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  • EMA 2026: el cuerpo como archivo vivo y territorio de resistencia

    EMA 2026: el cuerpo como archivo vivo y territorio de resistencia

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Abre convocatoria la 5ª edición del Encuentro de Mujeres Artistas (EMA): “Horizontes entre el cuerpo y la memoria”

    El Encuentro de Mujeres Artistas (EMA) anunció la apertura de su Convocatoria 2026 para conformar la programación de su 5ª edición, que se realizará el viernes 30 de octubre de 2026 a las 17:00 h, con entrada libre, en U-Tópicas, librería y galería independiente de Coyoacán.

    El encuentro, que se define como un espacio entre mujeres de las artes escénicas donde el cuerpo, la creación y la investigación se ponen en diálogo, lanza este año el eje temático “Horizontes entre el cuerpo y la memoria”, una invitación a pensar el cuerpo como archivo vivo: un territorio atravesado por historias, duelos, heridas y deseos, pero también capaz de transformar y reescribir sus propias narrativas.

    EMA abre dos categorías para participar: Ponencias y desmontajes, y Coreografía y performance, abriendo el encuentro a distintos formatos, metodologías de investigación y cruces entre práctica y pensamiento.

    Recepción de propuestas: del 21 de septiembre al 6 de octubre de 2026.

    Publicación de resultados: 9 de octubre de 2026.Contacto: [email protected] / Instagram: @ema_encuentro

    El cuerpo como lugar de resistencia y no solo de duelo

    Al proponer el cuerpo como archivo vivo atravesado por duelos y heridas, en un país donde el cuerpo de las mujeres es territorio de violencia y desaparición, EMA responde desde la danza.

    Citlali Rojas, co-directora:

    “A pesar del contexto actual de desapariciones, violencia extrema, racismo, entre otros elementos que obligan a las corporalidades a registrar huellas de duelo y supervivencia, consideramos que nuestra labor desde la danza y las artes escénicas puede ser un frente común para la esperanza y cultivarla desde el cuerpo. En este sentido, el cuerpo se convierte en un lugar de resistencia, de creación de imaginarios y catalizador de espacios de gozo, pues la organización de las cuerpas, su fortalecimiento y reinvención nos permite ampliar nuestra autonomía sin olvidar el contexto que nos enmarca. Por ello, el EMA convoca a enunciar estas luchas desde la creatividad que se corporaliza de diversas formas.”

    Desde la danza y el movimiento, la edición busca articular creación, investigación y producción de conocimiento a partir de nuestras experiencias y corporalidades.

    EMA es una propuesta autogestiva impulsada desde 2022 por Frenesí, Plataforma de Artes Escénicas con Perspectiva de Género, dirigida por Citlali Rojas y bajo la producción de Carolina de la Fuente. Su labor parte de reunir teoría y práctica dentro de los procesos creativos y promueve la creación de espacios seguros para el desarrollo artístico de mujeres desde el feminismo interseccional.

    Sostenerlo fuera de las grandes instituciones ha sido el reto central:

    Citlali Rojas:“Sostener un encuentro desde la autogestión implica, en primera instancia, organizar los deseos y expectativas de quienes integramos la organización del EMA. Desde 2022, cuando realizamos nuestra primera emisión, hemos navegado por diversos espacios e incluso hemos generado alianzas con otros estados de la república, lo cual nos ha permitido conocer las necesidades de artistas de diversos contextos para así fortalecer la misión y objetivos del EMA. En este sentido, uno de los retos principales es la procuración de fondos para cada emisión, considerando que son pocos los apoyos gubernamentales para festivales y que, además, suelen requerir figuras fiscales que son difíciles de sostener. Es por ello que encontrar aliadas como U-Tópicas y Archivo Glaciar en esta emisión, o como Piso 16 Laboratorio de Iniciativas Culturales en todas las emisiones anteriores, ha sido un soporte fundamental para llegar a nuestra 5ª emisión. En segundo lugar, la asistencia de público a las actividades es una labor que nos ha invitado a reconfigurar nuestras estrategias de accesibilidad a los espacios para acercarnos a nuevos públicos. Por último, consideramos que, más allá del fortalecimiento de la visibilidad del encuentro en redes sociales, la experiencia de participantes de otras emisiones ha sido clave para convocar a más artistas y reafirmar la necesidad de seguir gestionando el EMA.”

    EMA en colaboración: Archivo Glaciar y U-Tópicas

    Para esta quinta edición, Archivo Glaciar, proyecto de danza y performance dirigido por Liz Xospa, se integra a la curaduría y programación de EMA. Su práctica se desarrolla en el cruce entre danza, teatro y performance, desde una investigación sobre la relación entre el cuerpo y el medio ambiente.

    La sede será U-Tópicas, librería y galería independiente de Coyoacán especializada en feminismos y movimientos sociales, distinguida por impulsar y visibilizar la producción artística e intelectual de las mujeres.

    La convergencia entre Frenesí, Archivo Glaciar y U-Tópicas abre así un espacio para que esta quinta edición explore otras maneras de encontrarnos alrededor del cuerpo, la memoria y las prácticas artísticas contemporáneas.

    Sobre lo que significa abrir un espacio seguro y disidente en un Coyoacán gentrificado, la codirectora explica:

    Carolina de la Fuente:“Para nosotras, abrir un espacio seguro para mujeres artistas es una apuesta que va más allá del territorio específico en el que sucede EMA. A pesar de las movilizaciones, de la organización colectiva y de los esfuerzos que se han hecho tanto desde espacios independientes como institucionales para visibilizar y atender la violencia de género, todavía no podemos decir que habitamos y gozamos plenamente espacios libres de estas violencias. Por eso, desde EMA procuramos generar, aunque sea de manera temporal, condiciones en las que las mujeres podamos encontrarnos, crear, dialogar y compartir nuestro trabajo desde otros lugares. Al mismo tiempo, que esta edición suceda en U-Tópicas, Coyoacán, sí tiene un significado particular. Es un territorio que en los últimos años ha atravesado procesos muy fuertes de gentrificación y transformación de su vida comercial y cultural. Hemos visto cómo espacios con una identidad construida durante años conviven o son desplazados por comercios y dinámicas cada vez más homogéneas, dirigidas a otros consumos y públicos. Frente a ese contexto, para mí U-Tópicas representa una forma de resistencia: un proyecto independiente que ha sostenido una identidad vinculada con los feminismos, los movimientos sociales y la producción artística e intelectual de las mujeres. Aunque su presencia en el centro de Coyoacán es relativamente reciente, el proyecto tiene una trayectoria que ha atravesado distintas sedes y ha seguido construyendo comunidad. Por eso nos emociona especialmente que esta quinta edición de EMA suceda ahí: encontramos muchas coincidencias entre ambos proyectos: la importancia de generar espacios para las mujeres, de sostener el pensamiento crítico y la creación, y de encontrarnos desde nuestras propias narrativas. En ese sentido, ocupar juntas este espacio también es una manera de preguntarnos qué prácticas y qué comunidades queremos que sigan teniendo lugar en nuestros territorios.”

    Saberes decoloniales y conocimiento desde el cuerpo

    La convocatoria habla de “otras maneras de encontrarnos alrededor del cuerpo, la memoria y las prácticas artísticas contemporáneas”. Desde una mirada decolonial, EMA busca poner al centro saberes que la academia tradicional no valida:

    Liz Xospa, curadora:“El EMA busca ser una plataforma con una perspectiva interseccional, en donde las prácticas decoloniales tienen un papel fundamental. En este sentido, nuestro Encuentro busca reunir prácticas que en ocasiones no han encontrado un lugar dentro de las categorías institucionales que manejan algunas convocatorias. Además, nuestra práctica decolonial tiene la intención de voltear la mirada hacia aquellas prácticas e investigaciones que vienen del sur global y que encuentran resonancia dentro de las comunidades de las mujeres.”

    Finalmente, sobre qué tipo de conocimiento produce el cuerpo de una mujer artista que no puede producir un libro o una institución, y por qué es urgente mostrarlo ahora:

    Carolina de la Fuente:“Yo empezaría por cuestionar un poco la comparación que plantea la pregunta. No se trata de afirmar que el cuerpo produce un conocimiento que un libro o una institución son incapaces de producir, sino de cuestionar por qué históricamente hemos otorgado mayor legitimidad a unas formas de conocimiento que a otras. En ese sentido, no creo que el conocimiento que se produce desde el cuerpo tenga que contraponerse al que se produce desde un libro, la academia o una institución. Hay muchísimas mujeres investigadoras trabajando desde esos espacios y, además, las metodologías feministas de investigación han abierto paradigmas fundamentales para cuestionar cómo producimos y legitimamos el conocimiento. Para mí, la pregunta está más bien en por qué sigue siendo necesario reconocer y reivindicar el conocimiento que se produce desde el cuerpo. Desde la danza, la práctica coreográfica, el performance o cualquier otra práctica corporal también investigamos: observamos, ensayamos, repetimos, cuestionamos, tomamos decisiones y construimos maneras de comprender aquello que nos atraviesa. Hay una dimensión epistemológica en reconocer al cuerpo no solamente como aquello sobre lo que pensamos, sino como un lugar desde el cual pensamos y conocemos. Nuestros cuerpos están atravesados por experiencias, contextos sociales y políticos, memorias y relaciones; y la manera en que los habitamos también determina cómo nos posicionamos y cómo comprendemos el mundo. Creo que todavía arrastramos una división muy fuerte entre cuerpo y mente, teoría y práctica: como si la investigación perteneciera al texto y a la academia, mientras que el cuerpo perteneciera únicamente al hacer. Y justamente nos interesa cuestionar esa división. Para muchas artistas, crear es también investigar y producir conocimiento; una práctica corporal puede dialogar con un texto, y una investigación académica puede atravesar un proceso escénico, y ambas formas pueden alimentarse mutuamente. Desde EMA nos interesa voltear a mirar esas prácticas que mujeres creadoras llevan desarrollando desde hace tiempo y reconocerlas como espacios legítimos de investigación y producción de saberes. No para competir con otras formas de conocimiento, sino para ampliar aquello que reconocemos como conocimiento y las maneras en que podemos producirlo, compartirlo y experimentarlo.”

    Fotografía: Ximena Fargas.

  • Vértigo: el cielo de Guanajuato se convierte en utopía de circo aéreo entre Francia y México

    Vértigo: el cielo de Guanajuato se convierte en utopía de circo aéreo entre Francia y México

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Vértigo, el cielo de Guanajuato en la noche inaugural del Cervantino: Francia y México en una espléndida y asombrosa utopía de circo aéreoVértigo es una poesía suspendida entre las alturas, el horizonte y la superficie del suelo. Ahí el vértigo se vuelve abrazo y el riesgo se transforma en confianza colectiva.

    Una coreografía del aire que nos recuerda que caer suele ser miedo, pero sostenerse juntos es un acto de libertad.

    La noche del 3 de octubre, el Festival Internacional Cervantino (FIC) estrena en México Vértigo, el espectáculo de circo aéreo y música que transportará a la Plaza Allende de la Ciudad de Guanajuato a una dimensión colectiva suspendida en el aire.

    Vértigo es una travesía artística creada por el coreógrafo francés Rachid Ouramdane, el compositor Christophe Chassol y el highliner (poseedor de récords mundiales) Nathan Paulin, en colaboración con la Compañía de Chaillot – Théâtre National de la Danse y artistas circenses mexicanos.

    La obra se presentó originalmente en junio de 2025 en el marco del festival inaugural del Grand Palais de París. Allá se llamó Vertige. Concebida como una obra adaptable e itinerante, ahora llega en una dimensión excepcional a México: acróbatas y highliners suspendidos en el aire que exploran la sensación de ingravidez como metáfora de la trascendencia colectiva y la solidaridad.

    Para esta versión mexicana el trabajo se realizó en estrecha colaboración con la maestra Andrea Peláez, figura principal del circo contemporáneo en México y cofundadora de Cirko de Mente. La recreación in situ reunirá a 16 artistas mexicanos junto a los provenientes de Francia, en un gesto de profundo intercambio poético.

    ElencoHighliners: Nathan Paulin (Chaillot) y, por México, Andrea Dattoli, Erándeni, Roflou y Tláloc Moctezuma.

    Paulin, nacido en 1994, posee una docena de récords mundiales, entre ellos una travesía de 2.240 metros hasta el Mont Saint-Michel y cruces sobre la Torre Eiffel.

    Acróbatas Chaillot: Joaquin Bravo, Lóric Fouchereau, Peter Freeman, Maria Celeste Mendozi, Arnau Povedano, Lucas Tissot.

    Acróbatas México: Alberto Cardeña (Betito), Daniel Axolote, Evelyn Zatarain, Jason Gael Vivas Viruete, José Aurelio Acevedo Ortega, Jonathan Francisco Márquez Santillán, Karen Valeria Flores Rodríguez, Metztli Albalat Alfaro, Oscar Luis Oliveros Celallos, Solène Albores y Rodrigo Hernández (Dúo Cardio), Ximena Hernández Guerrero.

    Música original: Christophe Chassol y Japhet Boristhene.

    Chassol es conocido por sus “ultra scores”, viajes musicales que fusionan música con sonidos cotidianos. Ha colaborado con Frank Ocean, Solange y Phoenix.

    Producción y coordinación artística en México: maestra Andrea Peláez González (Cirko de Mente).

    Dirección técnica: Leonardo Costantini (Karpa de Mente).

    Sábado 3 de octubre, 21:00 h

    Plaza Allende, Guanajuato.

    Duración: 60 min.

    Entrada libre.

    Guanajuato, México.

  • En FARO Cosmos:” Ross, a voz abierta; Desde mi raíz y hasta la punta de mis alas”

    En FARO Cosmos:” Ross, a voz abierta; Desde mi raíz y hasta la punta de mis alas”

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    No vengo a cantar como esperan que cante una mujer.

    ¿Qué pasa cuando una mujer deja de cantar para complacer y empieza a cantar para decir lo que quiere? Esa es la pregunta que atraviesa el concierto “Ross, a voz abierta: Desde mi raíz y hasta la punta de mis alas”, de la cantautora, guitarrista, escritora y gestora Ross Cruz López, que se presentará este 26 de septiembre a las 17:00 hrs en FARO Cosmos. Acceso libre.

    En entrevista exclusiva para LosReporterosMx, Ross habla de voz, raíz, cuerpo, género y territorio. Un concierto que es cierre de ciclo y apertura a la vez.

    1. De la sombra al canto

    > Yo pienso que lo más difícil de recuperar es la voz auténtica. Y dentro de ella vive un universo infinito: la voz de la ternura, del deseo, de la furia, de la memoria, del miedo. Llegar a esa voz es una experiencia al mismo tiempo bellísima y dolorosa, porque implica trascender los miedos y mirarse sin máscaras, sin filtros, sin la necesidad de responder a lo que los demás esperan de una. Eso es muy difícil. Se requiere mucho valor, pero también mucho amor.

    2. Volver a la raíz sin renunciar a las alas

    > La raíz es el origen, la génesis. Mi madre y mi padre, mis abuelas y mis abuelos, todo lo que me heredaron: desde el canto hasta las patologías familiares. Muchas de esas herencias he decidido curarlas en mí. Conmigo toparon con pared. Hasta aquí llegaron. Mi raíz también es mi barrio y todo lo que me ha heredado: su groove, su furia ñera —como dice mi adorado Carlos Ballarta—, y ese anhelo profundo de que algún día la vida sea diferente, de que deje de ser tan ocre. Mis alas son mi capacidad de imaginar el escenario más bello desde el contexto más hostil. Son mi capacidad de crear sin límites: desde la nada, desde el dolor, incluso desde el pronóstico más negativo, crear belleza.

    3. No cantar como esperan que cante una mujer

    > Desde el momento en que fui consciente de la necesidad de habitar mi cuerpo con mi voz, entendí que esa voz era transgresora en muchos sentidos: en su contenido, en su sonoridad y también al margen de la técnica. Estoy completamente abrazada a la contemplación de mi cuerpo y de su sentir. Mi cuerpo es quien me dicta desde dónde quiere sonar y con qué palabras quiere vestir ese sonido. Creo que ahí empezó una forma distinta de cantar: no desde lo que se supone que debe cantar una mujer, sino desde lo que una mujer puede decir cuando finalmente se escucha a sí misma.

    4. El género como herramienta, no como etiqueta

    > Para mí, el género es un vehículo, una atmósfera que visita mis estados de ánimo y mis distintas etapas de vida. La historia de las mujeres no puede contarse con un solo matiz. Es como la luz de un día: a cada hora es diferente. Las canciones pueden inducirse, pero cuando te dispones verdaderamente a que una canción nazca con libertad, nace como quiere. Soy muy intuitiva y estoy abierta a lo que mi historia, mi cuerpo y mi presente quieren expresar. Y sí, también reconozco mis limitaciones en términos de técnica y conocimiento musical. Por eso me apoyo, como una enredadera, en quienes pueden ayudarme a expandir aquello que quiero expresar: mi equipo de músicos y colaboradores. Respecto a la génesis heteropatriarcal, creo que vale la pena preguntarnos también quiénes construyeron los lenguajes musicales, quiénes fueron legitimados dentro de ellos y quiénes quedaron fuera. Yo no pretendo escapar de esa historia: quiero habitarla, cuestionarla y hacerla sonar desde otro lugar.

    5. Del libro al escenario

    > El libro encontró en el escenario otra forma de movimiento. Para mí siempre ha sido primero la palabra escrita, después el sonido, luego el movimiento y finalmente todos los elementos escénicos que refuerzan esa palabra: la iluminación, el espacio, los silencios, los cuerpos. El libro y el escenario se complementan. El libro extiende y expande la disertación; la amplía. El escenario y la canción la siembran para que después florezca en más palabras, en nuevas disertaciones y en otras experiencias de vida. Es un diálogo permanente entre lo que se escribe, lo que se canta y lo que se vive. Y sí: para mí es magia pura.

    6. FARO Cosmos como territorio

    > Para mí cantar en FARO Cosmos tiene un valor profundamente comunitario y político porque significa llevar estas canciones, estas palabras y estas preguntas a un espacio que pertenece a la gente, no solamente al circuito comercial. Hablar ahí de cuerpo, deseo, memoria y autonomía es una manera de decir que nuestras historias también merecen ocupar el espacio público; que nuestros cuerpos, nuestras contradicciones y nuestros deseos no tienen que esconderse para ser escuchados. También es un llamado a la gente que durante años me ha seguido, me ha escuchado y ha encontrado resonancia en alguna cosa que he dicho. Es un llamado a sostener y continuar esta vocación de cantora y palabrera, librepensante, que no puede dejar de disertar ni de escribir. Es un llamado a acompañarme a cerrar un ciclo y abrir otro, desde nuevas dinámicas que me obligan a modificar mis tiempos creativos, pero no a desaparecerlos. Políticamente, es mi propio llamado a no dejar de ser quien soy.

    Ross llega al escenario con una propuesta musical que no pretende pedir permiso. Su repertorio transita por el blues, jazz, funk, bolero y música mexicana, pero sobre todo por las historias de las mujeres: sus deseos, sus pérdidas, sus contradicciones, sus cuerpos, sus amores y esa parte de sí mismas que muchas veces aprendieron a mantener en silencio.

    “A voz abierta” es también una declaración personal. Después de años de construir una trayectoria sólida como extraordinaria cantautora, Ross coloca nuevamente la música en el centro para hablar desde un lugar profundamente suyo: una mujer que ha decidido cantar desde su experiencia y no desde el molde que otros construyeron para ella.

    “Ross, a voz abierta desde mi raíz y hasta la punta de mis alas”

    26 de septiembre de 2026 | 17:00 h |.

    FARO Cosmos. Calz México-Tacuba, Tlaxpana, Miguel Hidalgo, 11370 Ciudad de México, CDMX

    Entrada libre, no hay pretextos.

  • TRIAGE: “Guerra en el paraíso”, 35 años de nombrar la guerra que quisieron borrar en los sexenios del PRIAN

    TRIAGE: “Guerra en el paraíso”, 35 años de nombrar la guerra que quisieron borrar en los sexenios del PRIAN

    En el aniversario de la imprescindible novela de Carlos Montemayor, a 79 años de su nacimiento.

    Por Alexandro Guerrero

    Este 13 de junio se conmemoran 79 años del nacimiento de Carlos Montemayor (13 de junio de 1947, Parral, Chihuahua) y su novela Guerra en el paraíso cumple 35 años de publicada en 1991. La fecha doble importa: el escritor que nació en el norte le puso voz, cuerpo y territorio a la guerra sucia del sur. No envejeció: sigue ardiendo.

    14 años caminando la sierra para escribir un país

    Montemayor no hizo novela de escritorio. Entrevistó a campesinos, exguerrilleros, militares y viudas. Subió a Atoyac. El resultado es una prosa que huele a cafetal, a lluvia y a pólvora. No hay bronces ni santos: hay hombres con hambre, miedo, rabia y dudas. Lucio Cabañas es maestro rural y comandante, pero también se enferma, se equivoca, carga muertos. La novela le devolvió lo humano cuando el Estado solo quería un fantasma.

    Nombró la guerra sucia antes que los informes oficiales, aquí es importantísimo subrayar que en el sexenio de Andrés Manuel López Obrador el conocido como archivo de la Dirección Federal de Seguridad en el Archivo General de la Nación fue puesto a disposición sin más censura de investigadores y público en general.

    Vuelos de la muerte. El Quemado. La prisión militar de Atoyac. La desaparición forzada como política de Estado. Todo está ahí con fechas, nombres, geografía. Años antes de la FEMOSPP o la Comisión de la Verdad de Guerrero, Montemayor ya había hecho el expediente literario. Por eso incomodó al poder y a cierta izquierda: no construyó mártires perfectos, construyó personas.

    La batalla de los lenguajes

    El parte militar dice “se procedió a la limpieza del área”. El campesino dice “la noche estaba preñada de tiros”. El guerrillero dice “si nos matan, que no nos maten callados”. Montemayor no traduce: los pone a pelear en la página. Y ahí se ve quién da las órdenes y quién pone los cuerpos.

    Leerla en 2026: el paraíso sigue en guerra

    A 35 años de su publicación, y a 79 del nacimiento de su autor, duele porque el mapa cambió poco. Guerrero sigue militarizado. La siembra de amapola se volvió disputa minera y criminal. Los desaparecidos ya no son solo de los 70: son de Iguala, Chilapa y Acapulco. “Guerra sucia” se volvió “guerra contra el narco”, pero el mecanismo es parecido. Por eso Guerra en el paraíso no es nostalgia: es manual para entender cómo el Estado nombra, desaparece y calla.

    El legado de Montemayor: la literatura como archivo vivo

    A 79 años de su nacimiento, Montemayor nos recuerda que la novela puede ser testimonio, tribunal, archivo y poema sin pedirle permiso al poder. Abrió brecha para toda la narrativa que después se atrevió a mirar la violencia de frente. No quiso hacer coyuntura. Quiso hacer tierra. Y esa tierra todavía guarda nombres. Esos que se repitieron en Ayotzinapa entre calles y herederos caciquiles como un sino trágico.

  • Clausura injusta: Alcaldía Miguel Hidalgo cierra estudio de fotógrafo con discapacidad severa

    Clausura injusta: Alcaldía Miguel Hidalgo cierra estudio de fotógrafo con discapacidad severa

    TRIAGE.

    Por: Alexandro Guerrero

    Clausura injustamente la Alcaldía Miguel Hidalgo, el estudio del fotógrafo Enrique Covarrubias, con más de 30 años de reconocida trayectoria; colectivos exigen revisión y firman petición en http://Change.org

    La clausura del espacio de trabajo del fotógrafo mexicano _Enrique Covarrubias Robles_ por parte de la Alcaldía Miguel Hidalgo detonó una movilización ciudadana que ya suma firmas en la campaña _JUSTICIA y Empatía a Individuos con Discapacidad Permanente_ en http://Change.org.

    Covarrubias, quien vive con _cuadriparesia severa_ derivada de un traumatismo craneoencefálico tras un accidente en parapente en diciembre de 2014, vio clausurado su estudio profesional el _13 de mayo de 2026_ sin notificación formal directa. La acción suspendió de inmediato su actividad laboral y, con ello, su única fuente de ingresos. “No constituye sólo su centro de trabajo, sino también el medio a través del cual sostiene su subsistencia, su atención médica permanente y la operación de las personas que dependen de su actividad profesional”, señala el escrito dirigido a la Jefa de Gobierno Clara Brugada.

    Con más de 30 años de trayectoria en la industria editorial, de moda y publicidad, Covarrubias depende de asistencia total para actividades básicas, pero conserva plenamente sus capacidades cognitivas, creativas y visuales. A pesar de múltiples intentos por acceder a programas institucionales, los costos de su condición han sido sostenidos principalmente por su trabajo.

    El documento, respaldado por Francesca Guillén, Iliana Fox, Mariana Seoane, Ana Celia Urquidi, Cuauhtemoc Duque, Caro Padilla Iván Arce, Alexandro Guerrero, Mario Morales y Miguel Garza_, denuncia que la última comunicación formal de la Alcaldía data de enero de 2026 e informaba que el procedimiento se encontraba en revisión y sin resolución definitiva. La clausura se ejecutó cuatro meses después, cancelando fechas ya contratadas e impactando directamente los ingresos mensuales.

    “Hoy, su mayor riesgo no proviene de su discapacidad, sino de la interrupción abrupta de su medio de vida”, advierte el texto. Por ello, colectivos vinculan el caso con la petición _JUSTICIA y Empatía a Individuos con Discapacidad Permanente_ en http://Change.org, que denuncia cómo las barreras administrativas dejan sin sustento a personas con incapacidad permanente. “Las personas con una incapacidad permanente absoluta estamos en una situación de extrema necesidad, precisamente”, expone la campaña.

    _Las peticiones concretas_ a la Jefatura de Gobierno, Secretaría de Cultura, Secretaría de Bienestar e Igualdad Social y autoridades de derechos humanos son:

    1. Revisión integral del procedimiento de clausura realizado por la Alcaldía Miguel Hidalgo.

    2. Intervención institucional para garantizar derechos humanos, laborales y de inclusión de Enrique Covarrubias.

    3. Valoración de acceso a programas sociales acordes a su condición de discapacidad severa y situación económica.

    4. Apertura de canales de diálogo entre el Gobierno CDMX y la Alcaldía para construir una solución que permita la continuidad de su actividad en condiciones dignas.

    “Confiamos en que las instituciones de la Ciudad de México pueden actuar con sensibilidad, proporcionalidad y apego a los derechos humanos, garantizando que la ley y la dignidad humana caminen juntas”, concluye el escrito. La petición puede firmarse en http://change.org/JUSTICIAyEmpatiaAIndividuosConDiscapacidadPermanente.

    Hasta el cierre de esta edición, ni la Alcaldía Miguel Hidalgo ni el Gobierno de la Ciudad de México han emitido postura pública sobre la clausura ni sobre la solicitud de revisión.

  • Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Una obra escrita por Daniel Veronese, bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado.

    La experimentada y lúcida actriz de cine , teatro y televisión Francesca Guillén protagoniza; Mujeres soñaron caballos, del dramaturgo argentino Daniel Veronese, que se presenta en La Teatrería bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado, producción de Pacto Escénico.

    La obra sitúa al espectador como testigo incómodo de una cena entre dos hermanos y sus parejas. Lo que inicia como un encuentro cotidiano se transforma en un campo minado de reproches, deseos frustrados y violencia contenida. Veronese, referente del teatro latinoamericano contemporáneo, usa el absurdo y el realismo para mostrar cómo la intimidad se vuelve un ring de poder.

    Guillén es Ulrika, un personaje que oscila entre la vulnerabilidad y la rabia. Su interpretación transita del sarcasmo al quiebre emocional con una precisión que sostiene la tensión de la obra. La acompañan en escena Mónica Jiménez como Bettina, Juan Ríos como Iván, Estela Aguilar como Julika, Carlo Basabe como Roger, Gina Granados como Lucera y Víctor Loomis como Rainer.

    Mujeres soñaron caballos se ha convertido en un texto clave del teatro iberoamericano por su forma de retratar el delirio de los roles de género y la descomposición del núcleo familiar sin panfletos ni juicios. Esta versión mantiene el pulso original de Veronese pero resuena con ecos locales: la casa como territorio de disputa, la cena como ritual fallido.

    Veronese no escribe obras: escribe partituras para que el actor se estrelle. Su mérito es devolverle al diálogo la categoría de acción. Su límite es que sin un actor que entienda el silencio, el texto se queda mudo. Daniel Veronese es una teatralidad – estado de emergencia.

    En exclusiva para LosReporterosMX , Francesca comparte una serie de reflexiones:

    “El hilo de plata se coge a ciegas”

    A.G. ¿Qué representa para ti en este momento formar parte de esta puesta en escena?

    F.G. Reconectar con mi animal lúdico en un montaje breve, mordaz y lleno de posibilidades para transitarse; mi animal en búsqueda de escape del acotado espacio en que transita. Resignarme en la intuición del que habita y escucha en tiempo presente… el rompimiento de mi propia imposición a ceñirme a lo que no palpita conmigo. Eso significa este montaje en este momento de mi vida. Develar mi propio laberinto y resolverlo a mi tiempo en donde corresponde.

    A.G. ¿Qué fue lo que más te atrapó del concepto, de la historia, del guión de: Mujeres soñaron caballos?

    F.G. Me fascina que el planteamiento esté sustentado en el trabajo de sus intérpretes y no en los decorados u otros elementos ajenos que culminarían en artificio. La desnudez simbólica de las actrices y los actores poniendo el cuerpo como único filtro ante la mirada del espectador.Damos peso a la palabra, el subtexto, el silencio, y la historia fincada a estos únicos elementos; Gatillos improvisados para detonar contra el otro / la otra mediante la exhibición grotesca de su falta.

    También me pareció magnífico que el autor exija ceñirse a lo que está escrito. Sin adiciones, sin reiteración, sin sobre explicación. La sabiduría intuitiva de la palabra como un acto impulsivo y sin filtro.

    A G. Háblanos de Ulrika, tu personaje.

    F.G. Decadente, ácida, lastimada, hiriente, soez, mordaz, piromaniaca emocional.Impaciente, profética y densa.Cínica, histérica, irónica, sarcástica y cáustica.

    Desde el punto de vista del reto actoral: exquisita.

    A.G. Tienes una gran trayectoria en cine, teatro y televisión. ¿Consideras que este montaje representó un reto? ¿Cómo lo encaraste?

    F.G. En muchos sentidos mi abordaje al mundo es siempre infantil, por lo que todo en esta vida me representa un reto, un riesgo, un salto al vacío. Un nuevo juego que seguro me dolerá.

    En este caso concreto: sí, tuve muchas crisis en el proceso. Mucha angustia e incomprensión de la petición. Sentí por momentos que me invitaban a deshacerme de mí para llegar a algo nuevo… sigo sin resolver tal enigma, pero decidí confiar en mi entraña… y accionar. Solo ahí, en escena, en la acción, se halla la solución. El hilo de plata que se coge a ciegas pero guía hacia un nuevo nivel del inframundo en que se habita.

    Me gusta hilvanar palabras y sensaciones… de eso me amarro para el salto al vacío. El aterrizaje es siempre desconocido lo que me hace sentir finalmente viva y auténtica en mi búsqueda.

    A.G. ¿Cuál es tu sensación tras el estreno? ¿Qué tal te sientes con esta producción y este elenco?

    F.G. Bueno, aún queda un camino para seguir encontrando tesoros y trampas. El montaje es joven en todo sentido así que lo mejor está por venir. Cuando la madurez nos alcance a todos los intérpretes en escena entonces nacerá el fruto, mientras tanto habitamos el árbol, nos familiarizamos con su ritmo.

    Me gusta este elenco, esta conformación de entidades en todo sentido diversas. No todo me agrada en nosotros, pero aún eso me agrada.

    Somos una perfecta familia disfuncional con filias y fobias para resolver y resonar. Hay un equilibrio en la precariedad del colectivo y las certezas que creemos poseer y que sin embargo aún están por sorprendernos.

    La puesta cuenta con diseño de escenografía e iluminación de Alberto Reyna, asesor de movimiento escénico Edson Martínez.

    Mujeres soñaron caballos

    Autor: Daniel Veronese

    Dirección: Mariana García Franco & Abraham Jurado

    Elenco: Francesca Guillén – Ulrika, Mónica Jiménez – Bettina, Juan Ríos – Iván, Estela Aguilar – Julika, Carlo Basabe – Roger, Gina Granados – Lucera, Víctor Loomis – Rainer

    Producción: Pacto Escénico

    Foro: La Teatrería, Tabasco 152, Roma Norte, CDMX

  • CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    TRIAGE.                                   

    Por: Alexandro Guerrero

    Producir la serie Sesiones Vagabundas México, conducida y realizada a partir de la idea original de Mauricio Figueiral, fue todo un honor.

    La más reciente temporada del programa, nació de una invitación que recibí en el Hotel Nacional de La Habana en 2022. Desde ahí, pensar en las distintas posibilidades de locaciones y sedes fue ir dando con el encuentro de distintas latitudes, también institucionales, que en materia cultural decidieron apoyar este proyecto sin pensarlo dos veces.

    El elenco que se conformó es, además, una maravillosa muestra de diversidad en un aspecto amplísimo. Eso fue lo que busqué de alguna manera curatorialmente: desde lo musical, mostrar para Latinoamérica cuál es el sonido de lo que es México hoy. Teniendo como coproductores a Orlando Canseco, Rol Alvarez y Alfonso Vázquez Pérez, además del audio del maestro Antonio Diego.

    Sesiones Vagabundas, grabada en México se transmite  por Canal 14 a las 5:30 p.m. los miércoles, a partir de este 22 de abril. La señal y complicidad de teleSURtv  y CanalHabana acompañan en esta aventura sonora que consta de 11 capítulos y sus protagonistas son: Mariachi Amazonas de Alejandra Carballido; Horacio Franco;  Sol Pereyra; Jaime Ades; Iskander; Alexandro Guerrero; Tere Estrada; Jorge Fratta; Julia González; Adriana Camacho, Ross CL y Orlando Canseco: Lobo Estepario. El centro Nacional de las artes, la Fonoteca nacional, Tepito y su espacio cultural, Centro Cultural “El rule”, Hostal Regina, Xochimilco, Cafebrería El péndulo ;La Esmeralda; El estudio A de Radio educación y el Museo del tequila y el mezcal de Garibaldi , son los escenarios y el marco de las sesiones en esta infinita urbe tan diversa.

    Sesiones Vagabundas: historia del proyecto de Mauricio Figueiral

    Sesiones Vagabundas nació en Cuba como una serie documental-musical creada, dirigida y conducida por el cantautor Mauricio Figueiral. El formato se emitió por primera vez en Canal Habana y luego tomó proyección internacional a través de TeleSUR, donde lleva más de cinco años al aire.

    La tesis era clara: sacar la música de teatros y estudios para llevarla a “rincones ocultos de La Habana que no salen en postales, que no salen en revistas porque solo los cubanos amantes de la ciudad conocen”. Cada capítulo combina sesión acústica en vivo + entrevista íntima con artistas “muy queridos” del panorama cubano. La conversación, sin guion, busca “descubrir al ser humano que creemos conocer, pero que aún le queda demasiado por contarnos”.

    Con apoyo de instituciones culturales y la Asociación Hermanos Saíz, la serie salió de La Habana para retratar otras escenas. Figueiral lo explicó así: “Estoy en Camagüey retratando su música y sus lugares públicos, con agrupaciones jóvenes y otras que se renuevan constantemente”.

    Las temporadas grabadas tanto en la Habana como en la República de Cuba en ciudades del interior así como en Caracas, se han transmitido por distintos canales de la televisión pública de México.

    El criterio curatorial no es el hit, sino la historia que puede abrir la música cuando se toca sin máscaras.

    Fuente: Canal Catorce https://share.google/54iki14ewFPgDE6et

  • El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky por fin en México. Se presenta a partir del próximo 24 de abril en el Teatro Orientación del CCB /INBAL.

    Desde la visión del creador chileno Alejandro Jodorowsky, la escena es un acto de resurrección, no un cadáver para el análisis. Una de las claves del Teatro de Alejandro Jodorowsky es que nunca ha buscado ser “comprendido” dramatológicamente. No distingue niveles, ni mide tiempos “diegéticos”, tampoco defiende el pacto ficcional como condición del hecho escénico. En “El Gorila”, atestiguamos un teatro deliberado que rechaza la autopsia académica. Emancipado a distintos niveles de esa teoría que disecciona la escena: “El Gorila” creado por Alejandro y Brontis Jodorowsky por primera vez en México, a partir de un cuento de Franz Kafka, muestra a un simio que aprende a ser humano para evitar la jaula. Esa en la que normalmente estamos todos profundamente solos.

    Aquí se invierten los términos: si la teoría exige distancia estética, en el Gorila, se da una propuesta que busca incendiarla. “La distancia es el infierno de los tibios”, sostendría la poética. Por eso Brontis no “interpreta” al gorila, se pone al servicio del rito con argumentos técnicos en lo actoral impecables y dinámica escénica precisa y lanzada poderosamente como crítica anticríptica, también de las “actoralidades” que ven como éxito al falso altar de la institución.

    “El Gorila” no necesita ser afirmado como vigente para publicidades demagógicas, la pieza es un manifiesto de reivindicación del suceso. En su genealogía, el teatro nació en la sangre, en la máscara que llama a los dioses. El paso por la academia, dice la visión del director, volvió al teatro “oficina con aire acondicionado” donde se llenan formularios. Lo volvió contable. Frente a eso, en “El Gorila” también se nos presenta una oportunidad de recuperar como espectadores, una propuesta muy lograda desde la agresión simbólica (sin intrumentalizarla), al sacrificio y el grito como herramientas, no como excesos.

    El Gorila ofrece su informe a una academia de hombres con birrete que aplauden sin entender que están siendo acusados, el informe es un escupitajo. El teatro vivo, sostiene esta postura, no cabe en cuadros ni categorías. El día que entre al aula, romperá los cuadros, orinará el pizarrón y saldrá aullando. Ese día, el crítico tendrá que elegir entre medir el aullido o aullar con él.

    La disyuntiva es clara: se puede entender el teatro o se puede dejar que el teatro nos intervenga para de algún modo nacer de nuevo. Entre tanto teatro gris de inercias hoy aquí, El Gorila respira.La jaula ahora es algorítmica El gorila de Kafka aprende a imitar al humano para salir de su jaula física. Hoy, millones de personas aprenden a imitar al algoritmo para no ser invisibles: editan su rostro, modulan su opinión, repiten tendencias para que la plataforma no las encierre en el silencio. El Gorila pone cuerpo a esa domesticación voluntaria. En escena, Brontis muestra cómo la “libertad” se consigue a costa de la naturaleza propia. El público de 2026 ya no ve una metáfora: ve su feed de TikTok, su CV optimizado para IA, su pasaporte biométrico. Hay una crísis de identidad como herramienta a la biopolítica global: De Gaza a Ucrania, de las elecciones en USA a las protestas por el agua en América Latina, el dilema es el mismo que grita el Gorila : ¿a qué renuncio para que me dejen vivir? Migrantes que borran su acento, disidentes que callan para no ser cancelados, países que negocian su soberanía por seguridad. Jodorowsky, premiado en 2025 con la Medalla Bellas Artes por “la osadía y la libertad creativa”, recurre a Kafka para recordarnos que adaptarse puede ser una forma de morir. El montaje dura 70 minutos; la pregunta dura toda la salida del teatro.

    El director recibió la Medalla Bellas Artes 2025 y desde París expresó: “a los artistas les falta agradecimiento real”. El Gorila es ese agradecimiento convertido en herencia. No es nostalgia: es advertencia. A sus 96 años. Alejandro Jodorowsky en otra mancuerna creativa con Brontis Jodorowsky nos regalan una bomba para recordarnos que seguimos eligiendo la jaula porque le tememos a la selva. ¿Quién necesita más espejos que nos digan que “estamos bien”? Aquí tenemos un Gorila que nos espeta si hay sentido en haber aprendido a caminar en dos patas.

    Brontis Jodorowsky nació en la Ciudad de México en 1962, debutó a los 7 años en El Topo (1970) dirigida por su padre. ,Tras participar en “La montaña sagrada” (1973) y ganar la Diosa de Plata al Mejor Actor Infantil en 1974 por El muro del silencio de José Luis Alcoriza, se trasladó a Francia en 1979 y estudió teatro con Ryszard Cieslak. Desde entonces ha desarrollado una carrera internacional trabajando en escena con directores como Ariane Mnouchkine, Irina Brook, Jorge Lavelli y Simon Abkarian, y ha dirigido óperas como Pelléas et Mélisande (2009), Rigoletto (2011) y Carmen (2012). En cine ha actuado en Santa Sangre (1989), La danza de la realidad (2013) y Poesía sin fin (2016), ambas de su padre, además de Tau, 7 días en Entebbe, Bayoneta y Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (2018), donde interpretó al alquimista Nicolas Flamel. Paralelamente, publicó “Manual de codicia” (2020), un libro de aforismos críticos sobre la sociedad de mercado y prepara en la actualidad un nuevo lanzamiento editorial. Recientemente participó como actor en la etnoficción de Tania Campos Thomas: “Como Elena, en París” en el Théâtre de l’Opprimé de la ciudad francesa a que refiere el título del montaje, pieza integrada por un equipo creativo francomexicano. Esto en el marco de las actividades que conmemoran el bicentenario de las relaciones diplomáticas México –Francia y el aniversario 110 del nacimiento de la escritora Elena Garro. Producto de esta residencia con la compañía mexicana (…) Puntos suspensivos; “La structure” compañía de Brontis Jodorowsky, colaboran entrambas para la temporada de: “El Gorila” que alberga la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura/INBAL.

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky se estrenó en 2009. Era la primera vez que padre e hijo firmaban juntos el montaje: Alejandro en dirección, escenografía y música; Brontis en escena. De ahí saltó a París en 2010 para una temporada en el Théâtre du Lucernaire. Ese mismo año cruzó el Atlántico y se instaló todo junio en el Teatro Sarmiento de Buenos Aires. La gira europea se extendió. Ya se había visto en Francia, Italia e Inglaterra antes de agosto de 2011. En 2011 tuvo dos hitos italianos: se presentó en Siena, en el Teatro Politeama di Poggibonsi dentro del Fenice Festival toscano, y el 17 de agosto llegó a España por primera vez, al Festival de Teatro y Danza de San Javier, en Murcia, en el Auditorio Parque Almansa. En 2012 el monólogo siguió viajando. El 29 de enero se estrenó en Madrid, en el Teatro Circo Price, siendo España el séptimo país en verlo en tres años. Ese mismo año volvió a la tierra natal de Alejandro: Santiago de Chile, como parte del XIX Festival Santiago a Mil en el Teatro GAM, con Brontis presentándose por primera vez en Chile. Entre 2010 y 2016, el monólogo sostuvo una gira internacional de seis años que lo llevó por varios países de Europa, América y Reino Unido. Tras esa itinerancia, El Gorila regresó a París en la temporada 2015-2016 “tras una larga gira de seis años”.

    Ahora, en 2026, del 24 de abril al 17 de mayo este mítico acontecimiento escénico, eslabón indispensable en la historia del Teatro Mexicano Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque, en Ciudad de México. Jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00. Los boletos ya están disponibles en:https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=411

  • “El Mandarín Milagroso”: Una Danza Contemporánea que Transforma el Clásico en la Modernidad

    “El Mandarín Milagroso”: Una Danza Contemporánea que Transforma el Clásico en la Modernidad

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    En su mejor momento, el espléndido Teatro de las Artes del Cenart, concluye hoy temporada: “El Mandarín Milagroso”.

    “El Mandarín Milagroso”, es un espectáculo de danza contemporánea que explora el deseo, la violencia y la redención desde una mirada contemporánea. La obra, creada por Duane Cochran y Aksenti Danza Contemporánea, se inspira en la célebre partitura de Béla Bartók , tuvo un memorable estreno el 30 de enero y concluye hoy funciones , 1 de febrero en el Teatro de las Artes.

    La historia original de Melchior Lengyel es reinterpretada por Cochran, quien propone una lectura renovada de este clásico modernista en diálogo con el Concierto para Violín de Igor Stravinsky. La obra es un programa escénico de gran complejidad musical y emocional, que une la fuerza de la música con la expresividad del cuerpo en un lenguaje contemporáneo profundamente humano y visualmente hipnótico.

    “El Mandarín Milagroso” es un cuento espeluznante sobre prostitución, robo, engaño y homicidio, que fue censurado en su estreno en 1926. La versión de Cochran traslada la historia al Barrio de Tepito, en la Ciudad de México, y cuenta con la participación de reconocidos intérpretes y creadores escénicos, como Sebastián Kwapisz, concertino de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Qué manera de abrir el año 2026 en este espacio. Altísimo nivel de ejecución, espléndido encuentro de precisión y sensibilidades.

    El elenco de El Mandarín Milagroso en el CENART (Centro Nacional de las Artes) está conformado por la compañía Aksenti Danza Contemporánea, bajo la dirección y coreografía de Duane Cochran. En escena: Cecilia Contreras, Elena Hernández, Yoshio Córdoba, Jonathan Villeda, Gustavo Morales, Antonio Salcedo, Juan Negrete, Luis Armas y Rodolfo Aguilera. La obra es posible gracias al apoyo del estímulo fiscal EFIARTES de Gran Formato en su edición 2024, otorgado por primera vez a la disciplina dancística. La música, el diseño lumínico y el vestuario se integran para construir una atmósfera poética y visualmente poderosa. El Teatro de las Artes: Un Espacio Emblemático de la Cultura en México.

    Teatro de las Artes: Es ya un histórico recinto de la Cultura en México que sin duda atraviesa una de sus mejores épocas, no solo por el nivel del equipo técnico y el funcionamiento estricto para las amplias necesidades estéticas de cada espectáculo que es ahí con sensibilidad programado. El equipo de sala despliega gentileza y es atento a cada requerimiento en términos de seguridad. El CENART nos lleva de un asombro a otro por las propuestas al público que lo han convertido más que nunca en la actual administración, en un sitio cercano y constante en la vida de innumerables habitantes de nuestra inmensa urbe, además de ser un sitio referencial para visitantes del interior de la república y otros países. Generoso e impecable, el pulmón cultural de México. Con imágenes de Diana García. El mandarín milagroso / Cierra temporada.

    Fechas y horarios:

    – Domingo 1 de febrero , 18:00 h

    Lugar: Teatro de las Artes, Cenart

    Boleto: 200 pesos

    El CENART ofrece descuentos del 50% para estudiantes y maestros (con credencial vigente) en taquilla y para sus cursos, además de promociones como el “Miércoles 2×1” en espectáculos, que suelen ser exclusivas de taquilla, y a veces descuentos especiales para donaciones o en plataformas como Promodescuentos.cenart.gob.mx

  • El circo mexicano hace historia con la creación de la FEMEC

    El circo mexicano hace historia con la creación de la FEMEC

    TRIAGE.  

    Por: Alexandro Guerrero.

    La Federación Mexicana de Circo (FEMEC) fue lanzada oficialmente en el Centro Nacional de las Artes (Cenart), con el objetivo de fortalecer y articular al sector circense a nivel nacional. Esta iniciativa ciudadana y horizontal busca generar espacios de organización, diálogo y colaboración entre los diferentes actores del circo en México.

    La FEMEC reconoce al circo como arte, práctica cultural, forma de vida y espacio de incidencia social, y busca visibilizar y promover el desarrollo del sector en toda su diversidad. El lanzamiento contó con la participación de autoridades y personalidades del ámbito cultural y circense, quienes destacaron la importancia de esta iniciativa para el crecimiento y reconocimiento del circo en México.

    La creación de la FEMEC es un logro importante para el sector circense mexicano, ya que busca generar un espacio de colaboración y diálogo para promover el desarrollo y la visibilidad del circo en el país.

    La creación de la FEMEC es el resultado del compromiso de un grupo diverso de organizaciones, compañías, asociaciones, artistas y profesionales del circo en México. Han aportado su trabajo, experiencia, tiempo y apoyo económico para hacer posible esta iniciativa.

    El circo en México es una manifestación artística con raíces históricas y culturales profundas, que se ha adaptado a contextos contemporáneos y responde a realidades sociales diversas. Además de su valor artístico, el circo cumple una función social importante: genera comunidad, promueve el acceso a la cultura, fomenta el trabajo colectivo y articula saberes corporales, técnicos y creativos transmitidos entre generaciones.

    La FEMEC nace para generar espacios de organización, diálogo y colaboración entre artistas, asociaciones, compañías, escuelas, investigadores, técnicos y otros agentes del sector. Su propósito es construir un espacio incluyente y plural, que refleje la diversidad de prácticas y contextos del circo en México.

    La Federación invita a todas las personas y organizaciones vinculadas al circo en México a unirse y fortalecer este espacio común de reconocimiento gremial a nivel nacional. En la presentación de la Federación Mexicana de Circo (FEMEC) en el Centro Nacional de las Artes (CENART) hoy, estuvieron presentes varias figuras importantes del gremio circense mexicano. Algunos de ellos fueron Claudia Ramírez, presidenta de la FEMEC; Rodrigo Hernández, tesorero; Charlotte Pescayre, vocal de la federación; Andrea Peláez, secretaria de la organización; Bruno Díaz León, vicepresidente; Jesús Ramírez Cuevas, coordinador de asesores de la Presidencia de la República; y Vicente Jurado López, director del CENART.

    La maestra Andrea Peláez, directora de la licenciatura en artes circenses contemporáneas LACC y cofundadora de la compañía CIRKO DE MENTE, pionera en el arte circense contemporáneo en México nos compartió: “Las Bellas Artes, constructo histórico europeo del siglo XVIII, dejó fuera a expresiones sin duda artísticas, como las que podemos englobar en el término Artes Circenses, hecho que ha marcado una diferencia en cuanto a la apreciación y valoración de las formas artísticas no consideradas como “bellas”.

    Queda claro que esto ha sido parte de un sistema de pensamiento inserto en el colonialismo y en una visión de “mejores y peores” sumamente dañina para la humanidad y este hermoso planeta.

    El arte lo hacemos y vivimos siempre; de hecho, una de las características que nos definen a los seres humanos es nuestra capacidad creativa. Las artes circenses se inscriben en esa intuición e impulso de los seres humanos de hacer proezas con el cuerpo, en relación con otros cuerpos, objetos e incluso otras especies animales. En un punto de intersección entre las actividades de alto rendimiento físico y las artes, lo que nos permite reconocer la infinita capacidad que poseemos, la magia y el asombro de nuestro ser.

    En el territorio que hoy llamamos México, las artes acrobáticas se han desarrollado de forma rica y diversa. Entre las maravillas que llevó Cortés a los reyes de España incluyó a unos increíbles antipodistas. En el periodo colonial se crearon compañías itinerantes de orígenes criollos, mestizos y negros, que viajaban por la Nueva España. Durante el periodo del gobierno de Juárez, en 1868, por causas no conocidas con precisión, la Cámara de Diputados sesionó por unos meses en el Circo Chiarini, que se ubicaba en el Centro Histórico. Y desde que México es una república hasta la fecha, los circos son de las pocas organizaciones artísticas que han podido cruzar zonas rojas durante conflictos armados y zonas de alto riesgo a lo largo y ancho del país, testimonio vivo de cómo se acuerpa el arte y la cultura de paz.

    Las y los artistas de circo mexicano han brillado en los más reconocidos escenarios. El maestro Julio Revolledo decía que era notable lo buenos que somos los mexicanos para volar; ya los primeros españoles que llegaron a nuestras tierras se asombraron con el maravilloso ritual de los voladores.

    Dando un salto en el tiempo, es remarcable lo que los trapecistas mexicanos han hecho en los vuelos de trapecio. Comenzando, por el gran Alfredo Codona, quien dominó el triple como nadie antes, los Gaona, con su hermoso doble-doble, y la primera troupe de trapecios en recibir el más alto galardón del circo: el payaso de oro del Festival de Monte Carlo en 1978. Los Vázquez, los primeros en realizar el cuádruple y también ganaron el oro en Monte Carlo en 1990. Ese cuádruple maravilloso volvería a ser presentado por Gino Fuentes Gasca en 2008,  los Caballero en 2025, quienes también obtuvieron el payaso de oro. Y este año,los Fuentes Gasca volvieron a asombrar al mundo y obtuvieron el oro.

    Menciono esta hermosa disciplina, los trapecios volantes, donde las familias mexicanas han destacado constantemente. Pero en muchísimas disciplinas circenses, los artistas mexicanos han sido los mejores embajadores de México, como se decía de los Atayde en su gira por Brasil hace casi 100 años.

    En el terreno de la salud individual y social, la gente de circo somos agentes insumisos al sedentarismo y a la limitación de las capacidades que el sistema actual de vida impone a los seres humanos. Las artes circenses, sin duda, en México son elementos identitarios de nuestra cultura, muy valiosos a nivel artístico, de un impacto social importantísimo, así como agentes de transformación en múltiples campos.

    Por eso celebramos hoy el encuentro de esta diversidad en una organización que nos permite reconocernos, pensarnos, visibilizarnos y organizarnos por el bien común. Celebramos sumarnos también a organizaciones y redes internacionales e internacionalistas, como es la esencia del circo, para seguir creando un arte para el mundo, en este contexto histórico en el que apremia recordar y desarrollar nuestras capacidades más sublimes frente a la barbarie.

    Asimismo, celebramos estar aquí en el Centro Nacional de las Artes y que los diferentes recintos en el interior del país abran sus puertas para dar a conocer esta vital iniciativa, como punto de partida para generar diálogos constantes, constructivos y colaborativos.

    Agradecimiento y amplia invitación a todos los seres que, de una u otra manera, sostenemos esta utopía de hacer circo hoy; Concluyó.