Los Reporteros Mx

Categoría: Cultura

  • TRIAGE: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”

    TRIAGE: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”

    Por Alexandro Guerrero

    La exposición: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”, se extiende hasta el 19 de abril.

    Mónica Dower estudió pintura con la maestra Teresa Cito y la carrera de Artes Visuales con los maestros Gilberto Aceves Navarro y Francisco Castro Leñero (FAD, UNAM).
    Realizó una residencia en París de tres años (1989-1992) trabajando dibujo y arte oriental, en el atelier del Maestro Luis Ansa.

    Ha realizado 15 exposiciones individuales y ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en México y en otros países como Alemania, Argentina, Canadá, China, Croacia, Cuba, España, EUA, Francia, Italia, Portugal y Suiza.

    Su exposición individual más reciente, Mujeres entretejidas, Guerreras en el Tiempo, Politécnico Nacional, Centro Cultural Jaime Torres Bodet, textos de Dina Comisarenco y de Miriam Kaiser, marzo 2025. Su exposición individual internacional más
    reciente, Guerreras en el Tiempo, en el Instituto de Cultura de México en España, curada por Mónica Sotos, abril 2022.

    Su exposición colectiva más reciente: 8M, maestras y
    alumnas de La Esmeralda    , Paseo de las jacarandas, en el Cenart, 2026. Artista Invitada en 2022 y 2021 en La Iberoamericana de Toro, Mujer y Artes Visuales, Siglo XXI, Primera y Segunda Edición, en Castilla y León, España, curada por Víctor Del Campo. Finalista en la II Bienal de arte contemporáneo Barco, León Guanajuato, curador, Tobías Ostrander, 2023. Finalista en la Bienal Lumen 2021, Parámetro IV realizada en el Museo de La Ciudad de México. Cuerpo, dolor y sombras, comissaire Mónica Sotos, Instituto Cultural
    de México en España    , Madrid, 2021.

    Es docente de La ENPEG desde 2014, y ahora se encuentra cursando la Maestría MPIAV, Maestría en Producción e Investigación en Artes Visuales de la Esmeralda.

    En entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, la Maestra Dower comparte detalles de su exposición “Bajo el signo de Nut”.

    A.G ¿De dónde surgió esta exposición?

    M.D. Surgió por invitación de Cony Cuevas, coordinadora de Alas y Raíces en CDMX, para una conferencia en el marco de Tiempo de Mujeres, en marzo. La propuesta era hablar de mi serie Guerreras en el Tiempo: una reflexión que reactiva a mujeres del pasado y las pinta como guerreras. Son figuras valientes cuya imagen pervive en mi obra. Busco rescatar lo que significaron y significan: mujeres que defendieron sus vidas, sus familias, su cultura y encarnan una matriarca. Mi aproximación es sincrética: trabajo su imagen con bordados mexicanos que pinto, y así, mediante la trama y el color, unifico su cultura y la nuestra. Es también un homenaje a mis raíces y a mi genealogía migrante que se mexicanizó. Finalmente Cony consiguió el espacio en el Centro Cultural El Rule, donde pude mostrar las piezas. Como he trabajado también las series de Nut, Coatlicue y Círculo de Afectos, con el curador Luis Rius Caso armamos una curaduría representativa que reúne todas.

    A.G. ¿Qué urgencia expresiva te llevó al tema?

    M.D. La primera fue hacer un retrato de mi abuela materna, Jacqueline Schmitt, quien formó parte de la Resistencia francesa y trasladaba información en bicicleta entre pueblos. Murió en el parto de gemelos por falta de sangre, y mi madre quedó huérfana a los 4 años. Le pedí a mi madre, Dominique, una foto de mi abuela y que eligiera un textil para dibujarlo y así cobijarla. Eligió un textil mexicano; así mi abuela, virtualmente, recibe el calor y la generosidad de este país.

    La muestra recibió la visita del crítico de arte y creador senegalés Ery Cámara, autor de The language that we share; Mirando al Xoloitzcuintle; África Hoy; Arte Animista; y Senegal nuestro país. Tradiciones culturales de las etnias. África. La figura de Nut es emblemática: protectora de la bóveda celeste. Me apropié de su imagen encorvada como símbolo protector; en Nut en sororidad se le ve protegiendo a una mujer, quien a su vez protege a otra, y así al infinito…

    El dibujo Mujer abrazando a la Coatlicue expresa también esa necesidad de protegernos y vincularnos con una fuerza mayor, de manifestar el fervor en el abrazo.

    Estos lazos quedan registrados en la secuencia de imágenes:

    • Jacqueline Schmitt, abuela de la autora, dibujo, 70 x50 cm, 2021
    • Nut en Sororidad, 70 x100 cm, acuarela sobre papel, 2025
    • Abrazo, carbón sobre papel amate 120 x200 cm
    • Círculo de Afectos, secuencia de acuarelas de 30 x40 cm, 2026
    • Dominique, abuela de la autora, frente al retrato de su madre: Jaqueline

    En las acuarelas de Círculo de Afectos, los danzantes celebran y festejan cargando flores que funcionan como vasos comunicantes que los obligan a habitar el presente. Ahí mi necesidad es respirar, sentir la alegría como acción micropolítica, pues el sistema ha instrumentalizado nuestros cuerpos y descansar, hacer algo ocioso o festejar contradice la exigencia de ser siempre productivos.

    Sin duda, momento de aprovechar esta temporada de vacaciones, para acercarse a esta expresión profunda y pertinente en un contexto en que se vuelve vital pensar en las deidades de protección y la belleza como fin último de nuestra especie.

    Abierta al público todos los días de las 10 am a las 19 hrs.

    En portada Mónica Dower y Ery Cámara. ww.monicadower.com

  • TRIAGE: Especial Día Mundial del Teatro

    TRIAGE: Especial Día Mundial del Teatro

    Por Alexandro Guerrero

    “Todo marzo en el Helénico Festejamos el Teatro”: Luis Arturo García, recién nombrado Director de este axial Centro Cultural del país, platica con Los Reporteros MX.

    Luis Arturo García, politólogo y creador escénico, nos brinda un espacio en medio de su labor al frente de esta institución para compartir estrategias y reflexiones: Egresado de la UNAM en Ciencias Políticas y del Centro Universitario de Teatro, considera que es tiempo de relevo generacional en diversas áreas de la administración y el proyecto cultural de nuestro país.

    “Queremos hacer del Centro Cultural Helénico un espacio más inclusivo y diverso, que refleje la riqueza cultural de México“. “Nuestro objetivo es crear un lugar donde la gente se sienta cómoda y pueda disfrutar de la cultura, el arte y el teatro en su mejor forma expresiva con los medios que requiera“.

    “El teatro es un espacio para la discusión, la escucha y el diálogo, especialmente en tiempos de violencia y polarización” y señala: “Queremos crear un espacio donde la gente pueda reunirse, compartir ideas y reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos“.

    Luis Arturo también resalta la importancia de la formación de públicos y la educación artística. “Queremos trabajar con las escuelas y las comunidades para crear programas de educación artística que sean accesibles y relevantes para todos“. “Queremos que la gente se sienta cómoda con el arte y el teatro, y que lo vea como una parte integral de su vida“.

    Actividades en el Día Mundial del Teatro de entrada libre organizadas por el CC Helénico

    27 de marzo

    En el Centro Cultural Helénico

    • 18 h — Aprender a nadar (Foro Alternativo)
    • 20 h — Los Hardings (Foro La Gruta)
    • 20 h — El manipulador de mentes (Teatro Helénico)

    En bibliotecas

    • 13 h — Vendedora de voces (Biblioteca Vasconcelos)
    • 17 h — Por temor a que cantemos libres (Biblioteca de México)

    En cuanto a los planes a corto plazo, Luis Arturo menciona que se están trabajando en varias iniciativas, incluyendo la creación de un nuevo programa de residencias artísticas y la organización de un festival de teatro internacional.

    “Queremos hacer del Helénico un lugar de encuentro para artistas y públicos de todo el mundo, ahora con el mundial, nuestra forma de llegar a los espectadores es más lúdica, vengan al Helénico a seguir jugando después de los partidos “, es un lugar de encuentro.

    El nuevo director destaca la importancia de la interdisciplina y la colaboración con otros estados para llevar el teatro y las artes a más comunidades. “Es nuestra obligación distribuir de manera equitativa los recursos y apoyar a los proyectos que buscan innovar y experimentar“, dice con convicción. “Queremos trabajar de la mano con los estados y las comunidades para crear programas y proyectos que sean relevantes y significativos para ellos“.

    Aquí resalta una reciente convocatoria en colaboración con el Estado de Sonora. Al respecto, la titular del Instituto de Cultura de dicho Estado, la Maestra Beatriz Aldaco nos comparte:

    “La relación colaborativa con el Centro Cultural Helénico se da con base en la creciente actividad teatral en el estado y por la calidad de los grupos que se han ido consolidando y proyectando en el contexto estatal, nacional e internacional, los cuales han compartido escenarios con grandes compañías en países como Italia, Francia, Estados Unidos, Colombia, Guatemala y El Salvador, por mencionar algunos. Eso hizo posible que ese prestigioso centro cultural aceptara la coordinación con el ISC y nos propusiera llevar a cabo “Saberes sobre la escena”, que consiste en la capacitación de creadoras y creadores en el ámbito teatral; además de este esfuerzo, también fue posible concretar la colaboración de “Proyectos de producción escénica”, con una bolsa de 200 mil pesos para dos grupos del estado. Cada grupo seleccionado recibirá 100 mil pesos para la producción
    de su propuesta escénica. El Instituto Sonorense de Cultura conmemora este día 27 de marzo el Día Mundial del Teatro con funciones en diferentes municipios el estado, considerando también el Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Adolescentes, que se conmemoró el 20 de marzo,
    y el Día Mundial del Títere y/o Marioneta, que tiene su celebración el 21 de este mismo mes. Todas estas fechas conmemorativas forman parte de la cartelera de nuestra
    institución”, concluye.

    https://helenico.gob.mx/convocatorias/detalle/4046/saberes-sobre-la-escena-en-sonora-2026.

    Centro Cultural Helénico https://share.google/yafb1edb8Fb7IdcCA

    Instituto Sonorense de Cultura https://share.google/UmHjQL2zdsRiBldXd

    ¡VIVA EL TEATRO!

  • TRIAGE: Radio Educación llega a dos meses de exitosas transmisiones con “Grita ¡Goya!”

    TRIAGE: Radio Educación llega a dos meses de exitosas transmisiones con “Grita ¡Goya!”

    Por Alexandro Guerrero

    Fernanda Tapia, directora de la institución, en entrevista para Los Reporteros MX.

    Radio Educación, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, transmite desde enero de 2026 Grita ¡Goooya!, una producción de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en la que se dialoga y reflexiona sobre temas sociales, culturales y políticos que interpelan a las juventudes en la actualidad.

    Con un enfoque crítico y plural, Grita ¡Goooya! pone al centro las voces estudiantiles para reflexionar sobre problemáticas contemporáneas desde la experiencia universitaria. A lo largo de trece episodios, el programa propone un espacio que vincula la experiencia estudiantil con los retos colectivos de la sociedad.

    Se abordan temas como las creencias religiosas, la espiritualidad, el futuro del planeta, las múltiples formas del amor, las experiencias de estudiantes indígenas en la UNAM, la vida universitaria durante el confinamiento, el impacto de las redes sociales, los estigmas generacionales, el racismo cotidiano, la salud mental, las diversidades sexogenéricas, el patriarcado, la meritocracia y el debate en torno a las drogas, entre otros.

    Es conducido por Demian Ernesto Pavón, Mariana Berenice Vega González y Katia Lara Vargas, integrantes del Programa Universitario de Estudios sobre Democracia, Justicia y Sociedad (PUEDJS-UNAM), quienes, junto con estudiantes de distintas facultades de la UNAM, desarrollan un espacio de escucha, análisis y reflexión colectiva en torno a la sociedad, la cultura y la política.

    Pavón, sociólogo y editor del PUEDJS, es también coordinador editorial del periódico ¡Goooya! y doctorante en Sociología por la UNAM; mientras que Vega González estudia Sociología en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales y cuenta con experiencia en medios universitarios como Radio UNAM y TV UNAM; Lara Vargas, por su parte, es tesista de la Licenciatura en Filosofía por la Facultad de Filosofía y Letras y violinista egresada del Conservatorio Nacional.

    ¡Grita Goooya! se transmite por Cultura 96.5 FM los martes a las 12:30 h y también por Cultura Sonora 104.3 FM los sábados a las 17 h, hora local.

    Radio Educación transmite en la Ciudad de México a través de Cultura 96.5 FM y Cultura 1060 AM “La Centenaria”; en Morelia por Cultura Michoacán (95.3 FM); en Hermosillo por Cultura Sonora (104.3 FM); en Mérida por Cultura Yucatán (107.9 FM); en Cultura México (6185 kHz, Onda Corta) y para todo el mundo a través de radioeducacion.edu.mx.

    Fernanda Tapia, directora de Radio Educación, en entrevista:

    A.G. ¿Cómo se da el encuentro entre Radio Educación y la Revista Goya/PUEDJS UNAM?

    F.T. Coincidí con el Dr. John Ackerman en un evento y me platicó sobre el proyecto. Me regaló un ejemplar de la revista y quedé gratamente sorprendida. Cuando me comentó que los chicos estaban grabando pódcast, se nos ocurrió la misma idea: abrirles la radio pública.

    A.G. ¿Cuál ha sido el proceso para transformar estas voces en expresión radial?

    F.T. Los jóvenes de Grita Goya manejan muy bien la tecnología; ellos mismos convirtieron la revista en pódcast. Radio Educación ha amplificado su voz para llegar a otros públicos, potenciando un diálogo intergeneracional.

    A.G. ¿Cómo les fue en el primer programa?

    F.T. El tema del rating es complejo. Más allá de eso, lo importante es que la radio pública se rige por el beneficio social y la pertinencia del contenido. En Grita Goya celebramos escuchar a jóvenes reflexionando con solidez, respeto y entusiasmo.

    A.G. ¿Qué sorpresas tendrá la audiencia?

    F.T. Mejor los invitamos a escuchar la serie todos los martes por Cultura 96.5 FM y los sábados por Cultura Sonora 104.3 FM.

    A.G. ¿Habrá más actividades a futuro?

    F.T. Esta es una colaboración que será fructífera, diversa y duradera. Con la UNAM mantenemos una relación sólida y este proyecto tiene el valor de traer directamente las voces estudiantiles.

    Demian Ernesto Pavón, co-conductor, destacó que la transición al formato radiofónico ha sido un desafío, pero también una oportunidad para visibilizar problemáticas de la juventud que suelen ser ignoradas. “Es un trabajo conmovedor y necesario, una conquista de espacios para la juventud”, afirmó.

    Redes sociales:

    Facebook: /radioeducacion | Instagram: @radioeducacionmx | TikTok: @radioeducacion | X: @RadioEducacion | YouTube: @radioeducacion1060am

    Radio Educación: La Radio de las Culturas de México.

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  • UNAM usa inteligencia artificial para preservar lenguas indígenas de México

    UNAM usa inteligencia artificial para preservar lenguas indígenas de México

    Especialistas desarrollan herramientas de IA para crear registros digitales de las lenguas originarias ante la disminución de hablantes en el país.

    Especialistas de la Universidad Nacional Autónoma de México desarrollan herramientas de inteligencia artificial para preservar y generar registros digitales de las lenguas indígenas del país, muchas de las cuales se encuentran en riesgo de desaparecer. 

    Investigadores del Departamento de Ciencias de la Computación del Instituto de Investigaciones en Matemáticas Aplicadas y en Sistemas buscan que estas tecnologías permitan mantenerlas “vivas”, incluso cuando el número de hablantes disminuye de forma acelerada.

    El proyecto es encabezado por el investigador Iván Vladimir Meza Ruiz, quien explicó que en México existen 68 lenguas nacionales, agrupadas en 11 familias lingüísticas y 364 variantes, pero varias de ellas se encuentran en desuso. Datos históricos muestran que el porcentaje de hablantes pasó de 15% de la población en 1930 a apenas 6.2% en 2020, además de que la mayoría de quienes aún las utilizan son personas mayores.

    Uno de los principales retos para aplicar inteligencia artificial en este campo es la falta de grandes bases de datos en lenguas originarias. De acuerdo a registros disponibles en internet, apenas existen unos 4 mil 272 artículos en náhuatl clásico, mil 201 en maya yucateco, mientras que otros idiomas cuentan con muy pocos textos digitalizados, cuyas obras en lenguas originarias están protegidos por derechos de autor y propiedad cultural. 

  • TRIAGE: “Rebozo”: unipersonal de Valeria Vega nos ofrece un tejido de identidad y supervivencia

    TRIAGE: “Rebozo”: unipersonal de Valeria Vega nos ofrece un tejido de identidad y supervivencia

    Por Alexandro Guerrero

    En el Teatro Varsovia, la artista multidisciplinaria Valeria Vega Solórzano presenta su espectáculo unipersonal “Rebozo”, un viaje a través de la tradición, la identidad y los dilemas humanos. Con la dirección de Luis Escárcega y música original de Celso Duarte, esta obra única explora el proceso de elaboración del rebozo, una prenda tradicional mexicana que se convierte en metáfora de la vida.

    El rebozo abriga, acuna, abraza, enluta y celebra, según sea la ocasión de muerte o de fiesta. El rebozo también baila, serpentea junto con el cuerpo que danza y atrapa. Amoroso, el rebozo amansa y apacigua; entonces el movimiento es lento, con cadencia, suavecito, como arrullando a quien lo mira.

    Mantear el cuerpo para sacar las penas que se alojan en los músculos y las articulaciones, la tensión. De un lado a otro, la sobandera mueve su rebozo y el cuerpo tendido encima de él se balancea: péndulo vivo que recupera el centro. El rebozo que nos cura.

    Sobre los hombros descansa el rebozo; levanta las orillas alegres cuando se camina ligerito. A veces se acopla a la espalda y al pecho, cubriendo del frío y de las penas, o a un niño pequeño que duerme mientras su madre trabaja.

    “Rebozo” es una fusión de música, danza y teatro que cuenta la historia de una mujer que regresa a su tierra para despedirse de su abuela y redescubre su identidad y el legado que la tradición rebocera le ha heredado. La obra es un homenaje a la mujer, a la madre, a la trabajadora y a la guerrera, y a sus ancestros, que viven en el espíritu de esta prenda.

    Valeria Vega, maestra, coreógrafa, directora y productora, busca recordarnos que al hablar del rebozo también se habla de los hilos de la vida. “Rebozo es una obra de muchas lecturas, porque mi cuerpo físico danzante está al servicio del personaje”, expresó en entrevista exclusiva para Los Reporteros MX.

    A.G. ¿Cómo puede el proyecto “Rebozo” ser visto como un acto de resistencia epistémica en un mundo globalizado, y qué papel juega la interdisciplina en esta resistencia?

    V.V. Rebozo propone en su discurso la búsqueda de la identidad a través del cuestionamiento y la conciencia de los orígenes desde la sencillez de la cotidianidad. Apuntar nuestro discurso semiótico hacia una prenda artesanal, como símbolo y bandera no solo de la mexicanidad que representa, sino de la importancia de los procesos artesanales, su legado y valor cultural en un mundo industrial y globalizado.
    Se generó conocimiento a partir de la investigación del proceso de realización de un rebozo, que se complementó con el cruce de perspectivas para sublimar dicho proceso: desde el trabajo artesanal hasta la escenotecnia que cobija la propuesta y el discurso que empleamos para su difusión. Consideramos que hacer equipo y estar verdaderamente presentes en los ensayos y reuniones creativas es una forma de resistencia frente a la hiperinformación y el uso de la inteligencia artificial, por ejemplo.

    A.G. ¿De qué manera el rebozo se convierte en un dispositivo de narración que desafía las estructuras coloniales de representación, y cómo se refleja esto en la fusión de la danza, el teatro y la música?

    V.V. El rebozo como signo se busca potenciar escénicamente aprovechando la estructura tradicional de representación, pero desde un pensamiento lúdico que, más allá de cuestionar los métodos convencionales del teatro, se ritualiza con anécdotas personales de la intérprete y se extiende su dimensión romántica mediante el uso de la voz, la honestidad del cuerpo y la sonoridad única de la música tradicional mexicana. No se trata de cruzar disciplinas por capricho, sino de un collage visual y creativo, único y vibrante.

    A.G. ¿Qué significa para ti escenificar “Rebozo” en un contexto poscolonial, y cómo se relaciona con la idea de “descolonizar el cuerpo”?

    V.V. Ha significado hacer un recuento de mi vida, de las imágenes que me remiten a mi hogar, mis raíces y mi país, para aterrizarlas en un texto y echar mano de los recursos técnicos y artísticos asimilados a lo largo de una vida, no solo mía sino del equipo creativo. Implicó romper límites personales, académicos y corporales, para explorar nuevos recursos desde la voz hasta la danza. En Rebozo, mi cuerpo siente, se mueve y se relaciona desde la honestidad y la verdad que narro en cada escena. Ha sido un gozo y un desafío.

    A.G. ¿Cómo se articula la fusión de la danza, el teatro y las raíces mexicanas en “Rebozo” como una forma de epistemología del sur, y qué implica esto para la comprensión de la identidad mexicana?

    V.V. La necesidad artística de nuestro equipo se consolida por el amor al país. Rebozo es un homenaje a las raíces mexicanas, no necesariamente una postura de confrontación frente al capitalismo o al occidente hegemónico. Si la reflexión surge, es porque la inercia global y social nos ha llevado a cuestionar de forma urgente una identidad profunda, rica y viva.

    A.G. ¿Es el rebozo un símbolo y al mismo tiempo una investigación plástica en tu propuesta? ¿Cómo fue esta exploración?

    V.V. Sí, y también lo son los hilos. Metafóricamente, la vida se teje como un rebozo, y esos hilos se utilizan plásticamente a lo largo de toda la obra. El rebozo como objeto tiene un tratamiento escénico que dialoga con su elaboración artesanal, potenciando su belleza a través de la textura, el color, el peso y las dimensiones. La exploración comenzó desde la dirección, el vestuario, la coreografía y los usos cotidianos del rebozo. El diseño de iluminación evoca espacios donde los tejidos vibran o absorben la luz.

    A.G. ¿Cómo se refleja la colaboración interdisciplinaria en “Rebozo” como un modelo de creación colectiva y descolonizada, y qué lecciones deja para futuras creaciones artísticas?

    V.V. Rebozo es una creación colectiva afortunada, donde cada colaborador ha aportado desde su experiencia y sensibilidad. El arte escénico, por naturaleza, debe generar confianza y trabajo comunitario, y este proceso lo ha logrado. Es también una reflexión sobre la participación activa de mujeres y hombres hacedores de cultura intangible en México. Este modelo nos impulsa a realizar giras, acompañadas de talleres y espacios de diálogo con las audiencias, fortaleciendo a las compañías independientes y su valor cultural.

    A.G. ¿El rebozo es entendido en esta pieza como cuerpo territorio?

    V.V. Así es. Desde las epistemologías decoloniales, el rebozo se concibe como memoria corporeizada de abuelas y madres mexicanas, un símbolo de autoconsciencia, arropo y resistencia. Más allá del indigenismo o la lucha social explícita, el Rebozo que mostramos es una mezcla de significado y ornamento, de cobijo y resiliencia, sostenida por la fuerza de los ancestros.

    A.G. ¿Cómo se dio el encuentro con el resto de los creadores y cómo se estableció el proceso?

    V.V. Desarrollé el proyecto desde 2022, iniciando una investigación profunda en literatura, poesía, música y danzas relacionadas con el rebozo. Tras obtener el PECDA 2023, invité a Luis Escárcega para la dirección, quien fue clave para aterrizar el texto. Más adelante se integró Celso Duarte, creador de la música original, y Libertad Mardel, con quien ya había colaborado. En 2025, se sumó Juan Carlos Flores, aportando de manera decisiva como diseñador lumínico, productor y asistente de dirección y coreografía, con una mirada sensible y certera.

    Fechas y lugar:
    Miércoles 11 y 18 de febrero, 20:00 horas
    Teatro Varsovia (Varsovia 9, colonia Juárez)

    No te pierdas esta oportunidad de experimentar “Rebozo”.

  • TRIAGE: Matt Sedillo, el poeta político más sobresaliente del orbe

    TRIAGE: Matt Sedillo, el poeta político más sobresaliente del orbe

    Por: Alexandro Guerrero

    La conciencia de la lucha viva de las letras chicanas en entrevista exclusiva.

    ¿Qué opinas de la postura de México respecto a los ataques y amenazas de Donald Trump contra la paz en Latinoamérica?

    Primero que nada, hay que decir que las acciones de Trump en Venezuela son las acciones criminales de un criminal de guerra. ¡Libertad para Nicolás Maduro!

    En cuanto a México, creo que las sucesivas presidencias de MORENA representan el mejor liderazgo que México ha conocido desde la presidencia de Lázaro Cárdenas. Creo que de esa manera representan un México más independiente que no es un títere abierto del imperialismo estadounidense. De esta manera, por supuesto, eso convierte a la administración Scheinbaum en un blanco del Tío Sam. Claro que en este momento México es un blanco de la Doctrina Monroe. México es un país de cierto tamaño, el tercero más poblado del hemisferio y la segunda economía más grande de Latinoamérica. Un México independiente es una amenaza para el imperialismo estadounidense y, como tal, una victoria para toda la humanidad.

    Vemos el auge de la derecha en Chile, Argentina, Perú, etc. Sin embargo, al mismo tiempo, vemos en Colombia a un presidente progresista por primera vez en la historia moderna. La lucha continúa en este siglo.

    Estos son tiempos aterradores. También son tiempos de lucha y de posibilidades. Espero que México se mantenga fuerte.

    Cuéntanos cómo fue censurado ese gran poema tuyo acerca del genocidio que perpetra el Estado de Israel y el sionismo internacional contra Gaza; ¿Qué pasó en la Universidad de Harvard?

    En 2025, un colega que trabaja en Harvard Educational Review me contactó para proponerme publicar un poema sobre Palestina para una edición dedicada al tema. Había hablado con él durante un tiempo sobre mi deseo de leer en el campus; nunca pensé que publicaran mi trabajo. Naturalmente, estaba muy entusiasmado con esta oportunidad. Hubo retrasos, y luego más retrasos, y un día recibí un correo electrónico anunciando la cancelación total de la edición.

    Lo que me impactó fue que Harvard estaba en ese momento inmersa en una lucha contra la brutal campaña de blanqueo de la administración Trump. Harvard, sí, la elitista Harvard, estaba muy del lado correcto de esta lucha. La administración fascista de Trump amenazaba a Harvard con que, si no cumplía con sus esfuerzos por limpiar los crímenes de la historia estadounidense, le cerraría el apoyo y obstaculizaría su capacidad para atraer estudiantes internacionales. En este sentido, Harvard, sí, la elitista Harvard, estaba librando una buena batalla contra la supremacía blanca y el chovinismo estadounidense.

    Mientras Harvard luchaba por el bien externamente, internamente reprimió las voces que se alzaban en apoyo de Palestina y los palestinos. Mientras Harvard luchaba contra Trump, también luchaba contra su propio alumnado, que exigía el fin del genocidio. Mientras Harvard luchaba contra Trump, también luchaba contra su propio alumnado, que buscaba usar el peso de la universidad, que después de todo es suyo, para pedir el fin del genocidio.

    No sé qué pasará con este asunto. Ojalá algún día se permita a Harvard Educational Review publicarlo.

    Como miembro destacado de la comunidad chicana en Los Ángeles, usted ha representado la resistencia cultural durante la administración de Donald Trump. ¿Podría contarnos más sobre esa resistencia?

    Durante los últimos dos o tres años, parece que paso la mitad del año fuera del país. Gran parte de lo que he podido hacer en ese sentido, o al menos lo que me permite una posición única, es compartir esta historia con el público internacional. El punto álgido de la opresión en Los Ángeles fue en junio y julio de 2025. Esto no significa que la comunidad migrante no haya sufrido agresiones antes o después de este período. Simplemente quiero destacar el aumento en la intensidad. La opresión precedió y continuó después. Menciono estos meses porque fue en esa época cuando dos amigos míos, nacidos en Estados Unidos, fueron arrestados y encarcelados bajo cargos ridículos. Los medios de comunicación de derecha los promocionaron como terroristas nacionales y los encerraron en un laberinto donde nadie podía encontrarlos durante días. Mientras esto ocurría, yo estaba en Italia, Hungría y Alemania de gira por mi trabajo. Sentía una tremenda culpa y responsabilidad.

    Lo que puedo decir con total claridad es que la resistencia al ataque fascista del ICE contra la comunidad ha sido liderada por organizaciones, no solo por individuos al azar. Las más destacadas son Unión del Barrio, Centro CSO y La Raza Unida. Desde alertar a la comunidad sobre redadas hasta movilizar a los detenidos, pasando por la ayuda de emergencia y mutua, estas organizaciones han sido el corazón de la resistencia al fascismo.

    Sin embargo, pasando de Los Ángeles a la escena nacional, me horroriza lo que estoy viendo en Minneapolis con el asesinato de Rachel Goode. El ICE está demostrando realmente lo fascista que es. Es escalofriante escuchar cómo hombres como J.D. Vance y Stephen Miller hablan de “ir puerta a puerta”. La administración Trump representa una amplificación de lo que siempre ha sido Estados Unidos. La opresión y el colonialismo en el contexto estadounidense son constantes y bipartidistas.

    En la era de la inteligencia artificial, ¿cuál es la importancia de la poesía política?

    La poesía política siempre es importante. Son las artes las que impulsan a la gente a la acción. Mientras la inteligencia artificial se cierne sobre nosotros para destruir el trabajo tal como lo conocíamos, la lucha sigue siendo la misma: apoderarse de los medios de producción.

    Bajo la dictadura del capital, la IA representa una amenaza de apocalipsis económico. Las herramientas han cambiado, pero la solución sigue vigente. Debemos apoderarnos de los medios de producción.

    Háblanos del trabajo de El Martillo Press, tu sello editorial en 2025.

    El Martillo Press fue fundado por David A. Romero y yo en 2023 con el objetivo de publicar a poetas de la clase trabajadora. Hemos ganado un Premio del Libro Americano y participado en el Festival del Libro de Guadalajara, FIL Minería, Lea LA y otros. En 2026 publicaremos a Lorna Dee Cervantes y la novela debut de David A. Romero.

    El Martillo Press, constructor de puentes, destructor de muros.

    ¡Trabajadores y trabajadoras del mundo, uníos!

    Matt, ¿Cuáles son sus planes y qué prepara para 2026?

    2026 se presenta como otro año excepcional. Los dos últimos años han sido abrumadores y parecen un borrón. En 2025, tuve la fortuna de leer en el escenario con Inti-Illimani frente al Estadio Nacional el 11 de septiembre, día de conmemoración nacional en Chile. Ese día, ante miles de personas reunidas para honrar a Salvador Allende, Víctor Jara y a miles de otros caídos a manos del ataque fascista de Pinochet en 1973, les conté la historia de Rubén Salazar, periodista chicano y defensor del pueblo, asesinado por los sheriffs de Los Ángeles en 1970 durante la Moratoria Chicana. Ofrecí esto para dejar claro que nuestra lucha era global y compartida. Fue un momento de orgullo para mí, quizás el más orgulloso. El año pasado también compartí una audiencia privada con el cubano Mijian López, cinco veces medallista de oro. En 2024 escribí un poema celebrando su vida y legado, que fue leído en París por una compañía de actores como parte de la Olimpiada Cultural. Ese mismo año tuve el honor de leer en el gran Festival de Poesía de Medellín y también lo hice con Jon Fosse, ganador del Premio Nobel 2023, en la Basílica de San Francisco, donde se encuentra la tumba de Dante Algeiri. Durante ese tiempo, también participé en festivales internacionales de poesía en Argentina, India, Italia y Cuba. El año pasado, también tuve el gran honor de editar la primera antología de poesía chicana publicada por Casa de las Américas.

    En 2026, espero continuar con muchos de estos éxitos y abrir nuevos caminos. Busco colaborar con el Instituto Cultural Mexicano de Los Ángeles, donde soy Director Literario, en proyectos en Italia, México y Chile. No puedo entrar en muchos detalles sobre estos proyectos, ya que aún están en desarrollo. Puedo decir que en 2026 estaré en México en enero y en Cuba en febrero.

    No dejen de seguir el Maestro Matt Sedillo y sus próximas actividades en México: https://www.facebook.com/matt.sedillo.75

    Matt Sedillo nació en 1981 en El Sereno, Los Ángeles, California, EUA, un 18 de diciembre. Es un poeta, ensayista y activista político chicano. Tallerista literario, actualmente es director literario del Centro Distrital para las Artes en Pomona, California. El Instituto Hampton comparó su poesía con la de Amiri Baraka. Ha sido descrito como el mejor poeta político de Estados Unidos, por el periodista de investigación Greg Palast y como el “poeta laureado de la lucha”, por el historiador Paul Ortiz. Ha participado en el Festival Internacional de Poesía de San Francisco y en el Festival del Libro de Texas.

  • TRIAGE: “La Primera Luz” El nuevo espectáculo de la Compañía Cirko De Mente es profunda y radical

    TRIAGE: “La Primera Luz” El nuevo espectáculo de la Compañía Cirko De Mente es profunda y radical

    Por: Alexandro Guerrero

    El estudio histórico del I Ching (Yì Xué) ha sido notablemente ecléctico, abarcando una vasta gama de interpretaciones, desde lecturas proféticas y mesiánicas hasta aquellas influenciadas por el legalismo, taoísmo, budismo y más allá. Esta larga tradición de exploración radical y aplicación diversa en sí misma alienta a los creadores de la Compañía Cirko De Mente a desarrollar sus propios enfoques desde lo onírico fundacional.

    En su invitación para el estreno, la compañía no obvia la sinopsis ni desde la síntesis: nos invita partiendo de un oráculo polisémico que nos detiene a leer en la saturación de las redes, y es desde donde su propio manifiesto contemporáneo, abarca en lo estético más allá de una posición estricta conceptual y nos invita con el fundamento de la disrupción inconsciente críptica a degustar de esta joya: “La Primera Luz”.

    Inspiración intercultural e interdisciplinaria: El I Ching ha influido en prácticamente todos los ámbitos de la cultura en China, desde el arte, arquitectura, literatura y música, hasta las matemáticas, ciencia, medicina y tecnología. Abundan ejemplos de aplicaciones diversas, desde las interpretaciones figuristas de los misioneros jesuitas en la China del siglo XVIII hasta la duradera subcultura de usar el Yijing en misticismo, magia y hechicería. Esta última práctica representa una tradición popular de aplicar el Yijing a formas de arte prácticas y rituales.

    Es entonces que la sutil conexión a partir de la esfera luminosa como elemento mágico y despegable en significados pasa a otra comarca como escena. (Recordemos al cuerpo celeste lunar como principio de acciones humanas en equilibrio inestable atestiguado en “Luna Eva”, célebre e histórico montaje anterior de la compañía también dirigido por la Maestra Andrea Peláez).

    Conexiones Estéticas

    Conceptos relacionados con el Yijing han sido explícitamente vinculados a la estética, como se ve en discusiones históricas y contemporáneas del pensamiento y estética Yinyang coreanos. El I Ching se erige como una fuente fértil y duradera de inspiración para la creación, y es aquí donde el circo contemporáneo se redescubre, desafiando y provocando a quienes se relacionan con sus caudales en las artes circenses para conectar con corrientes más profundas de comprensión y dar a luz nuevas formas, narrativas y expresiones del espíritu humano.

    En “La Primera Luz”, la exploración a las infancias (nuestras o cercanas) en los sueños, temores y ávidas curiosidades será otro nivel de la esfera conductora, delineada con la magistral presencia y el arte de Ramón Solano, el mimo referencial de nuestro país en escenarios exteriores tradicionales o plazas públicas y de sala en paralelos de exploración de impronta actual.

    Notable el tono y la precisión del conjunto, como el libro de los cambios continúa cambiando y se expresa entendida como poesía visual, no solo en sus interpretaciones sino en las múltiples formas en que enciende el fuego táctil visible e invisible, la esfera como condensación críptica, condición nodal en el arte circense contemporáneo.

    “La Primera Luz”, va delineada en atmósfera con un asombroso por lo aterrizado en cuanto a la propuesta desde el poliestilismo, en creación de Juan Pablo Villa. Andrea Peláez desarrolla con balance y definición el profundo lenguaje simbólico, la intrincada complejidad estructural y rica historia, sellada por una brillante ejecución, creación e interpretación de: Andrea Salas, Nallely Lima, Emiliano Gallardo – Dúo Oscilante-, Hannia G Beltrán y Juan Pablo Góngora. En el video: Arturo López Pío tan desafiante como fino y entrañable, con asistencia escenotécnica de: Zélia Lebrun y la Iluminación de Andrea Peláez González, además del diseño y realización en el vestido de Quetzalli Coyol.

    En esta temporada invernal, Cirko De Mente propone reencontrarse con ese asombro primigenio: la primera luz que renace en medio de la oscuridad: la luz de la creación y la capacidad de creer desde lo bello no obstante la amenaza y el miedo que en los mundos contemporáneos nos atañen.

    El estreno tuvo sede en el corazón de Morelos, en el Centro Cultural Teopanzolco (CCT) la noche del 7 de diciembre, un lugar emblemático que fusiona la modernidad y la tradición para ofrecer experiencias artísticas innovadoras. Desde su apertura en 2017, el CCT se ha convertido en un referente cultural a nivel nacional e internacional, acogiendo eventos multidisciplinarios que celebran el arte en todas sus formas.

    Ubicado frente a la espléndida zona arqueológica de Teopanzolco, el CCT combina la riqueza del pasado con la creatividad del presente, ofreciendo un espacio único para conciertos, cine, exposiciones y todas las posibilidades en cuanto a las artes escénicas, idóneo para el Cirko Contemporáneo por su concepto ritual general. Es precisamente por eso que el CCT ha sido reconocido por su diseño arquitectónico innovador, recibiendo premios como el Premio Oscar Niemeyer para la Arquitectura Latinoamericana 2018 y el American Architecture Prize 2017, lo que lo convierte en una joya arquitectónica de renombre mundial.

    Hexagrama declinación 21 – La Dentellada

    Para el presente: Pasamos por una época en la que hemos logrado vencer grandes obstáculos que no permitían fundamentalmente la unión deseada. Llega ahora el tiempo de lo justo, en el sentido de aplicar “justicia”. Es necesario, aunque algo incómodo, aplicar y hacer aplicar estas reglas. Pero son las que corresponden y son “justas”. Deberán ser acatadas por los que se adaptan y aún por los que todavía se resisten. Con imágenes de Tania Campos Thomas y Cirko De Mente. Fotografía: Cirko De Mente / Gerardo Castillo

    Fb: Cirko De Mente
    https://cirkodemente.com.mx/kompania/me

  • TRIAGE: La compañía, una raya al cielo dirigida por el Maestro Gabriel Pascual

    TRIAGE: La compañía, una raya al cielo dirigida por el Maestro Gabriel Pascual

    Por Alexandro Guerrero

    Todos los espacios son vitales. La compañía: Una raya al cielo, dirigida por el Maestro Gabriel Pascual en el Centro Cultural Xavier Villaurrutia.

    Todo espacio teatral es sagrado o debiera serlo. En este caso, una clara muestra en: “Pepe o arráncame la vida”, pieza tragicómica que se presentó el último viernes de noviembre en el Centro Cultural alojado en los locales de la Glorieta del metro Insurgentes de la Ciudad de México y que forma parte de la propuesta de espacios comunitarios y redes de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México.

    Una raya al cielo, la compañía teatral, hace que el hecho escénico acontezca así, aquí. Como no lo vemos acontecer en un sin fin de espacios institucionales o de teatro comercial. Sin duda, en esta puesta en escena ocurre ¿Por qué?

    Porque a pesar de que el elenco esté disparado en cuanto a tono por evidentes distintas formaciones, niveles, procesos, maduraciones o registro; la cohesión se desencadena interesante como mecanismo poderoso por el tema planteado, por el cómo está planteado. Se torna metáfora de quienes estamos atestiguando de modo voyerista y al mismo tiempo encontramos esta polifonía sin sentido como la propia realidad con su descarnada intersubjetividad, cuando como en esta trama, la muerte no sale al paso con un diagnóstico.

    En el intercambio posterior a la función de la compañía con el público, uno de los jóvenes actores menciona con entrañabilidad y convicción a Brecht, y sí. Este montaje se consolida gracias a la distancia representativa. De esta como categoría, si vamos desde un plano general en lo estético, se mide entre quien representa y lo representado, es esa ilusión de la realidad que se vuelve profunda en la medida en que nos plantea una sobre representación, como es el caso de la personificación del mal, aquí abstracta pero al mismo tiempo antropomorfa, excelente desde la dirección apuntada como citadina y urbana; el ángulo en que se mira es lo más importante en el caso de la distancia representativa.

    De la autoría de Alejandro Licona, quien como dramaturgo es un histórico, por lo que su propia estética trasciende, además de la precisión en cuanto a sus construcciones con gancho, persé en la mirada de las más y los más jóvenes, además de que específicamente sigue sorteando colonialidades instituidas. En “Pepe o arráncame la vida”, es la amistad esa potencia que nos ayuda a refrendar el deseo del presente, atesorar el pasado y no idealizar el futuro.

    La belleza de este trabajo radica en los detalles, ahí su verdad, en el “a pesar de todo”. Cecilia Vázquez, notable; Casandra Aguilar, si estabiliza la estridencia y va sobre la crisis pasional, será más compleja, gran presencia. José Grim, intenso pero más atento al accidente y su desarrollo sería extraordinario; Donovan Roldán, con más presente en el ritmo interno, daría más brillo a los estereotipos, mucha vis.

    Con proceso anterior y temporada que llegó hasta la develación de placa, deseamos siempre como espectadores reflejarnos así. Salir con más expectativas de trascendenciaen la vida cotidiana del teatro con la que entramos. Pronto, atentos a sus próximas funciones.

  • TRIAGE: La cueva de Salamanca en el Primer Festival Internacional de Teatro Barroco y Disección Escénica “Sor Juana Inés de la Cruz”

    TRIAGE: La cueva de Salamanca en el Primer Festival Internacional de Teatro Barroco y Disección Escénica “Sor Juana Inés de la Cruz”

    Por Alexandro Guerrero

    La cueva de Salamanca, dirigida por Felipe Galván, se presenta en El Primer Festival Internacional de Teatro Barroco y Disección Escénica “Sor Juana Inés de la Cruz”. Este encuentro es organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con la Universidad del Claustro de Sor Juana A.C.

    En el marco del 330 aniversario luctuoso de la Décima Musa, llegan ocho funciones (cuatro en cada sede), siete clases magistrales con especialistas nacionales e internacionales, y cuatro mesas de disección.

    Del 11 de noviembre al 4 de diciembre de 2025, se profundiza sobre el impacto artístico de dicho periodo y acerca a nuevos públicos a sus principales obras clásicas.

    La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con la Universidad del Claustro de Sor Juana A.C., presenta el Primer Festival Internacional de Teatro Barroco y Disección Escénica “Sor Juana Inés de la Cruz”, del 11 de noviembre al 4 de diciembre de 2025, en el Auditorio Divino Narciso y el Aula Magna, así como en el Teatro Helénico, recintos de ambas instituciones convocantes.

    Con el objetivo de profundizar sobre el impacto artístico de dicho periodo y acercar a nuevos públicos a sus principales obras clásicas, nace el encuentro que es un espacio para la escenificación de obras de autores clásicos desde una mirada contemporánea, la disección de las piezas, con la participación de especialistas nacionales e internacionales, así como clases magistrales sobre el tema.

    Desde una visión escénica moderna, cada pieza tendrá una disección para reflexionar sobre su construcción, significado y vigencia; es el análisis minucioso lo que diferencia al festival de otros en el mundo.

    Para la ocasión, se exhibirán cuatro montajes: Segismunda, de La máquina poética; La cueva de Salamanca, de Elenco Teatral Guerrerense. Este montaje, bajo la dirección del Maestro Felipe Galván, brinda una conversación en exclusiva para Los Reporteros MX.

    ¿Cómo eliges maestro este texto de Juan Ruiz de Alarcón?

    Para engalanar las Jornadas alarconianas 2025, decidimos en 2024 montar un Alarcón, eligiendo “La cueva de Salamanca” partiendo de la edición crítica recién impresa por la UACJ (Universidad Autónoma de Cd. Juárez).

    ¿Cómo nos interpela Juan Ruiz de Alarcón en el contexto actual desde la cueva de Salamanca?

    Los personajes estudiantiles son provocadores, hijos de papi en busca de emociones extremas, como hijos juniors de nuestro tiempo. La identidad novohispana se manifiesta con el sabio Enrico, traído para resolver las inundaciones de Ciudad de México.

    De la producción juanruizesca, esta es la que mejor acerca a su identidad novohispana de entonces o mexicana de hoy.

    ¿Cómo ha sido el proceso de montaje con este elenco guerrerense?

    Un encierro de tarde de viernes, sábado y domingo de trabajo intensivo por mes en sedes itinerantes, con actores de diversas geografías y trabajos en sus ubicaciones con sus grupos. El elenco es una especie de selección de actores de Taxco, Iguala, Chilpancingo, Acapulco, Zumpango y Tepecuacuilco, con el que trabajamos nueve meses, de septiembre 2024 a mayo 2025 hasta estreno en las Alarconianas 2025.

    ¿Qué representa para ti presentarse en el Auditorio Divino Narciso del Claustro de Sor Juana?

    Primero, nacionalizar teatro guerrerense más allá de la entidad. Del Divino Narciso al Helénico; aspiramos posteriormente al Siglo de Oro del Chamizal y al mismo e importante Almagro. Poner a Juan Ruiz en la catedral sorjuaniana es unificar a nuestros dos únicos dorados; es un beneplácito y orgullo que fortalece nuestro trabajo cotidiano en el Estado de Guerrero.

    ¿Como dramaturgo, cuáles son las influencias o la inspiración que te provoca la obra?

    Juan Ruiz es nuestro arranque nacional dramatúrgico y continúa vigente. Ejercitarlo, reconocerlo, divulgarlo y practicarlo es motor potente para desarrollar la dramaturgia propia, esperando ubicar propuestas tan universales como esta “Cueva…”

    ¿Qué opinas de esta convocatoria hecha en conjunto por Centro Cultural Helénico y Claustro de Sor Juana?

    Es un enorme acierto. Ojalá se amplíe.

    También se presentarán en esta primera emisión: Fuente Ovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas, de La oveja negra, y Tempo Barroco, de Oír Trío Ensamble. Los tres primeros retoman textos de los dramaturgos Lope de Vega, Juan Ruiz de Alarcón y Pedro Calderón de la Barca, mientras que el último es un concierto escénico con elementos distintivos del Barroco.

    Las funciones se llevarán a cabo a las 19 h los martes 11, 18 y 25 de noviembre y el 2 de diciembre, en el Auditorio Divino Narciso, de la Universidad del Claustro de Sor Juana, en el siguiente orden: Segismunda, La cueva de Salamanca, Fuente Ovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas y Tempo Barroco. Mientras que los jueves 13, 20 y 27 de noviembre y el 4 de diciembre, en el mismo horario, la programación se presentará en el Teatro Helénico.

    A su vez, las mesas de disección de cada proyecto se realizarán en el Auditorio Divino Narciso los miércoles 12, 19, 26 de noviembre y 3 de diciembre, a las 11 h, con la participación de invitados internacionales, como Barbara Fuchs, Karen Stolley, Margaret Boyle y Bruce Burningham, y nacionales, entre ellos Fernanda del Monte, Lydia Margules, Claudio Valdés Kuri, Germán Cárdenas, Alberto Rosas y Araceli Rebollo; figuras clave en los estudios sobre el teatro español del Siglo de Oro.

    En la misma línea académica, se ofrecerán siete clases magistrales en el Aula Magna del Claustro tituladas:

    • “Nuevos lenguajes escénicos para repensar el teatro áureo en México”
    • “La disección y diseño del ‘Divino Narciso’”
    • “Los Empeños de Sor Juana y la cuestión de performance”
    • “La música en el teatro barroco”
    • “Sor Juana Inés de la Cruz en el siglo XVIII: la imitatio performativa en el convento”
    • “Mujeres en la escena áurea. Dramaturgia, presencia y agencia femenina”
    • “Adaptaciones renacentistas hoy en día: Sor Juana y sus futuros”

    Se impartirán los días 12, 18, 20, 21, 27 y 28 de noviembre, y el 4 de diciembre.

    Con la asistencia, al menos al 80 por ciento de las sesiones, se obtendrá una constancia de valor curricular que emitirá la Universidad del Claustro de Sor Juana A.C. Para más información, las personas interesadas se pueden comunicar a [email protected].

    Con el Primer Festival Internacional de Teatro Barroco y Disección Escénica “Sor Juana Inés de la Cruz” se da el primer paso para llevar al público representaciones escénicas que, aun en el siglo XXI, repercuten en el presente.

    Para más información, consulta las páginas: helenico.gob.mx, elclaustro.mx y mexicoescultura.com.

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    Centro Cultural Helénico @Helenico centro_cultural_helenico

    El Claustro @U_ElClaustro @u_elclaustro

  • 2 de noviembre, el día que León Trotsky fue deportado a Siberia

    2 de noviembre, el día que León Trotsky fue deportado a Siberia

    Por Ricardo Sevilla

    El 2 de noviembre de 1906 marcó un hito en la vida de Lev Davídovich Bronstein, mejor conocido como León Trotsky.

    Y es que este hombre de talla mediana –media 1.76– que durante cinco años se declaró un apátrida (de 1932 a 1937), fue deportado a Siberia.

    Y aunque aquella no era su primera deportación a Siberia, sí fue la que estuvo fraguada para que, a sus 27 años, fuera percibido como el enemigo público número uno del zarismo, aunque, paradójicamente, aquello mismo terminaría sirviéndole para catapultarlo como un genio de la fuga y la tenacidad revolucionaria.

    Pero ofrezcamos algunos datos duros y hechos que nos ayudarán a comprender mejor de qué hablamos:

    Meses antes, el 16 de diciembre de 1905, el Soviet de Delegados Obreros de San Petersburgo, el primer germen de un poder popular, fue desmantelado.

    Trotsky y unos 300 revolucionarios de diversas facciones (mencheviques, socialistas revolucionarios e independientes, con una notable minoría bolchevique) fueron arrestados.

    Tras el juicio de septiembre y octubre de 1906, solo catorce acusados fueron seleccionados para recibir la pena más severa: la pérdida de derechos civiles y la deportación de por vida a Siberia, bajo vigilancia.

    Trotsky encabezaba la lista. El destino no era otro que Obdorsk, una remota y gélida colonia penal en el Círculo Polar Ártico, a 1,600 km de la estación de tren más cercana.

    La intención de las fuerzas zaristas era clara: asegurar su desaparición política.

    El viaje fue una odisea de 52 soldados de escolta y refuerzos constantes, un testimonio del gran temor que el zarismo sentía ante la figura de Trotsky.

    El exilio forzoso –que era una táctica común del zarismo (el “sistema Gulag” avant la lettre)– cumplía el propósito de aislar a los disidentes. Sin embargo, en la práctica y sin proponérselo, terminó forjando la identidad colectiva y el capital social de los líderes revolucionarios.

    Como bien se sabe, el muy riesgoso viaje de huida tuvo un feliz desenlace: Lev Davídovichllegó por fin a buen puerto, reencontrándose con Natalia y su pequeño hijo Lev, para salir en familia a un exilio que se prolongó durante diez años.

    Ahora bien, lo cierto es que Trotsky consideraba que había debido su buena fortuna en ese viaje de escape, no a los humanos, sino a seres que él calificó de “extraordinarios”: los renos.

    Y es que estos animales fueron los que, en situación de cautiverio y sin ser consultados, tiraban incansablemente del trineo, y entregaban su vida para proveer de pieles a los viajeros del frío para que se protegieran del frío, y de carne para que se alimentaran durante el trayecto.

    Pero ninguno de estos hechos y episodios les interesó a los autores del (pésimo) documental que, en 2017, hizo Netflix sobre Trotsky.

    Este bodrio, que se narra a través de flashbacks, está preñado de mentiras, tergiversaciones e inexactitudes históricas.

    La serie intenta que el público descuidado se trague el cuento de que Trotsky fue un líder cruel y megalómano que orquestó la Revolución de Octubre, recurriendo a muchos de los estereotipos antisemitas utilizados por el movimiento blanco anticomunista durante la Guerra Civil Rusa.

    ¡Una auténtica dosis de ideología anticomunista y antirevolucionaria.

    Y no es gratuito.

    Konstantin Ernst, el productor de esta serie, es director ejecutivo de Canal Uno Rusia, y el encargado de denostar a Trotsky por órdenes de Putin (que, por cierto, siempre ha despreciado a Lev).

    Su deleznable objetivo –y el de Netflix– era promover y difundir esta narrativa, globalizándola y comercializándola, utilizando la influencia de ese medio –¿de desinformación?– para legitimar una versión histórica sesgada.

    Lo cierto es que hoy, el público ya no se traga esta clase de productos chatarra y sabe perfectamente que Lev Davídovich Bronstein fue uno de los pocos a quienes no les tembló la voz al criticar la hipocresía de los líderes viles y corruptos. “Que Stalin alcanzase su posición fue la suprema expresión de la mediocridad del aparato”, dijo alguna vez León Trotsky.