Hayao Miyazaki vuelve a la pantalla grande de la Ciudad de México con Ponyo y el secreto de la sirenita, a partir del 4 de septiembre.
Ponyo y el secreto de la sirenita, la película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki, se incorporará a la cartelera de la Cineteca Nacional este viernes 4 de septiembre, con funciones en sus tres sedes de la Ciudad de México: Cineteca Nacional México (ubicada en Xoco), Cineteca Nacional de las Artes (en el Centro Nacional de las Artes) y Cineteca Nacional Chapultepec.
Estrenada en 2008, la cinta narra la historia de Ponyo, una pequeña criatura marina que desea convertirse en humana después de conocer a Sosuke, un niño de cinco años. Ponyo comienza como un pez dorado atrapado en una botella que Sosuke rescata y nombra, sin saber que en realidad es hija de un hechicero y una diosa del mar. El vínculo entre ambos desata una serie de eventos que alteran el equilibrio de la naturaleza y enfrentan a la protagonista con las reglas de su mundo de origen.
La cinta es una versión libre de La sirenita, el cuento de Hans Christian Andersen, trasladada a un universo marino propio del estilo de Hayao Miyazaki. Forma parte de la filmografía de Studio Ghibli, el estudio responsable de títulos como Mi vecino Totoro y El viaje de Chihiro.
Las entradas se pueden comprar desde la página oficial de la Cineteca Nacional, además de las taquillas. Se recomienda revisar previamente el sitio oficial para confirmar horarios y disponibilidad, ya que cada recinto maneja su propia programación.
De Daniel Castro Zimbrón, a partir de la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández; El delirio de poder y la violencia de los marginados como una metáfora del dolor de la relación padre e hija.
En los 40, Pedro Armendáriz padre en La noche avanza (1951) de Roberto Gavaldón fue la sombra moral de la ciudad. En los 70, el cine de ruptura nos dio a sus dos figuras clave: Alejandro Parodi en Llámenme Mike (1979), un policía amnésico que solo volviéndose loco podía hacer justicia, y Pedro Armendáriz Jr. como Héctor Belascoarán Shane, el detective que leía y perdía. En esa línea directa se coloca Cipriano Zuzunaga, protagonista de “Tus dos muertos”.
La película es adaptación de la novela negra “Tus dos muertos” (Alfaguara, 2016) de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Gudiño creó a Zuzunaga como un antihéroe serial, un personaje que viene de antes y sigue después, y eso se siente: ya llega cargado de mañas, deudas morales y relaciones podridas con el sistema.
La premisa es brutalmente mexicana: Investigar delitos en México parece un sinsentido; salvo que la víctima sea alguien poderoso, como el hijo de un candidato. Zuzunaga es un policía al límite de la razón, como todo lo marginal e institucional. Cobra plazas, extorsiona, sobrevive. Pero su verdadero expediente son sus pendientes familiares.
Castro Zimbrón entiende que el noir no es un género, es una forma de mirar. Alto contraste, noche perpetua, siluetas recortadas, la ciudad como viñeta. Neones que sangran, sombras que se comen los rostros, la violencia estilizada como trazo grueso. Los marginados no son un realismo sucio, son arquetipos trágicos iluminados a contraluz. Y en este caso, el aterrizaje es totalmente afortunado. Aquí es donde la película conecta con una tradición poco explorada: el policía que alucina. El antecedente directo es el propio Mike de Llámenme Mike. Zuzunaga entra en esa genealogía. No alucina por droga, alucina por dolor. Ve a su hija donde no está, escucha voces de un caso que es su propia conciencia.
El reparto femenino es clave y es donde la película encuentra su resonancia trágica. Myriam Bravo, Ofelia Córdova y Camila Calónico integran una suerte de corifeo trágico. Encarnan distintas miradas que parecieran reproducir la imagen de la misma mujer: todas atrapadas y es importante esa analogía, porque hace visible que la herida es una sola y se repite.
La presencia de la ausencia de otra mujer es la que estructura todo; lejana, en esa cápsula afuera y aparentemente a salvo. Esa ausencia es el centro moral de la película. Todo lo que Zuzunaga hace es para alcanzar a esa voz que está fuera de su alcance. La edición de sonido a triple registro en lo básico incidental de la sorpresa, más lo alucinatorio como situación, nos da además carecteriologías aisladas de los espacios dotando de profundidades de inevitabilidad a la historia. Dirigida por Daniel Castro Zimbrón y producida por Varios Lobos en coproducción con España, está protagonizada por Gerardo Trejoluna como Zuzunaga y Brontis Jodorowsky como Arcángel.
Extraordinaria que no hay blanqueamiento en las caracterizaciones ni un acercamiento edulcorado de la pobreza. El México marginal no es pintoresco sino manchado deslavado o residual, es una maquinaria de supervivencia donde cada favor se cobra con cuerpo.
Brontis Jodorowsky hace un trabajo sumamente complejo por las distintas tensiones que reprime en Arcángel. También como personaje deja una interesante posibilidad como paradigma a futuro, pues en la saga literaria, Arcángel está presente.
Gerardo Trejoluna se muestra como el espléndido actor de corporalidades y mundos internos abismales que es; Una actuación de antología para no variar tratándose de él; referencial.
Bellísimo ver a cuadro en una de sus últimas apariciones, al Maestro Juan de la Loza. ** Fundamental apoyar al cine de manufactura nacional, más cuando representa un trabajo de enorme calidad como este, entretenimiento de primer orden.**
Tus dos muertos De Daniel Castro Zimbrón. Basada en la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Con Gerardo Trejoluna, Brontis Jodorowsky, Alexis Ayala, Juan Daniel García Treviño, Myriam Bravo, Ofelia Córdova, Camila Calónico y José Sefami
En el marco de la conmemoración del centenario del natalicio de Fidel Castro Ruz, nacido el 13 de agosto de 1926, la plataforma MX Nuestro Cine estrenó la serie documental México y Cuba en el tiempo. Reflexiones sobre Fidel, dirigida por el realizador mexicano Eduardo Flores. La serie se transmite desde el jueves 13 de agosto a las 20:00 horas por la señal 22.2, por streaming y a través de las redes sociales de MX Nuestro Cine y Canal 22.
Con siete entregas que cierran el 19 de agosto (y que se espera en breve se han retransmitido por distintos canales a nivel nacional) , la producción propone un recorrido íntimo y coral por la vida, el ideario y la trascendencia del líder de la Revolución Cubana, a partir de testimonios únicos de quienes lo conocieron, colaboraron con él o crecieron bajo la influencia de su proyecto político y cultural. No se trata de una biografía lineal, sino de una serie de reflexiones cruzadas entre México y Cuba, dos países cuya historia compartida marcó el siglo XX latinoamericano.
El primer capítulo abrió con el trovador Amaury Pérez, una de las voces más emblemáticas de la nueva trova, quien habló del papel de la cultura como columna vertebral del proceso revolucionario y del renacer artístico que vivió Cuba después de 1959. El segundo episodio reunió a dos amigos de la etapa universitaria de Fidel en La Habana: el periodista Max Lesnik, figura histórica del exilio cubano radicado en Miami, y el cineasta Alfredo Guevara, fundador del ICAIC. Ambos evocaron al joven líder universitario impregnado del ideario martiano de soberanía nacional y antiimperialismo.
El tercer capítulo, centrado en los orígenes de la Revolución, contó con el testimonio del general en retiro Fabián Escalante, quien encabezó el Departamento de Seguridad del Estado entre 1976 y 1988 y fue uno de los hombres encargados de proteger la vida de Fidel. Escalante recordó el discurso del 8 de enero de 1959, a su entrada en La Habana, como el momento en que se hizo evidente que comenzaba una transformación profunda, irreversible, para la isla.
La serie continúa con una entrega dedicada al deporte como proyecto de emancipación, con los campeones olímpicos Alberto Juantorena y Javier Sotomayor, quienes narraron cómo la Revolución influyó en su formación atlética y en su vínculo personal con Fidel. El quinto capítulo aborda uno de los episodios más dramáticos de la relación Cuba-Estados Unidos en los años noventa: el caso de Elián González, el niño balsero, junto a su padre Juan Miguel González, quienes relatan su encuentro con Fidel y la operación política y humana que permitió el regreso del niño a la isla.
Los dos episodios finales vuelven a la mirada de Escalante para desentrañar las estrategias de seguridad y los cientos de atentados organizados contra Fidel, y cierran con Abel Prieto, intelectual y director de Casa de las Américas, para reflexionar sobre la vida cultural cubana contemporánea y el legado del pensamiento fidelista en las artes.
Como parte del homenaje, el ciclo incluye la proyección de Mi hermano Fidel (1977), el emblemático documental del realizador Santiago Álvarez, fundador del Noticiero ICAIC Latinoamericano, una pieza clave para entender la dimensión humana del líder cubano vista desde el cine militante.
La serie, producida de manera independiente por el estudio MX Nuestro Cine, ha tenido eco en medios nacionales e internacionales como La Jornada, Cubadebate, Telesur y Radio Habana Cuba, que han destacado su valor testimonial en el contexto del centenario. CUBA FRENTE AL BLOQUEO
El estreno del serial coincide con el anuncio del nuevo proyecto del director Eduardo Flores: Cuba frente al bloqueo, cuyo largometraje documental se titula Vivir Bloqueado.
Se trata de una investigación independiente que se propone contar la extraordinaria historia de cómo una isla caribeña ha sobrevivido a más de 60 años de bloqueo y se mantiene en pie. El proyecto no busca construir un discurso unilateral, sino explorar cómo esta política —llamada “bloqueo” en el discurso cubano por sus efectos prácticos, y “embargo” en el marco jurídico estadounidense— se ha convertido en un factor central en la vida económica y social de la isla.
Según la sinopsis del proyecto, el embargo constituye una compleja red de leyes y resoluciones impuestas por Estados Unidos que busca detener, mediante duras sanciones, toda actividad económica de la isla con cualquier otro país o entidad, pues sus efectos y alcances son extraterritoriales. Muchos gobiernos y organismos internacionales lo han calificado de ilegítimo e ilegal. Tras más de seis décadas, se ha configurado un escenario complejo que exige distinguir entre sus dimensiones legales, sus impactos operativos y las interpretaciones políticas que acompañan cada término.
El documental se define como un proyecto independiente, de investigación, sin fines partidistas y sostenido por el apoyo voluntario y alianzas ciudadanas, con el objetivo de que voces invisibilizadas encuentren espacio y de preservar el sentido humano del tema.
Las personas interesadas en conocer y apoyar esta nueva producción pueden hacerlo a través del sitio oficial del proyecto:
Un proyecto que continúa la línea de trabajo de Flores sobre la memoria compartida entre México y Cuba, ahora desde la perspectiva del presente y de la resistencia cotidiana frente al cerco económico más prolongado de la historia contemporánea.
La secuela de Disney y Pixar alcanzó 1,022 millones de dólares globales, superando a otros estrenos del año y revitalizando la taquilla del cine mundial.
-Mateo Segura
La película Toy Story 5, producida por Disney y Pixar, se consolidó como la cinta con mayor recaudación en lo que va del año 2026 tras superar la cifra de mil millones de dólares en la taquilla global. Con 448 millones de dólares acumulados en el mercado de Estados Unidos y 573 millones de dólares en el exterior, la cinta suma un total de 1,022 millones de dólares.
Con este resultado, el largometraje se convirtió en el tercero del 2026 en sobrepasar dicha meta comercial, sumándose a Super Mario Galaxy: la película y a Michael, producciones que registraron 1,001 millones de dólares cada una. A este grupo busca sumarse La Odisea, filme que actualmente suma 639.6 millones de dólares en sus primeros dos fines de semana de exhibición, previo al estreno de Spider-Man: Brand New Day programado para el 30 de julio.
De acuerdo con reportes de la publicación especializada Variety, el año 2026 se perfila como el periodo con mayor cantidad de títulos que superan los mil millones de dólares desde 2020, cuando la pandemia impactó a la industria cinematográfica global. En 2019, un total de nueve películas cruzaron esa marca, mientras que en 2020 no hubo ninguna; posteriormente se registró una en 2021, tres en 2022, dos en 2023, así como tres en 2024 y 2025.
En cuanto al historial de la franquicia, Toy Story 5 es la tercera entrega de la saga en rebasar los mil millones de dólares, logro que previamente alcanzaron Toy Story 3 en 2010 con 1,060 millones de dólares y Toy Story 4 en 2019 con 1,070 millones de dólares, cifra que la nueva secuela prevé superar en los próximos días.
La Odisea, del director Christopher Nolan, es la nueva adaptación del poema homónimo de Homero que data del siglo VIII A.C. En esta nueva versión, el viaje de Odiseo cobra vida a través de una narrativa moderna, cautivadora y épica, que dentro de la fantasía se siente realista y, gracias a un buen presupuesto y manejo del cineasta, brinda un espectáculo fresco.
No hace falta haber leído la obra clásica, aunque la misma ha demostrado su importancia y riqueza al lograr subsistir a través de los centenarios. No por nada ha sido referenciada a diestra y siniestra en numerosos proyectos de distinta índole. Por ello, aunque no se haya leído la historia original, son de conocimiento popular varios pasajes del mítico viaje y Odiseo es más cercano a nosotros de lo que pensamos.
Foto: Universal Pictures
La historia sigue las consecuencias de la Guerra de Troya, donde Odiseo, el Rey de Ítaca, fue convocado por el Rey de Micenas y máximo líder de lo griegos, Agamenón, para tomar la ciudad de Troya después de que el príncipe troyano, Paris, “raptara” a Helena, la esposa de Menelao, hermano de Agamenón. Esto desencadena una guerra de 10 años cuyo desenlace, la caída de la ciudad, es posible por la entrega del mítico caballo de madera gigante, que dejado como regalo, los troyanos toman, sin imaginar que llevan a casa un grupo de rivales que terminarían por abrir las impenetrables puertas de la ciudad, permitiendo que el ejército enemigo lo queme todo.
Es Odiseo el autor de esta jugada bélica, tan conocida a través de las generaciones, por lo que tras terminar la guerra, carga con el peso de sus decisiones mientras se embarca camino a casa después de años de guerra, pero la travesía no será fácil, y es aquí donde comienza su viaje: la Odisea.
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Plegarias, respeto y retos a con los dioses, dilemas morales, criaturas fantásticas, seres grotescos, magia y una fuerza de voluntad inmensa por continuar el viaje que le permitirá volver a ver a su esposa Penélope y a su hijo Telémaco, serán parte del camino de Odiseo, mismo, que a un buen ritmo que no da tregua al espectador, hace que pasen las casi 3 horas que dura el filme con goce. Una historia que debe disfrutarse en la pantalla de cine de mayor calidad y tamaño que se tenga disponible.
Sin duda tiene una fuerte calidad cinematografica:escenarios y fotografías que permiten visualizar cómo debió ser un antiguo y fantasioso mundo, una música de la mano de Ludwig Goransson que es intensa o nostálgica cuando debe, y una calidad narrativa que toma una prosa quizás difícil del producto original pero que es adaptada a una fórmula visual para impresionar a la audiencia actual. No es sorpresa, pues es realizada por el mismo director que hizo “Interestelar” y “Oppenheimer”, por lo que además de poder decir que cumplió, el cineasta dejó una obra digna.
Foto: Universal Pictures
Ahora, se hablará más a detalle, por lo que se advierten de Spoilers, aunque es una historia ya conocida.
Una de las primeras críticas que se le pueden hacer al filme es lo evidente: históricamente no es precisa. Aunque la fama del director es la de ser realista, como lo fue con su trilogía de Batman, aquí escatimó en presentar elementos fieles a la historia. Claro, se trata de la adaptación de un poema ficticio, pero basado en poblaciones, personajes y locaciones reales. Además, Nolan no es completamente fiel al material original, pero él sabe todo esto, no le importa, y funciona.
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Conscientemente tomó un casting diverso, al que no le preocupa verse genuinamente griego y que proviene de distintas ascendencias. Un ejemplo es la mexicana Lupita Nyong’o como Helena, el británico Tom Holland como Telémaco y el rapero estadounidense Travis Scott como El Bardo. Nolan tomó a su grupo actoral y lo vistió con armaduras y ropajes que no necesariamente usaban los habitantes de las época o lugares donde se desarrolla la historia e, incluso, a nivel narrativo lamentablemente se permitió cambiar o eliminar elementos del libro original que, bajo su visión o quizá por limitantes de producción, no pudo llevar a cabo.
Sin embargo, esta es su adaptación, su versión. Toma lo que necesita, se da licencias donde lo requiere y no deja de ofrecer el viaje épico y trágico de Odiseo. Es una película que dejará quizá un sabor agridulce a quienes conocen el material original, por los pasajes y diálogos que se perdieron, pero que cautivará a quienes por primera vez se adentran en la historia y que deja un precedente en el mundo del cine, de la ficción y de la fantasía.
Foto: Universal Pictures
Aunque hay elementos que rozan lo absurdo, como la imponencia exagerada de Agamenón o la batalla final de Odiseo, hay pasajes tan bien logrados que incluso resultan espeluznantes, como la escena del caballo de Troya y la caída de la ciudad; el encuentro del grupo de Odiseo con el cíclope Polifemo en la cueva; o la transformación de los hombres en cerdos por parte de la bruja Circe. Todo ello demuestra que el género, con buenos efectos especiales y la habilidad del cineasta, es una apuesta seria, además de dejar ver a un Nolan al que sería interesante ver dirigiendo una película completamente de terror.
Además, encontramos un desfile de actores de primera, entre ellos ganadores del Óscar como Matt Damon en el papel principal, acompañado de Anne Hathaway y Charlize Theron; a quienes se suman otros intérpretes ampliamente reconocidos y mediáticos como Zendaya, Robert Pattinson, Ben Safdie, Tom Holland, Jon Bernthal, Elliot Page, Samantha Morton, John Leguizamo y Lupita Nyong’o, por mencionar solo algunos. Es una galantería que puede permitirse únicamente un director del prestigio de Nolan.
No por nada el espectador encuentra actuaciones de primer nivel, capaces de generar empatía con una historia llena de elementos fantásticos. Resalta, sin lugar a dudas, la interpretación de Samantha Morton como la bruja Circe, cuyo episodio, además de magia negra, está lleno de dolor. También están en el podio Matt Damon y Anne Hathaway, en cuyas interpretaciones puede leerse lo cruento, nostálgico y trágico que resulta la espera por el regreso de Odiseo.
Foto: Universal Pictures
Sin embargo, en ese apartado no destacan Tom Holland ni Jon Bernthal. El primero, aunque propone, se queda corto en comparación con el resto del reparto; y el segundo, aunque funciona, no deja de mostrar los gestos y ademanes que exhibe en otros papeles.
Al final, no cabe duda de que La Odisea es un espectáculo visual y una adaptación que ofrece una visión rejuvenecida de un clásico de los clásicos. Seguramente, en la próxima temporada de premios se llevará galardones, incluso el de Mejor Película o Mejor Director, por lo complejo que fue lograrla. Es probable que ni Homero era consciente de la magnitud de la obra que escribía y de que, miles de años después, sería posible verla adaptada a un formato que en su tiempo era inimaginable. La Odisea es una apuesta que, pese a sus detalles, se disfruta en pantalla grande, aunque como es costumbre, no es mejor que el libro.
Obsesión (2026) se consolidó como una de las sorpresas del cine de terror del año gracias a su combinación de horror psicológico y elementos sobrenaturales. La historia sigue a Bear, un joven enamorado en secreto de su mejor amiga, Nikki, quien recurre a un misterioso objeto capaz de conceder un deseo con la esperanza de conquistarla. Sin embargo, aquello que parecía una oportunidad para alcanzar la felicidad termina desencadenando consecuencias cada vez más perturbadoras.
Dirigida y escrita por Curry Barker, la película llamó la atención por alejarse del terror basado en sobresaltos para construir una atmósfera inquietante y emocional. Su éxito radica en que utiliza lo sobrenatural como un recurso para explorar sentimientos profundamente humanos, como el rechazo, la obsesión, la soledad y la dificultad para aceptar que el amor no siempre es correspondido.
Más allá de su trama, Obsession destaca porque evita presentar una lucha entre buenos y malos. En cambio, propone un retrato de personas que actúan impulsadas por emociones universales: el deseo de ser amadas, el miedo a perder a alguien importante y la necesidad de sentirse suficientes para quienes aman. Ninguno de los personajes parece ser guiado por la maldad, sino por decisiones nacidas de sus propias carencias emocionales.
El protagonista, Bear, encarna la idea de que el amor puede obtenerse si se encuentra la manera correcta de cambiar las circunstancias. Su conflicto no surge del odio, sino de la incapacidad para aceptar que los sentimientos de otra persona no pueden controlarse. La película muestra cómo una intención que nace del afecto puede transformarse en algo destructivo cuando el deseo de ser amado termina imponiéndose sobre la libertad del otro.
Por su parte, Nikki representa una realidad igual de humana: nadie está obligado a corresponder el amor de otra persona. La cinta recuerda que rechazar una relación no convierte a alguien en un villano, sino que forma parte de la complejidad de los vínculos afectivos. Dos personas pueden apreciarse profundamente y, aun así, no compartir el mismo tipo de amor.
Uno de los temas centrales de la película es la diferencia entre amar y desear. Mientras el deseo busca poseer, cambiar la realidad o eliminar la incertidumbre, el amor implica aceptar al otro como es, incluso cuando eso significa dejarlo ir. La tragedia de Obsession nace precisamente de esa confusión entre ambos impulsos, una idea que atraviesa toda la historia.
Al final, la obra funciona como una reflexión sobre la naturaleza del amor y las expectativas que las personas proyectan sobre quienes desean. Más que ofrecer respuestas sencillas, invita a preguntarse cuánto de lo que llamamos amor pertenece realmente a la otra persona y cuánto proviene de nuestras propias necesidades y fantasías.
La actriz Kaylee Hottle, reconocida por su papel de Jia en la franquicia Godzilla vs. Kong, falleció a los 18 años tras un fuerte accidente automovilístico.
-Mateo Segura
La industria cinematográfica de Hollywood se viste de luto tras confirmarse el fallecimiento de la joven actriz Kaylee Hottle a los 18 años de edad. La noticia fue dada a conocer por su padre, Joshua Hottle, durante una transmisión en vivo realizada la mañana de este martes 21 de julio de 2026. El fatídico suceso se produjo a causa de un severo accidente automovilístico ocurrido en el estado de Maryland, Estados Unidos.
De acuerdo con las declaraciones del padre de la artista vertidas al portal TMZ, él tuvo que trasladarse más de 2 mil 100 kilómetros desde Texas para reclamar el cuerpo de su hija. Joshua Hottle relató que tuvo conocimiento del percance vial cuando la joven aún era trasladada de emergencia hacia un hospital cercano, donde lamentablemente perdió la vida debido a la gravedad de las lesiones sufridas antes de que pudiera ser estabilizada.
Kaylee Hottle, quien padecía discapacidad auditiva y pertenecía a una familia sorda, inició su carrera artística a los 9 años de edad en un comercial de televisión enfocado en la accesibilidad comunicativa. Posteriormente, alcanzó el reconocimiento internacional al interpretar a Jia en las superproducciones “Godzilla vs. Kong” (2021) y su secuela en 2024, donde compartió créditos con la actriz Rebecca Hall, quien encarnaba a la doctora Ilene Andrews.
En sus apariciones dentro de la pantalla grande, su personaje utilizaba el lenguaje de señas para comunicarse directamente con el titán prehistórico en la Isla Calavera. En una de sus últimas entrevistas concedidas en abril al medio Young Entertainment, la actriz reflexionó sobre la paciencia requerida para actuar en producciones de gran escala. Diversas figuras del entretenimiento y fanáticos en redes sociales han expresado sus condolencias ante la repentina partida de la talentosa intérprete.
Tom Holland y Zendaya desataron la locura en Aztlán Parque Urbano durante la presentación en México de “Spider-Man: Un nuevo día”, ante miles de fanáticos.
-Mateo Segura
El parque de diversiones Aztlán Parque Urbano se transformó por completo en territorio de Marvel tras recibir a los actores Tom Holland y Zendaya, junto al director Destin Daniel Cretton. Las celebridades asistieron al lanzamiento oficial de “Spider-Man: Un nuevo día”, la esperada cuarta entrega de la franquicia del arácnido protagonizada por el actor británico. Cientos de seguidores se congregaron desde horas antes en las inmediaciones del recinto con la firme esperanza de conseguir un autógrafo o capturar una fotografía de sus estrellas favoritas.
La primera alfombra roja celebrada en este espacio tuvo como escenario principal la emblemática rueda de la fortuna de Aztlán. En medio de un despliegue de luces, gritos y teléfonos levantados, el elenco desfiló vistiendo elegantes atuendos completamente de negro. La euforia de la multitud sorprendió gratamente al histrión de 30 años de edad, quien aprovechó los micrófonos de la prensa para reconocer el gran valor y la pasión que la comunidad mexicana aporta al crecimiento continuo de este universo cinematográfico.
El fervor del público se manifestó a través de diversos artículos temáticos como figuras Funko Pop, pósters, ilustraciones e incluso tatuajes inspirados en el superhéroe. El momento cumbre de la jornada ocurrió cuando los asistentes entregaron una bandera nacional intervenida con la frase “El barrio respalda a la araña” y proyectaron un video con comercios locales alusivos al personaje. Ante las aclamaciones masivas que sentenciaban “¡Ya son mexicanos!”, tanto los protagonistas como el equipo de producción respondieron conmovidos ante semejante muestra de afecto.
Finalmente, Tom Holland externó su profundo agradecimiento a las familias del país por recibirlos constantemente con los brazos abiertos y un calor humano inigualable. El actor británico enfatizó que todo el esfuerzo detrás de la filmación está dedicado enteramente al disfrute de los fanáticos y sus seres queridos. Con este exitoso evento promocional, la metrópoli consolida su posición como una parada obligatoria para las grandes producciones de Hollywood, dejando una huella imborrable en la memoria colectiva de los amantes del cómic.
Una jueza de Estados Unidos suspendió temporalmente la fusión de 110 mil millones de dólares entre las multinacionales Paramount Skydance y Warner Bros Discovery.
-Mateo Segura
Una jueza federal llamada Araceli Martínez-Olguín frenó este 20 de julio de 2026, y por un tiempo de 14 días, la compra de Warner Bros. Discovery por parte de la empresa Paramount Skydance. Este trato tiene un valor de 110 mil millones de dólares. La decisión de la jueza se debe a una demanda de 12 fiscales de Estados Unidos, liderados por el fiscal de California, Rob Bonta, quienes dicen que la unión va en contra de las leyes que protegen la competencia.
Los fiscales explicaron en la corte de Oakland, California, que si estas dos compañías se juntan, van a dañar la libre competencia en el cine de Hollywood y en la televisión por cable. Si el plan del director de Paramount, David Ellison, se realiza, la nueva empresa va a controlar el 27% de las películas que se venden en los cines y más del 30% de los estrenos más grandes. Esto haría que más del 90% del negocio del cine quede en manos de solo cuatro grandes empresas: la nueva compañía, Walt Disney Co., Universal y Sony Pictures Entertainment.
Esta orden de la jueza detiene los planes de las empresas, que querían cerrar su trato este 22 de julio de 2026. Con esta orden, las firmas no pueden juntar sus trabajos ni compartir sus datos guardados mientras dure el juicio. Además, muchas personas del cine están en contra de este acuerdo, como el sindicato de escritores Writers Guild of America y casi mil trabajadores creativos que firmaron una carta de protesta. La jueza ordenó una junta para el 3 de agosto de 2026 para decidir si el trato se suspende por completo.
La AMACC anunció 17 películas mexicanas que buscarán representar a México en los Premios Oscar y Goya de 2027, incluyendo reconocidos directores, directoras y múltiples géneros.
-Mateo Segura
La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) anunció oficialmente la lista de las 17 producciones cinematográficas que competirán en el proceso interno para representar a México en la 99.ª edición de los Premios Oscar y la 41.ª edición de los Premios Goya, ceremonias que se llevarán a cabo en el año 2027.
Las cintas seleccionadas buscarán obtener la candidatura nacional en las categorías de Mejor Película Internacional de los galardones estadunidenses y Mejor Película Iberoamericana de los reconocimientos españoles. Dentro de las obras inscritas, resalta que siete de ellas contaron con el estímulo de FOCINE y 11 con el respaldo económico de EFICINE, instituciones fundamentales para el impulso del cine contemporáneo en el país.
Entre los largometrajes aspirantes destacan las participaciones de reconocidos cineastas. El actor y director Diego Luna figura en la contienda con Ceniza en la boca, mientras que Gael García Bernal participa con Hombre al agua, la cual representa su tercera película en la silla de director. Asimismo, Jonás Cuarón se encuentra en la selección con Campeón gabacho y Fernando Eimbcke con Moscas.
La lista también incluye títulos que ya han cosechado galardones a nivel mundial. El jardín que soñamos, dirigida por Joaquín del Paso, formó parte de la selección en la Berlinale y fue galardonada como Mejor Película Iberoamericana en el Festival de Málaga.
Por su parte, el realizador Ernesto Martínez Bucio compite con El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja), obra que acumuló ocho nominaciones en los Premios Ariel y ganó el reconocimiento a Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
El género de terror también encuentra espacio este año gracias a la cinta No dejes a los niños solos, dirigida por Emilio Portes. En cuanto a la presencia femenina en la dirección, la selección contempla los trabajos de Karla Badillo con el título Oca y de Fernanda Tovar con Chicas tristes.
Para completar la cifra de los 17 largometrajes, también se encuentran inscritos: En el camino de David Pablos; Cocodrilos de J. Xavier Velasco; Flamingos de Lorenzo Hagerman; La eterna adolescente de Eduardo Esquivel; La reserva de Pablo Pérez Lombardini; Las mutaciones de Jorge Ramírez-Suárez; Sobre las olas de Horacio Alcalá y Un hijo propio de Maite Alberdi. Próximamente, la AMACC anunciará a la ganadora de este grupo.
