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Categoría: Cultura

  • TRIAGE: Se acerca la Tercera Edición del Festival de Metales del Pacífico en Mazatlán

    TRIAGE: Se acerca la Tercera Edición del Festival de Metales del Pacífico en Mazatlán

    Por Alexandro Guerrero

    Del 5 al 14 de noviembre de 2026, Mazatlán, Sinaloa, será la sede de una experiencia internacional alrededor de los instrumentos de viento metal.

    El Festival de Metales del Pacífico presentó oficialmente los detalles de su Tercera Edición, que se realizará del 5 al 14 de noviembre en el Teatro Ángela Peralta de Mazatlán, Sinaloa.

    La presentación se llevó a cabo el pasado viernes 11 de septiembre en el Sindicato Único de Trabajadores de la Música (SUTM/SUTME) de la Ciudad de México, ante representantes del sector musical, artistas, estudiantes y medios de comunicación.

    El evento contó con la participación especial de Víctor Guzmán, Secretario General del SUTM, Armando Báez, Presidente de EJE Ejecutantes, Sergio Lizárraga, CEO de Lizos Music y Sebastián Cedillo, Director General del Festival de Metales del Pacífico. Como Maestro de Ceremonias, la distinguida presencia de Germán Palomares Oviedo.

    Un encuentro directo entre grandes referentes internacionales y las nuevas generaciones de músicos. Una celebración de la música, el conocimiento y la pasión por los instrumentos de viento metal que, edición tras edición, continúa creciendo desde Mazatlán hacia México y el mundo.

    La Tercera Edición reunirá en Mazatlán a una extraordinaria generación de intérpretes de distintas escuelas, estilos y tradiciones musicales:

    • Allen Vizzutti – Estados Unidos – Trompeta
    • Adam Rapa – Estados Unidos – Trompeta
    • Andrea Giuffredi* – Italia – Trompeta
    • *Peter Steiner – Italia – Trombón
    • *Øystein Baadsvik – Noruega – Tuba
    • *Summer Camargo – Estados Unidos – Trompeta
    • *Mark Bennett– Reino Unido – Trompeta
    • Dariusz Mikulski – Polonia – Corno francés
    • Mauro Martins – Portugal – Bombardino
    • Víctor Álvarez Alegría* – España – Trombón

    Entre los participantes mexicanos destacan el Ensamble de Metales de México, José Cruz Lizárraga, Roberto Sánchez, Armando Cedillo, Somos Música Big Band, Ramón Flores, Alejandro Carballo y la Orquesta Solistas de América, entre otros.

    El programa contempla 12 conciertos y más de 25 master classes, encuentros académicos y actividades especiales. Uno de los principales objetivos del Festival es acercar a las nuevas generaciones a músicos de trayectoria internacional, con sesiones de formación y trabajo directo donde estudiantes y músicos podrán aprender de primera mano sus experiencias, conocimientos y herramientas de interpretación.

    La presentación en Ciudad de México también fue una muestra del espíritu formativo que distingue al Festival con recitales por parte del Ensamble de Metales de México, Vicky Escobar y Martín Castañeda, dos jóvenes de menos de 20 años de edad, cuyo talento e impresionante dominio dejaron patente la importancia de abrir espacios para las nuevas generaciones.

    El cierre musical estuvo a cargo de Armando Cedillo, Armando Cedillo Jr. y Sebastián Cedillo, quienes compartieron el escenario para demostrar su extraordinaria habilidad y pasión por la música que refleja, además, una auténtica dinastía familiar dentro del ámbito de los instrumentos de viento metal, donde el conocimiento y la excelencia interpretativa se transmiten de una generación a otra.

    Nacido en Mazatlán en 2024, el Festival de Metales del Pacífico ha mantenido un crecimiento constante. En sus dos primeras ediciones ha reunido a más de 350 estudiantes y más de 50 artistas nacionales e internacionales; tan sólo en 2025 convocó a más de 500 participantes y desarrolló alrededor de 35 actividades.

    Entre los reconocidos artistas que han formado parte de las primeras ediciones se encuentran James Morrison, Mary E. Bowden, Sergei Nakariakov, Marc Geujon, Matilda Lloyd, Bernardo Medel, Louis Dowdeswell, Zoltán Kiss, Sergio Carolino, Gileno Santana, Javier Rossetto, Dariusz Mikulski, Alejandro Carballo y Ramón Flores, entre otros.

    Para esta Tercera Edición, el Teatro Ángela Peralta volverá a ser uno de los principales escenarios, fortaleciendo el vínculo entre la tradición musical y cultural de Mazatlán y una propuesta artística de alcance internacional.

    Del 5 al 14 de noviembre, Mazatlán se convertirá nuevamente en punto de encuentro para músicos, estudiantes, docentes, profesionales y público, con una propuesta que busca trascender los escenarios y generar un verdadero intercambio artístico y académico.

    El Festival apuesta por que las nuevas generaciones tengan contacto directo con grandes intérpretes, convirtiendo cada concierto y cada master class en una oportunidad de aprendizaje, inspiración y profesionalización.

    El registro para participar en las más de 25 master classes y 12 conciertos está disponible a través de Seatix:
    https://seatix.com/events/festival-de-metales-del-pacifico-abono-teatro-angela-peralta-mazatlan-2026-11-05-200000

    Tercera Edición del Festival de Metales del Pacífico.
    Del 5 al 14 de noviembre de 2026.
    Mazatlán, Sinaloa.
    Diez días para escuchar, aprender, compartir y encontrarse alrededor de los instrumentos de viento metal.

    Info: [email protected] / https://pacificbrassfestival.com/
    Instagram: https://www.instagram.com/pacificbrassfestival/

    #FestivaldeMetalesdelPacífico #Mazatlán #Conciertos #MasterClasses

  • Frank Herbert: el escritor que convirtió la ecología y el poder en el corazón de Dune

    Frank Herbert: el escritor que convirtió la ecología y el poder en el corazón de Dune

    Frank Herbert nació el 8 de octubre de 1920, pero su visión sigue vigente gracias a Dune, una obra que cuestiona el abuso del poder, la manipulación política, el culto a los mesías y la fragilidad de los ecosistemas. Sus advertencias resuenan hoy en un mundo marcado por las crisis ambientales y la polarización política.

    Frank Herbert nació el 8 de octubre de 1920 en Tacoma, Washington, y se convirtió en una de las figuras fundamentales de la ciencia ficción del siglo XX. Su obra más reconocida, Dune, publicada en 1965, construyó un universo donde las luchas por los recursos, las disputas entre élites y las creencias religiosas se entrelazan para explorar los peligros de concentrar el poder en unas cuantas manos.

    Uno de los aspectos más adelantados de la novela es su mirada sobre la ecología y la explotación de los recursos naturales. En Arrakis, un planeta desértico donde el agua escasea y la especia es un recurso estratégico, Herbert retrata cómo el equilibrio ambiental condiciona la vida, la economía y los conflictos políticos. La historia adquiere especial relevancia frente al cambio climático, la escasez de agua y las disputas por recursos indispensables para las sociedades actuales.

    Pero Dune también plantea una advertencia política: los líderes presentados como salvadores pueden convertirse en instrumentos de manipulación y violencia. A través de Paul Atreides, Herbert cuestiona la necesidad colectiva de depositar esperanzas absolutas en una sola figura y muestra cómo los mitos mesiánicos pueden movilizar a las masas, legitimar guerras y justificar atrocidades. Su historia no es una celebración sencilla del héroe destinado a salvar al mundo, sino una reflexión sobre las consecuencias de creer ciegamente en él.

    A estas preocupaciones se suma la crítica al colonialismo, la propaganda y el abuso del poder por parte de instituciones políticas y religiosas. Herbert entendió que el control de los recursos, la construcción de enemigos y la manipulación de las creencias pueden servir para someter a poblaciones enteras. Por eso, la vigencia de Dune no reside únicamente en sus profecías ficticias o sus batallas espaciales, sino en las preguntas incómodas que deja abiertas: ¿quién controla lo que necesitamos para vivir?, ¿A quién entregamos nuestra confianza y qué estamos dispuestos a justificar en nombre de un supuesto salvador?

  • Oferta cultural de México creció 32% en dos años: Claudia Curiel

    Oferta cultural de México creció 32% en dos años: Claudia Curiel

    La titular de la Secretaría de Cultura, Claudia Curiel, informó que, a dos años del inicio de la administración de Claudia Sheinbaum, la oferta cultural en México incrementó 32 %. 

    Este crecimiento refleja el esfuerzo coordinado por fortificar la infraestructura, dinamizar la agenda artística y ampliar el alcance de las políticas públicas destinadas a la promoción y difusión de la cultura.

    De acuerdo con los datos presentados por la titular de la Secretaría de Cultura, Claudia Curiel, el aumento se sustenta en la organización y realización de más de 520 mil actividades culturales distribuidas a lo largo y ancho del territorio nacional.

    Dichas actividades han abarcado diversas disciplinas artísticas, incluyendo artes escénicas, talleres comunitarios, exposiciones plásticas, festivales de música y programas de fomento a la lectura, garantizando una cobertura diversa y participativa.

    La Secretaría de Cultura busca demostrar el avance constante de las estrategias orientadas a descentralizar la vida cultural del país. Asimismo, reafirmó el compromiso de garantizar el ejercicio de los derechos culturales, acercando el acceso a bienes, servicios y espacios de formación cultural en todas las regiones de México.

  • TRIAGE | Creación de Bruno Guglielmone: Monoambiente, el extraordinario cotidiano

    TRIAGE | Creación de Bruno Guglielmone: Monoambiente, el extraordinario cotidiano

    Por Alexandro Guerrero

    Este espectáculo es un viaje íntimo que va entretejiendo, un viaje unipersonal que terminará siendo colectivo. Con elementos con presteza y poética empleados, tanto de circo, como de comedia, teatro físico, clown y malabarismo. Una creación de la compañía : Qué Risa tu Risa. Monoambiente narra la historia de un artista nómada que convierte las tareas cotidianas y los objetos comunes en un juego poético sobre los viajes y la vida itinerante.

    Un monoambiente como se le conoce en Argentina o bien en Uruguay por influencia rioplatense, es la vivienda nómada por excelencia: la del estudiante que llega a la ciudad, la del artista de gira, la del migrante. No tienes cuartos de más porque no te puedes dar el lujo de tenerlos. Se abre entonces la compuerta poética y de la destreza. En el circo contemporáneo el malabar ya no es demostración de destreza, es un sistema de signos. Como plantea Bouissac, el circo opera con un doble código: el técnico y el espectacular, y el objeto deja de ser utensilio para volverse signo en escena. En ese marco, la pelota, el balde o el plato no significan por lo que son, sino por lo que hacen en el aire.

    Ziethen lo define con precisión: el malabar es la dramatización del aplazamiento del fracaso. Cada objeto lanzado es una crisis pospuesta y lo que el público celebra no es el éxito final, sino la continuidad. El malabar es, por eso, tiempo suspendido, gravedad negociada y trabajo visible.

    En el circo contemporáneo latinoamericano, el tiempo suspendido en un espacio se vuelve código. Como señala Infantino ( no el de la FIFA) , la tradición nómada no se retoma como estética sino como condición material: la casa se vuelve escenario y los objetos domésticos se vuelven aparato. El malabar, entonces, es hacer que lo cotidiano no se caiga. El escenario no necesita cruzar una frontera para hablar de migración, porque ya es migración.

    Un mueble blanco que es ropero, cocina y casa a la vez condensa lo que Paul Bouissac llama:” el paso del objeto útil al signo escénico”, y lo que Seibel documentará como la condición histórica del artista circense: ser migrante por oficio, donde la casa no es un lugar sino el trayecto. Por eso el monoambiente funciona sin divisiones: como dice Abdelmalek Sayad de la doble ausencia, no se está del todo allá ni del todo acá, y todo tiene que pasar en el mismo metro, a la vista.

    Este montaje es perfecto para ejemplificar toda la teoría que ha llegado a exponer y plantear investigación por lo bien logrado del discurso “monoambiental” del Maestro Guglielmone . Tras una función con lleno total en el hermoso teatro Sergio Magaña en la Ciudad de México, como parte del programa “Ciudad escena”, esperamos encontrar a un corto plazo más fechas o una larga temporada a la que siga otra y otra más para compartir el espacio , la mesa , la luz de una vela y el traslado épico gracias al arte del Clown, a la habitación interior de la belleza.

    En entrevista, el creador de MONOAMBIENTE reflexiona:

    ¿Cómo construyes dramatúrgicamente la animación del objeto para que deje de ser utilería y se vuelva partenaire escénico?

    La construcción dramatúrgica viene de la curiosidad del viajero, de esa perspectiva peculiar de mirar con otros ojos lo que me rodea. Trasladé esa mirada a lo pequeño de un monoambiente, donde el espacio reducido me obligó a enfocarme en los detalles y en lo simple. Así, el objeto dejó de ser utilería para volverse partenaire; dejó de ser un adorno inanimado en el momento en que el cuerpo entró en diálogo con sus características físicas, retóricas, simbólicas e imaginarias, animando los objetos para generar coreografías de acciones cotidianas.

    ¿Qué herramientas específicas del circo contemporáneo operan como dispositivos de investigación en el Monoambiente?

    La relación con los objetos nace de la técnica tradicional del malabarismo, pero trasladada a los objetos cotidianos. Mi proceso fue traducir los principios técnicos de los objetos tradicionales —clavas, pelotas, aros— a la naturaleza y usabilidad de los objetos comunes de cualquier hogar.

    ¿Cómo trabajas la relación cuerpo-espacio-objeto?

    En la gran pista te mantienes en constante atención hacia los espectadores; el virtuosismo tiene que ser constante. En cambio, el espacio de un monoambiente tiene límites muy precisos y lo íntimo te da la oportunidad de profundizar y de observar con atención. Cuando se detiene la aventura literal, no se detiene la curiosidad.

    Ángel Villarreal fotos interior: @fotoyvagancia y Alexandro Guerrero.

  • TRIAGE: En el Teatro Varsovia, María Katzarava y Alejandra Ávalos unen sus voces en un encuentro íntimo entre la ópera y la canción popular

    TRIAGE: En el Teatro Varsovia, María Katzarava y Alejandra Ávalos unen sus voces en un encuentro íntimo entre la ópera y la canción popular

    En”La Noche de las Divas”, la Ciudad de México será escenario de un encuentro excepcional entre dos universos musicales que comparten una misma búsqueda: la belleza de generar con su virtuosismo y emocionar a través de la voz a sus espectadores, con un espléndido acontecimiento estético y sonoro.

    Por Alexandro Guerrero

    La soprano internacional María Katzarava, la única soprano mexicana que ha cantado en los cinco continentes, y la reconocida intérprete Alejandra Ávalos unirán sus voces en “La Noche de las Divas”.

    Todos los testimonios y declaraciones de Alejandra Ávalos citados en esta colaboración fueron compartidos en entrevista exclusiva para Los Reporteros MX. Ella nos comparte: ” Lo particular de esta producción cobra una gran importancia en este momento de mi carrera , ya que es una propuesta que comienza a presentarse en diversos escenarios del país y seguramente trascenderá fronteras”.

    Alejandra Ávalos fue la voz que engalanó el programa previo al primer Grito de Independencia del segundo piso de la transformación en 2025 encabezado por la primera Presidenta de México, la Dra. Claudia Sheinbaum Pardo, ante un Zócalo capitalino repleto, en una noche histórica para el país. Su participación se convirtió en uno de los momentos más emotivos de la ceremonia, al interpretar el repertorio popular mexicano ante más de 280 mil asistentes.

    Con más de 40 años de trayectoria, es una de las intérpretes más versátiles de México. Cantante, actriz, compositora y productora, ha participado en más de 15 telenovelas como El padre Gallo, Tal como somos, Tenías que ser tú, La antorcha encendida, Soñadoras, Siempre te amaré, Apuesta por un amor y Que te perdone Dios. En el cine protagonizó junto a José José la película “Perdóname todo” (1995, dir. Raúl Araiza), el último trabajo cinematográfico del Príncipe de la Canción y una de las más taquilleras de la última década del siglo XX en México. Interpreta a Teresa Montes e incluye el dueto “Te quiero así”: Su formación lírica inició a los 16 años con el Mtro. Józef Olechowski.

    “La noche de las divas” representa un interesante despliegue vocal comenta Alejandra, pues ella adoptó el registro de mezzosoprano siendo soprano como decisión estilística en su trayectoria; lo que para este espectáculo permite además una serie de combinaciones muy ricas y complejas con María, así como articular duetos con destacados intérpretes del ensamble.

    Por su parte, María Katzarava ha sido reconocida como una de las voces verdianas más importantes del siglo XXI. Inició su formación a los 4 años como violinista. Egresada de la Escuela Superior de Música del INBAL, del SIVAM y de Los Angeles Opera, ganó el primer lugar en ópera y zarzuela en Operalia 2008, el concurso fundado por Plácido Domingo.

    Ávalos nos comparte respecto a su compañero en escena, que fue Plácido Domingo, quien promovió la carrera de María, fue quien apoyó el lanzamiento de su carrera como cantante de ópera a nivel mundial. Ahí Katzarava comenzó a ser reconocida y galardonada, recibió el “Oscar de la lirica” en la Arena de Verona, Miami Life Awards y Premio Crónica, ha cantado en los teatros más importantes del mundo: Royal Opera House Covent Garden de Londres, La Scala di Milano, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Los Angeles Ópera y Bellas Artes, junto a figuras como Andrea Bocelli y Plácido Domingo. Es fundadora del Concurso Internacional de Canto María Katzarava y del Studio Katzarava, cuyo ensamble vocal inauguró el propio Teatro Varsovia y fue directora artística de la Ópera de Bellas Artes.

    A este espectáculo se sumó un maestro muy especial: el Mtro. Józef Olechowski, quien fue su primer maestro de ópera cuando ella tenía apenas 16 años.

    Nació en Polonia e inició sus estudios musicales a los cinco años bajo la dirección de su padre, y más tarde cursó estudios superiores en la Academia de Música Karol Szymanowski de Katowice. Recibió por dos años consecutivos la beca por concurso de la Sociedad Federico Chopin de Varsovia.

    Reside en México desde hace más de 36 años, donde ganó el IV Concurso Nacional de Piano en Puebla y concluyó con mención honorífica la Maestría en Composición en la Universidad Veracruzana. En 1988 fue nombrado “Mejor pianista extranjero residente en México” por el periódico Claridades.

    Es fundador y director de la Sociedad Cultural Federico Chopin de México, integrante del grupo de Concertistas de Bellas Artes del INBAL y ha grabado más de 40 discos dedicados exclusivamente a compositores mexicanos. Destacan su grabación de la obra de cámara de Manuel M. Ponce en dos volúmenes con la que obtuvo el premio de la Unión de Cronistas de Teatro y Música, así como los cuatro volúmenes de la obra completa para piano de Ernesto Elorduy. Se ha presentado como solista con las orquestas más importantes del país: Sinfónica Nacional, Filarmónica de la Ciudad de México, Carlos Chávez, de Jalapa y Aguascalientes.

    Como reveló Alejandra Ávalos en entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, la historia comenzó en la radio, en el programa que hoy se llama Orbe, cuya idea era dar voz a deportistas y a distintos grupos sociales. Ahí se dio el primer encuentro personal entre ambas y nació un vínculo muy cercano y familiar.

    Años después vino el reencuentro en Madrid. En plena temporada alta, Alejandra hizo un cambio de vuelo para alcanzar a María y a Cristian Castro. El momento clave ocurrió después de un recital de María en la Casa de México en España. Al terminar se organizó una tertulia y un cóctel que se convirtió en un karaoke improvisado con piano. Ahí cantaron los tres juntos y en dueto. Fue en esa noche cuando María le propuso generar un espectáculo donde se unieran la ópera, el bolero y el pop.

    Alejandra Ávalos considera que el concepto es lo más puro en términos de interpretación y sonoridad que puede haber: un concierto acústico vocal, haciendo armonía con sus voces. Algunas piezas serán a dueto, otras con el ensamble vocal del Studio Katzarava y otras destacando los registros más dramáticos de María.

    Como Alejandra nos compartió, la idea es presentar canciones tan antiguas y tan populares que todo el mundo conoce, sin necesidad de una orquesta grande, solo con piano y voces.

    Primera parte – Bolero y Romance Eterno: Contigo en la distancia, Verdad amarga, Reloj, Sabor a mí, Encadenados, Piel Canela, Flor de azalea, La nave del olvido.

    Segunda parte y homenaje a los grandes: a José José con Amar y querer, Te quiero así y El Triste; y a Juan Gabriel con Amor eterno, De mi enamórate y Abrázame muy fuerte.

    Tercera parte- Pasión Contemporánea: los éxitos de Alejandra Ávalos: Lluvia de invierno, Ámame y No renunciaré, en versiones inéditas con arreglos para piano y armonía vocal a dos voces, más duetos operísticos sorpresa del repertorio de María. Funciones: sábado 26 de septiembre – 19:00 h / domingo 27 de septiembre – 18:00 h.

    Teatro Varsovia: Varsovia 9, Col. Juárez, Ciudad de México.
    Acompañamiento al piano del Mtro. Józef Olechowski y participación especial del Ensamble vocal del Studio Katzarava.
    Boletos en taquilla y Ticketmaster. Cupo limitado a 300 localidades por función.

  • TRIAGE: The Beatles Symphonic Tribute llega a la emblemática Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli

    TRIAGE: The Beatles Symphonic Tribute llega a la emblemática Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli

    Por Alexandro Guerrero

    Seven Waves Productions y Grupo Morsa presentan el estreno mundial de una superproducción sinfónica sobre el legado del cuarteto de Liverpool; Con más de 40 años de trayectoria, presentaciones en The Cavern Club y grabaciones en Abbey Road Studios, Grupo Morsa lidera este recorrido junto a una orquesta sinfónica en vivo bajo la batuta del maestro Arturo Rebolledo.La cita será el viernes 25 de septiembre de 2026 a las 19:30 horas, en coincidencia con la fecha de conmemoración del lanzamiento de Abbey Road.

    La Sala Silvestre Revueltas, uno de los recintos sinfónicos de mayor tradición y prestigio en la Ciudad de México y sede del Centro Cultural Ollin Yoliztli, recibirá el estreno mundial de The Beatles Symphonic Tribute.

    El concierto, programado para el viernes 25 de septiembre de 2026, coincide con la fecha de conmemoración del lanzamiento de Abbey Road_ (26 de septiembre de 1969), el último álbum grabado por The Beatles y una de las obras más influyentes de la música popular.

    A casi seis décadas de aquel lanzamiento, ese patrimonio musical alcanzará una nueva escala estética gracias a esta superproducción firmada por Seven Waves Productions y Grupo Morsa, que propone una ambiciosa sinergia entre la fuerza del rock en vivo, la suntuosidad armónica de una orquesta sinfónica y una infraestructura de vanguardia dotada de iluminación arquitectónica y despliegue visual en alta definición.

    The Beatles Symphonic Tribute huye del tributo convencional para adentrarse en la reinterpretación de gran escala. La propuesta parte de un rigor absoluto: mantener intacta la esencia melódica y el carácter visceral de las composiciones originales, mientras se expanden sus fronteras sonoras mediante los recursos tímbricos de la música de cámara y orquestal.

    Bajo la dirección concertadora del maestro Arturo Rebolledo, la orquesta en vivo dialogará en tiempo real con la ejecución de Grupo Morsa, construyendo un mapa sonoro repleto de matices, texturas e intensidades dramáticas inéditas.

    Un encuentro entre la tradición sinfónica y la cultura popular en un recinto emblemático

    La elección de la Sala Silvestre Revueltas no es casual. Inscrita dentro del Centro Cultural Ollin Yoliztli, cuna de la formación musical en México y hogar de las orquestas y ensambles más representativos de la ciudad, esta sala aporta la acústica, la solemnidad y la carga simbólica ideal para un proyecto de esta envergadura. Llevar el cancionero de Lennon-McCartney al formato sinfónico en este espacio significa tender un puente entre dos mundos que a menudo se perciben como distantes: la música académica y el rock como fenómeno cultural masivo.

    El programa ha sido curado con un criterio musicológico, respetando las armonías originales y las orquestaciones que George Martin concibió en su momento, pero potenciándolas con una plantilla orquestal completa. No es un concierto de covers, es una relectura que busca revelar la complejidad compositiva que siempre estuvo en The Beatles y que los ha hecho materia de estudio en conservatorios de todo el mundo.

    Grupo Morsa: Cuatro décadas de maestría y sello de autenticidad

    El respaldo técnico y artístico recae en Grupo Morsa, agrupación mexicana fundada en 1984 que suma más de cuatro décadas dedicada al estudio, preservación y ejecución meticulosa de la obra de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. La banda ha actuado en el legendario The Cavern Club de Liverpool y ha plasmado su trabajo en los míticos Abbey Road Studios en Londres.

  • TRIAGE: Sol Pereyra regresa a la Ciudad de México con un concierto íntimo en Teatro Bar El Vicio

    TRIAGE: Sol Pereyra regresa a la Ciudad de México con un concierto íntimo en Teatro Bar El Vicio

    Por Alexandro Guerrero.

    Sol nos invita a un recorrido por sus diferentes discos y algunas perlitas del cancionero popular latinoamericano.

    En entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, Sol ahondó en el sentido de este formato sin banda:

    “En realidad el beat está, de otra manera, más orgánico, lo llevará el pulso de la guitarra, y en el caso de este set, también lo suma la percusión. Lo que se genera sin banda, es que todo suena y se desenvuelve de manera más orgánica y maleable, las velocidades pueden cambiar porque la emoción de la canción así lo va dictando, como cuando el corazón se acelera más o menos por algo que nos pasa, es un set con el beat marcado por el corazón.”

    Después de 16 años de escenarios y giras por América y Europa, volver a la esencia se volvió necesario:

    “Volver a las canciones en su esencia es algo que me resulta necesario, sobre todo en estos tiempos donde todo está tan superficial, sobrecargado, sobre excitado y exitista. Empecé a sentir la necesidad de volver a la raíz, al germen del acto creativo, de cantar, de decir y de comunicar y conectar con eso.”

    Sobre su vínculo con México, donde nació su proyecto solista:

    “Mi proyecto solista nació y se forjó en México, luego salió a dar vueltas por el mundo y siguió creciendo, pero para mi es siempre muy importante volver a tocar en México porque siento que es un territorio sagrado para mi como artista, vuelvo con muchas ganas siempre, agradecida y feliz de traer nuevas canciones, formatos, shows. Siempre me emociona tocar en México.”

    En tiempos de algoritmos y dispersión, detenerse a escuchar una canción contada con anécdota y pausa, de cerquita, es para ella un acto político:

    “Le veo un valor inmenso a detenerse a escuchar y compartir la música y el arte de otra manera que no sea la dictada por algoritmos e industrias de entretenimiento. Nos quieren máquinas, con inteligencias artificiales y estupidez humana y yo creo que el arte siempre nos rescata de eso y nos conecta con la parte verdadera y sensible de nuestra humanidad.”

    ¿Habrá creaciones nuevas?

    “Si, encontrarán canciones de mi repertorio de todos los discos que ya conocen y algunas más viejitas que compuse en mi proyecto anterior a hacerme solista y también algunas nuevas que aún no salieron en ninguna plataforma y que no voy a apurar porque quiero que sean un tesorito que sólo se encuentre en el vivo.”

    Tras su gira por Italia, Francia y España, donde germinó el concepto de su futuro disco, reflexiona sobre el contexto global:

    “Tuve una gira hermosa en Europa, compartí música y escenarios en distintos puntos de Italia, Francia y España, compuse con artistas que hablan lenguas distintas a la mía. Y al lado de todo esto, el mundo parece ir hacia lugares que no entiendo y que me duelen mucho. Desde mi lugar estoy empecinada en ir sembrando canciones y buenos gestos con cuanto ser me cruce en este camino.”

    Instagram: @solpereyraoficial
    CONCIERTO ÍNTIMO Y ACÚSTICO
    Jueves 17 de septiembre · 9:00 pm
    Teatro Bar El Vicio Calle Madrid 13, Colonia Del Carmen, Coyoacán, CDMX http://boletopolis.com y en taquilla de El Vicio

  • TRIAGE: Invocación operística a la sabia de los hongos

    TRIAGE: Invocación operística a la sabia de los hongos

    La palabra de María Sabina vuelve como ritual en el CENART

    Por Alexandro Guerrero

    El CENART estrena una obra de Marcela Rodríguez y Jesusa Rodríguez que recupera la oralidad mazateca y transforma la ópera en ceremonia colectiva.

    Más que una ópera, lo que presenta la compañía Ópera Portátil es un oratorio escénico y un ritual músico-teatral dedicado a María Sabina Magdalena García, la sabia mazateca de Huautla de Jiménez.

    Su estreno mundial corre del 10 al 13 de septiembre en el Foro Experimental Black Box del Centro Nacional de las Artes, dentro del ciclo “Del color de la sandía”, y parte de una decisión estética central: restituir la voz.

    La compositora Marcela Rodríguez trabajó durante años con fuentes primarias. El eje es el testimonio recogido en lengua mazateca por Álvaro Estrada en Vida de María Sabina, la sabia de los hongos, donde Estrada, paisano de Sabina, la deja hablar en primera persona. A ello se suman los cantos transcritos por el micólogo Gordon Wasson y los registros sonoros y cinematográficos de Nicolás Echeverría.

    De ahí que el libreto no sea una biografía inventada, sino un tejido de letanías de la propia curandera: Soy la mujer aerolito, soy la mujer agua, soy la mujer estrella, soy la mujer cielo.

    En escena, la figura de Sabina se encarna en coro. Como solistas participan Catalina Pereda y Lydia Rendón, y como tejedoras del micelio, *Graciela Morales, Narda Belinda Moreno e Ingrid Fuentes. Las cinco voces emergen del micelio para sostener el canto como tecnología de sanación.

    Las acompañan en una dotación íntima Mariana Chávez en la flauta, Nabani Aguilar en el violín, Virna Lanza en el violonchelo y Andrea Yañez Centeno en la percusión, bajo la dirección musical de Gonzalo Gutiérrez y con puesta en escena de Jesusa Rodríguez. La producción general es de Catalina Pereda.

    La puesta propone el teatro como espacio liminal, lo que Sabina nombraba como el lugar sin orificios para el humo, umbral del viaje. Desde una lectura antropológica, la obra desplaza la noción de los llamados niños santos: no como sustancia psicodélica, sino como medicina sagrada, como recurso para transformar el hambre y la orfandad en visión.

    En tiempos de Fiestas Patrias, esta invocación recuerda que hay memorias ancestrales que no piden ser representadas, sino escuchadas.

    Invocación operística a la sabia de los hongos
    Compañía Ópera Portátil
    Música: Marcela Rodríguez
    Puesta en escena: Jesusa Rodríguez
    Dirección musical: Gonzalo Gutiérrez
    Solistas: Catalina Pereda, Lydia Rendón
    Tejedoras: Graciela Morales, Narda Belinda Moreno, Ingrid Fuentes
    Las imágenes son de: Abraham Goldsmit Karakowsky / Secretaría de Cultura. Foro Experimental Black Box, Cenart
    Del 10 al 13 de septiembre

    Jueves, viernes, sábado y domingo

  • La magia de Studio Ghibli regresa a salas de la Cineteca Nacional

    La magia de Studio Ghibli regresa a salas de la Cineteca Nacional

    Hayao Miyazaki vuelve a la pantalla grande de la Ciudad de México con Ponyo y el secreto de la sirenita, a partir del 4 de septiembre. 

    Ponyo y el secreto de la sirenita, la película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki, se incorporará a la cartelera de la Cineteca Nacional este viernes 4 de septiembre, con funciones en sus tres sedes de la Ciudad de México: Cineteca Nacional México (ubicada en Xoco), Cineteca Nacional de las Artes (en el Centro Nacional de las Artes) y Cineteca Nacional Chapultepec.

    Estrenada en 2008, la cinta narra la historia de Ponyo, una pequeña criatura marina que desea convertirse en humana después de conocer a Sosuke, un niño de cinco años. Ponyo comienza como un pez dorado atrapado en una botella que Sosuke rescata y nombra, sin saber que en realidad es hija de un hechicero y una diosa del mar. El vínculo entre ambos desata una serie de eventos que alteran el equilibrio de la naturaleza y enfrentan a la protagonista con las reglas de su mundo de origen.

    La cinta es una versión libre de La sirenita, el cuento de Hans Christian Andersen, trasladada a un universo marino propio del estilo de Hayao Miyazaki. Forma parte de la filmografía de Studio Ghibli, el estudio responsable de títulos como Mi vecino Totoro y El viaje de Chihiro.

    Las entradas se pueden comprar desde la página oficial de la Cineteca Nacional, además de las taquillas. Se recomienda revisar previamente el sitio oficial para confirmar horarios y disponibilidad, ya que cada recinto maneja su propia programación.

  • De Oaxaca a París: exposición de Rufino Tamayo, Rodolfo Nieto y Francisco Toledo

    De Oaxaca a París: exposición de Rufino Tamayo, Rodolfo Nieto y Francisco Toledo

    El Museo Tamayo en la Ciudad de México, inauguró la exposición Tamayo, Nieto, Toledo: Los años en París, reuniendo más de 100 obras de los tres artistas mexicanos. 

    La exposición incluye obras de colecciones privadas que se exhiben por primera vez en el país, entre ellas “La mujer temblorosa” (1949) de Rufino Tamayo, la serie “Zoología fantástica” de Rodolfo Nieto, las piezas “Animal y cazador” y “La amazona y compañero de viaje” de Francisco Toledo.

    La exhibición abre con “Músicas dormidas” (1950) de Rufino Tamayo, cuadro que fue clave porque con él Tamayo llevó a México al mapa del arte universal al presentarlo en la Bienal de Venecia en el año 1950. También se muestra “Venus dorada” (1955), inspirada en las figurillas de barro de Tlatilco.

    De Rodolfo Nieto se exhiben “Noche transfigurada” (1966) y la serie “Zoología mental”, con dibujos y pinturas inspirados en animales del zoológico de Basilea, como “Lágrimas del bestiario” y “Anatomía de un grillo”.

    De Francisco Toledo, quien llegó a París a los 20 años con cartas de recomendación para Rufino Tamayo y Octavio Paz, se presentan “Dos personajes” (1963), “Carreta azul” (1959) y “El pato” (1967).

    Alejandra de la Paz Nájera, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, señaló que se trata de la primera exposición centrada en la experiencia parisina de los tres artistas y en las afinidades estéticas que después resultarían fundamentales para la renovación del arte mexicano.

    Andrea Torreblanca, directora del Museo Tamayo, añadió que revisitar la trayectoria de estos creadores permite repensar las rupturas y continuidades del arte mexicano actual.

    La curaduría tomó más de tres años y contó con la colaboración de 45 coleccionistas privados. La muestra aborda el papel de Rufino Tamayo como referente para generaciones posteriores de artistas latinoamericanos.