerte en estos días de tradición, de la muerte sagrada; recuerdo cuando le pregunté a una oficial en ese periodo de mi vida en que realmente sentía que perdía mi propia identidad: “¿Qué sucede si una interna muere?” “La metemos en una bolsa y la mandamos como paquetería”. Esa fue la respuesta.

    El 6 de marzo de 2018, estando en CoatlánSara ganó un amparo y fue cuando vino el traslado a la Torre Médica de Tepepan en la Ciudad de México, donde después de esos terribles años de los sexenios mencionados, su cabello ya era blanco, su estado de salud muy debilitado, fue hospitalizada tres meses, desnutrida.

    Sara menciona autoridades importantes que han por otra parte mostrado el lado humanode las políticas penitenciarias, tal es el caso del Licenciado Antonio Hazael Ruiz Ortega, que ha ocupado cargos importantes en el sistema de prisiones, tanto en la Ciudad de México como a nivel federal. En agosto de 2022, fue designado por el ex presidente Andrés Manuel López Obrador como titular del Órgano Administrativo Desconcentrado Prevención y Readaptación Social (OADPRS), cargo que ocupa hasta la fecha. Anteriormente fue subsecretario del Sistema Penitenciario en la Ciudad de México y es de esa etapa que Sara recupera una frase expresada por él: “La readaptación no puede existir sino la reinserción”.

    Sara Aldrete cumple con todas las condiciones para su pre-liberación, no obstante en el juzgado segundo de distrito de penales federales de Matamoros, Tamaulipas, tras una audiencia de cinco horas en donde se presentaron alegatos sólidos, en presencia de una perito en psicología, género y DH, se determinó que no se le otorgaba la libertad porque no hay una supuesta reparación del daño. Esa reparación ya no es válida como argumento pues prescribió en 2017.

    Esta conversación con Sara Aldrete forma parte de una investigación que también apareció desde otra perspectiva mucho más personal en el podcast: “Datos duros” el 12 septiembre del presente año. Esta emisión conducida por el periodista y director editorial de LosReporteros.MX: Ricardo Sevilla y Oscar Morales, tuvo la característica y el objetivo de mostrar una perspectiva humana compleja y cotidiana de Sara Aldrete. La amistad que quien esto escribe ha mantenido con ella desde hace ya dos décadas, no es un atenuante que apele a la simpleza en los argumentos respecto a su caso, ni quita validez en ese sentido a una opinión sobre el personaje que abordamos más allá del engendro mediático y biopolítico creado a finales de los ochentas. Son hilos que se entretejen con complejidad de índoles diversas.

    En este artículo, y con sólo un fragmento de la entrevista que nos ha dado en exclusiva, se pone nuevamente el dedo en la llaga sobre un caso paradigmático para el sistema de justicia y los medios de comunicación en nuestro país. Es también el inicio del proceso de escritura de un libro que aparecerá en 2026, que a detalle y con datos, nombres y fechas precisas dará un relato crítico del estado actual del caso. Para Sara Aldrete es importante mencionar el cambio a favor que ha establecido la actual administración a nivel federal y, en este caso, la local para quienes se encuentran internas. “Sí, es tiempo de mujeres tal como lo dice la Presidenta. No lo digo de dientes para afuera”, subraya.

    El objetivo principal es que no se nos olvide que hubo tiempos en que los medios no tenían contrapesos ni soñando. Que las decisiones sobre la vida de otros seres humanos desde el poder, cuando sus intereses podían verse implicados en historias imposibles de creer, estaban estructuralmente vinculadas con prácticas medievales de tortura para obtener confesiones a modo. No puede haber nunca más otro Penal de “Topo Chico” como sucursal del infierno, ahí sí, y casualmente, que viviera sus peores épocascuando Genaro García Luna más poder tenía como supuesto “súper policía” del país.

    Esto va más allá de la invención del personaje de la “narcosatánica”, insisto, más allá de sus responsabilidades legales, su proceso penalsentencia y todos los años que ya purgó. Decía Lyman Frank Baum, escritor norteamericano, autor de El mago de Oz: “Uno de mis temores más grandes era hacia las brujas, porque mientras yo no tenía poderes mágicos, descubrí muy pronto que las brujas poseían el don de hacer cosas extraordinarias”. En el caso de Sara Aldrete, lo extraordinario ha sido sobrevivir, el don de seguir creando, pintando, compartiendo, el don de seguir esperando.