Hayao Miyazaki vuelve a la pantalla grande de la Ciudad de México con Ponyo y el secreto de la sirenita, a partir del 4 de septiembre.
Ponyo y el secreto de la sirenita, la película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki, se incorporará a la cartelera de la Cineteca Nacional este viernes 4 de septiembre, con funciones en sus tres sedes de la Ciudad de México: Cineteca Nacional México (ubicada en Xoco), Cineteca Nacional de las Artes (en el Centro Nacional de las Artes) y Cineteca Nacional Chapultepec.
Estrenada en 2008, la cinta narra la historia de Ponyo, una pequeña criatura marina que desea convertirse en humana después de conocer a Sosuke, un niño de cinco años. Ponyo comienza como un pez dorado atrapado en una botella que Sosuke rescata y nombra, sin saber que en realidad es hija de un hechicero y una diosa del mar. El vínculo entre ambos desata una serie de eventos que alteran el equilibrio de la naturaleza y enfrentan a la protagonista con las reglas de su mundo de origen.
La cinta es una versión libre de La sirenita, el cuento de Hans Christian Andersen, trasladada a un universo marino propio del estilo de Hayao Miyazaki. Forma parte de la filmografía de Studio Ghibli, el estudio responsable de títulos como Mi vecino Totoro y El viaje de Chihiro.
Las entradas se pueden comprar desde la página oficial de la Cineteca Nacional, además de las taquillas. Se recomienda revisar previamente el sitio oficial para confirmar horarios y disponibilidad, ya que cada recinto maneja su propia programación.
El Museo Tamayo en la Ciudad de México, inauguró la exposición Tamayo, Nieto, Toledo: Los años en París, reuniendo más de 100 obras de los tres artistas mexicanos.
La exposición incluye obras de colecciones privadas que se exhiben por primera vez en el país, entre ellas “La mujer temblorosa” (1949) de Rufino Tamayo, la serie “Zoología fantástica” de Rodolfo Nieto, las piezas “Animal y cazador” y “La amazona y compañero de viaje” de Francisco Toledo.
La exhibición abre con “Músicas dormidas” (1950) de Rufino Tamayo, cuadro que fue clave porque con él Tamayo llevó a México al mapa del arte universal al presentarlo en la Bienal de Venecia en el año 1950. También se muestra “Venus dorada” (1955), inspirada en las figurillas de barro de Tlatilco.
De Rodolfo Nieto se exhiben “Noche transfigurada” (1966) y la serie “Zoología mental”, con dibujos y pinturas inspirados en animales del zoológico de Basilea, como “Lágrimas del bestiario” y “Anatomía de un grillo”.
De Francisco Toledo, quien llegó a París a los 20 años con cartas de recomendación para Rufino Tamayo y Octavio Paz, se presentan “Dos personajes” (1963), “Carreta azul” (1959) y “El pato” (1967).
Alejandra de la Paz Nájera, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, señaló que se trata de la primera exposición centrada en la experiencia parisina de los tres artistas y en las afinidades estéticas que después resultarían fundamentales para la renovación del arte mexicano.
Andrea Torreblanca, directora del Museo Tamayo, añadió que revisitar la trayectoria de estos creadores permite repensar las rupturas y continuidades del arte mexicano actual.
La curaduría tomó más de tres años y contó con la colaboración de 45 coleccionistas privados. La muestra aborda el papel de Rufino Tamayo como referente para generaciones posteriores de artistas latinoamericanos.
Último fin de semana de “Los dados estaban cargados”: espionaje, archivo y fotografía especulativa desarrollada por las artistas visuales Valeria Arendar y Eleana Konstantellos André en Leica Gallery, Ciudad de México.
Como resultado de la segunda edición del Programa de Residencias Leica Gallery Mexico City × Proyecto H, las artistas visuales presentan en imágenes, una investigación que explora las redes de espionaje en México y que operaron durante la Guerra Fría.
En Avenida Presidente Masaryk 422-B, en el corazón de Polanco, más allá del perfil comercial de alta gama en los aparadores; Leica abrió en noviembre de 2023 su primera sede en Latinoamérica. Es la Leica Store, Gallery y Akademie México, la número 28 de una red global de galerías que empezó en Wetzlar en 1930 con el Lehr-Atelier de Leitz, se volvió Leica Schule en 1938 y Leica Akademie en 1988.
El proyecto, impulsado por Matthias Harsch, CEO de Leica Camera AG, y por Karin Rehn-Kaufmann, directora artística de las galerías Leica en el mundo, nació con una vocación clara: ser punto de convergencia entre arte, cultura, tecnología y comunidad, con la tradición humanista de Cartier-Bresson, Robert Capa y Yael Martínez, quien inauguró el espacio,se tiene la misión de generar comunidad.
Esa vocación explica su programa de residencias con Proyecto H. La segunda edición culmina con “Los dados estaban cargados”, de Valeria Arendar y Eleana Konstantellos André, inaugurada el 30 de julio en la Ciudad de México, en la capital del espionaje durante los años de la guerra fría en lo exterior y la guerra sucia y el terrorismo de Estado como política interna.
Durante la Guerra Fría, la capital fue territorio estratégico, la presencia diplomática de EE.UU. y la URSS, la creación en marzo de 1947 de la Dirección Federal de Seguridad (DFS) por Miguel Alemán —diez oficiales del Colegio Militar y el coronel Marcelino Inurreta de la Fuente a la cabeza— la convirtieron en centro de una trama de poder, información y control.
Arendar y Konstantellos André, que trabajan juntas desde 2022 entre fotografía, archivo, ficción y performance (Arles, PhMuseum Days, Indian Photo Festival, Museo de Arte de Sonora), toman esa historia para preguntar: ¿Qué puede revelar una fotografía cuando aquello que busca registrar permanece oculto? ¿Cómo se construye una imagen de lo que solo existe como rastro, rumor o memoria?
El archivo DFS: del sótano del CISEN a consulta irrestricta, brinda una vía de investigación que se sostiene en el fondo más conflictivo del Archivo General de la Nación, el llamado archivo DFS, figura institucional donde los también llamados “tigres”, eran responsables de perseguir, torturar, desaparecer y vigilar a disidentes, estudiantes (incluída la Dra. Claudia Sheinbaum Pardo y su familia), intelectuales, sindicalistas y exiliados.
Fue extinguida en 1985 tras los escándalos de narcotráfico y los asesinatos de Manuel Buendía y del agente de la DEA Enrique Camarena. En 1989 sus papeles pasaron al CISEN y el 19 de febrero de 2002, en el marco de la eufemísticamente llamada “alternancia”, el CISEN entregó 4,223 cajas de los fondos DFS y DGIPS al AGN, no obstante, el acceso real tardó 18 años: en 2007 se impusieron versiones públicas testadas, en 2015 se cerró la consulta directa y solo tras el decreto de 2019 durante el sexenio de Andrés Manuel López Obrador y la presión de colectivos de investigadores de la UNAM, INAH y Colmex, entre otros colectivos integrados por familiares, víctimas directas e indirectas, el INAI declaró el fondo de interés público y desde el 20 de febrero de 2020 las 9,500 cajas (1926-1985) son de consulta irrestricta.
Como advierten los historiadores del AGN, es un archivo complejo: el Estado cometió tantas violaciones a derechos humanos que fue clasificado como reservado por décadas, su información no es imparcial ni absolutamente verídica y debe cruzarse. En los documentos mencionados se contiene el expediente clave de 1984, “PANORAMA INTERNACIONAL Y NACIONAL EN CUYO CONTEXTO NACE Y SE DESARROLLA LA DFS”, que divide su historia en dos etapas: 1947-1959 (fundación a Revolución Cubana) y 1960-1984.
En su estética esta exposición nos acerca a una narrativa épica de la imagen como lo es la fotografía desde la trinchera del documental especulativo, aquí la expo deja de ser historia y se vuelve método. Heredera del teatro documental de Erwin Piscator —que proyectaba fotos en escena en la posguerra alemana—, o bien de Forensic Architecture e Hito Steyerl. La muestra no reconstruye una historia definitiva o reificada, su potencia principal se da como corelato y revisitación.
“Los dados estaban cargados” tiende una narrativa de puesta en escena muy bien lograda, la mímesis del arte fotográfico en disposición de la cotidianidad inquietante como extrañamiento en las imágenes es lo más perturbador, lo que los archivos revelan y lo que silencian: Los disfrazado, lo superpuesto, la metáfora del “horrible monstruo con peluca” al que hiciera alusión el genio del músico argentino Charly García en su canción icónica “Súperhéroes”, compuesta y grabada en 1982 casi en tiempos del periodo conocido como posdictadura.
En Leica Gallery ubicada en Masaryk 422, lo que se exhibe es la vigilancia en la Ciudad de México buena parte de la segunda mitad del Siglo XX como escenario de continuidad laboratorio del Plan Cóndor de la CIA en Sudamérica.
La imagen es protagonista de una historia de intriga, infiltración y violencia de Estado, desde miradas de conciencia con una fuerza sumamente inspiradora por su joven militancia estética y el alto nivel de su realización que también en lo ético resalta como convicción.
Es entrada libre con registro previo en Eventbrite.
A través del fracaso, la torpeza y el juego, El Gallinero Teatro Clown enseña a las infancias a usar la IA sin perder lo humano.
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con El Gallinero Teatro Clown, presentan Tonter I.A., escrita y dirigida por Claudia Ivonne Cervantes, Jesica Bastidas y Lucía Pardo, quienes además integran el elenco.
Es un espectáculo de clown que toma como punto de partida uno de los fenómenos más significativos del presente: la creciente incorporación de la inteligencia artificial en la vida cotidiana. En lugar de abordarlo desde una perspectiva tecnofóbica o meramente divulgativa, la obra recurre a los recursos propios del clown, el fracaso, la torpeza, la exageración y el juego, para construir una reflexión crítica accesible tanto para públicos infantiles como familiares.
La pieza adopta una estructura de varieté, compuesta por una sucesión de sketches independientes unidos por un mismo eje temático: la relación contemporánea entre las personas y la inteligencia artificial. Esta organización permite explorar distintos escenarios humorísticos sin perder la unidad conceptual del montaje.
A través de tres personajes clownescos, el montaje explora las contradicciones derivadas de delegar cada vez más decisiones, procesos creativos y actividades cotidianas a sistemas de inteligencia artificial. La propuesta combina clown, comedia física, música en vivo, videomapping y dos sistemas de inteligencia artificial desarrollados por la propia compañía.
“En un presente donde las juventudes mexicanas han mudado sus procesos académicos y afectivos a la frialdad de la interfaz, esta pieza se erige como un acto de resistencia poética. Apostamos por una dramaturgia que apela a la sensibilidad emocional y al error creativo como el último refugio de lo humano. En este espacio extraordinario que es el escenario, demostramos que ninguna red neuronal artificial puede sustituir el pulso de la conexión presencial ni el riesgo de la intuición”, subrayan las creadoras.
La obra forma parte de la línea de investigación que El Gallinero Teatro Clown ha desarrollado durante más de una década en torno a la relación entre humor, divulgación y pensamiento crítico. En este sentido, Tonter I.A. continúa una serie de espectáculos donde conceptos científicos o sociales son traducidos al lenguaje del clown, privilegiando la experiencia escénica antes que la exposición didáctica.
La construcción dramatúrgica parte del principio clásico del clown: revelar las debilidades humanas. En esta ocasión, dichas debilidades aparecen amplificadas por el uso indiscriminado de herramientas tecnológicas. Las protagonistas fracasan, improvisan y reinventan soluciones, mostrando cómo el error sigue siendo una capacidad profundamente humana.
Por eso funciona como herramienta de concientización para niños: la mejor forma de explicar qué es la IA no es con un manual, es haciéndolos reír cuando la máquina se equivoca en escena. El público infantil comprende que la IA no piensa ni siente, solo predice; y que el cuerpo, la intuición y la capacidad de equivocarse y corregir son insustituibles.
El equipo creativo se completa con Fores Basura, en la composición musical y el diseño sonoro; Azucena Galicia, en el diseño de vestuario y maquillaje; Edgar Mora, en el diseño de escenografía, iluminación y videomapping, e Isaías Herrera, en el diseño y arquitectura de IA escénica.
La producción general está a cargo de Claudia Ivonne Cervantes; Diana Perelli participa como asistente de producción y suplente; Verónica Hernández, como asistente general, y Oscar De Jesús Ramírez, como asistente técnico y de audio.
Tonter I.A. tendrá temporada del 15 de agosto al 20 de septiembre en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, con funciones los sábados y domingos a las 13 horas. La duración aproximada es de 50 minutos y la edad recomendada es a partir de los 6 años. El costo del boleto es de 150 pesos para entrada general y 80 pesos para infancias.
Los boletos se pueden adquirir en las taquillas del Centro Cultural del Bosque o en línea a través del enlace oficial. Reforma y Campo Marte, detrás del Auditorio Nacional.
Del 20 al 23 de agosto de 2026, el Teatro de la Danza Guillermina Bravo alberga la nueva temporada de “Relato. No hay inframundo, sólo laberintos”, pieza de danza teatro dirigida por Bárbara Alvarado y Juan Carlos Franco. Funciones: jueves y viernes 20 h, sábado 19 h y domingo 18 h.
La reposición coincide con dos aniversarios que le dan otra densidad: 40 años del movimiento del Consejo Estudiantil Universitario (CEU) y 30 años de la muerte de Luis Alberto Alvarado, tío de la coreógrafa, quien militó en el CEU defendiendo la gratuidad y autonomía de la UNAM y murió por suicidio en febrero de 1996, antes de cumplir 31 años.
Su figura es el centro íntimo de una obra que se abre a lo colectivo. Como explica Alvarado: “El detonador fue cuestionar hasta dónde hemos entendido la masculinidad heredada, cuánto pesa, cuántas heridas genera y cuántos misterios aún no resolvemos”.
“Relato” no se entiende sin el contexto de la UNAM de los ochenta. La pieza lo pone en escena, aquí una breve cronología:
La causa; En septiembre de 1986, bajo la rectoría de Jorge Carpizo, el Consejo Universitario aprueba el paquete de 26 reformas al Reglamento General de Exámenes y de Pagos derivado del diagnóstico Fortalezas y debilidades de la UNAM. Planteaba cuotas, límites de permanencia y exámenes departamentales para “elevar la excelencia”.
Nace el CEU: El 31 de octubre de 1986, en el auditorio Ho Chi Minh de la Facultad de Economía, nace el Consejo Estudiantil Universitario con representantes de prepas, CCHs, facultades y escuelas. Su exigencia no era negociar matices: derogación total y Congreso Universitario resolutivo.
La fuerza en las calles: Entre octubre de 1986 y enero de 1987 hubo asambleas masivas, brigadas informativas y el periódico Del Chayote. Culminaron en dos marchas históricas del Casco de Santo Tomás al Zócalo capitalino —21 de enero y 10 de febrero de 1987— con más de 200 mil estudiantes.
El 29 de enero de 1987 estalla la huelga en toda la UNAM. Se tomaron las instalaciones durante 19 días.
El 10 de febrero, en una sesión del Consejo Universitario en el Museo de Antropología, se suspenden las reformas y se convoca al Congreso Universitario de 1990. Es considerado el único movimiento estudiantil que ganó sin represión después de 1968.
Luis Alberto Alvarado fue parte de esas asambleas en Filosofía y Letras y de las brigadas del CEU. Su historia permite a Relato preguntar cómo se vivía la militancia desde el cuerpo y qué costos emocionales dejó en los hombres de esa generación.
La obra se presenta como lo dice su codirector Juan Carlos Franco: “una carta de amor, bastante crítica, a la UNAM”. El diálogo con Pablo González Casanova, rector de la UNAM de 1970 a 1972, es inevitable.
Defensor de la universidad pública y de su carácter gratuito y de alto nivel, González Casanova fundó el Colegio de Ciencias y Humanidades (CCH) y el Sistema de Universidad Abierta (SUA) bajo la idea de una “universidad democrática, para las mayorías, pero no de masas”. Proponía aprender a aprender, combatir los prejuicios elitistas que justificaban el cobro y entender la universidad como un sistema de autonomías articuladas.
Esa visión de la universidad necesaria —pública, gratuita, crítica y popular— es la que el CEU defendió en 1986-87 frente al primer embate neoliberal en la UNAM, y es la que Relato trae a escena 40 años después, pero ahora cruzada con la conversación actual sobre salud mental y la forma en que los hombres enfrentan o silencian su vulnerabilidad.
En escena, Vicente Carbajal, Homar Méndez, Antonio Soria, Diego Martínez Villa y Bárbara Alvarado. Con diseño de iluminación de Ileana Obregón Umaña a partir de Alita Escobedo, escenografía de Alvarado, Franco y Obregón Umaña, vestuario de Selene Bautista y música original de Gerardo Tovar, Adriano Morales e Ismael G. Salinas, con piano de Ale Sosa e interpretación a capella de Paulina Valdovinos. Teatro de la Danza Guillermina Bravo del 20 al 23 de agosto CCB/ INBAL. Detrás del Auditorio nacional.
El director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia, Joel Omar Vázquez Herrera, informó este viernes durante La Mañanera del Pueblo que 3.8 millones de personas han visitado seis exposiciones sobre el patrimonio cultural y arqueológico de México presentadas en Europa y Asia.
Las exposiciones forman parte de la iniciativa “México en el mundo”, impulsada por la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Antropología e Historia, con el objetivo de difundir la riqueza de los pueblos originarios, las civilizaciones prehispánicas, fortalecer vínculos culturales internacionales y acercar piezas arqueológicas a nuevas audiencias.
En España se presentó “La mitad del mundo. La mujer en el México indígena”, exhibida entre 2025 y 2026 en cuatro recintos de Madrid, donde reunió a 375 mil visitantes. En Francia, la muestra “Mexica. Regalos para los dioses del Templo Mayor”, montada en 2024 en el Musée du Quai Branly-Jacques Chirac de París, atrajo a 200 mil personas.
En China se concentró el mayor número de asistentes. “Jaguar, tótem de Mesoamérica”, presentada en 2024 en sedes de Henan, Liaoning y Chengdú, alcanzó 1.2 millones de visitantes. “Mayas: ceiba y cosmos”, itinerante entre 2025 y 2026 por Beijing, Henan y Hebei, sumó 1.5 millones de personas. “Mesoamérica antigua: naturaleza y arte”, exhibida en Beijing durante 2026, registró 200 mil asistentes, mientras que una exposición adicional en el Museo de Shanghái aportó alrededor de 300 mil visitas más.
Estas cifras suman el total de 3.8 millones de asistentes reportado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia. Las exposiciones incluyen piezas representativas de culturas como la olmeca, teotihuacana, maya y mexica.
El director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia, Joel Omar Vázquez Herrera, destacó que estas iniciativas permiten mostrar “la grandeza del patrimonio cultural mexicano” en el exterior y forman parte de la estrategia más amplia que busca promover la repatriación de piezas arqueológicas mexicanas que se encuentran en el extranjero.
De Daniel Castro Zimbrón, a partir de la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández; El delirio de poder y la violencia de los marginados como una metáfora del dolor de la relación padre e hija.
En los 40, Pedro Armendáriz padre en La noche avanza (1951) de Roberto Gavaldón fue la sombra moral de la ciudad. En los 70, el cine de ruptura nos dio a sus dos figuras clave: Alejandro Parodi en Llámenme Mike (1979), un policía amnésico que solo volviéndose loco podía hacer justicia, y Pedro Armendáriz Jr. como Héctor Belascoarán Shane, el detective que leía y perdía. En esa línea directa se coloca Cipriano Zuzunaga, protagonista de “Tus dos muertos”.
La película es adaptación de la novela negra “Tus dos muertos” (Alfaguara, 2016) de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Gudiño creó a Zuzunaga como un antihéroe serial, un personaje que viene de antes y sigue después, y eso se siente: ya llega cargado de mañas, deudas morales y relaciones podridas con el sistema.
La premisa es brutalmente mexicana: Investigar delitos en México parece un sinsentido; salvo que la víctima sea alguien poderoso, como el hijo de un candidato. Zuzunaga es un policía al límite de la razón, como todo lo marginal e institucional. Cobra plazas, extorsiona, sobrevive. Pero su verdadero expediente son sus pendientes familiares.
Castro Zimbrón entiende que el noir no es un género, es una forma de mirar. Alto contraste, noche perpetua, siluetas recortadas, la ciudad como viñeta. Neones que sangran, sombras que se comen los rostros, la violencia estilizada como trazo grueso. Los marginados no son un realismo sucio, son arquetipos trágicos iluminados a contraluz. Y en este caso, el aterrizaje es totalmente afortunado. Aquí es donde la película conecta con una tradición poco explorada: el policía que alucina. El antecedente directo es el propio Mike de Llámenme Mike. Zuzunaga entra en esa genealogía. No alucina por droga, alucina por dolor. Ve a su hija donde no está, escucha voces de un caso que es su propia conciencia.
El reparto femenino es clave y es donde la película encuentra su resonancia trágica. Myriam Bravo, Ofelia Córdova y Camila Calónico integran una suerte de corifeo trágico. Encarnan distintas miradas que parecieran reproducir la imagen de la misma mujer: todas atrapadas y es importante esa analogía, porque hace visible que la herida es una sola y se repite.
La presencia de la ausencia de otra mujer es la que estructura todo; lejana, en esa cápsula afuera y aparentemente a salvo. Esa ausencia es el centro moral de la película. Todo lo que Zuzunaga hace es para alcanzar a esa voz que está fuera de su alcance. La edición de sonido a triple registro en lo básico incidental de la sorpresa, más lo alucinatorio como situación, nos da además carecteriologías aisladas de los espacios dotando de profundidades de inevitabilidad a la historia. Dirigida por Daniel Castro Zimbrón y producida por Varios Lobos en coproducción con España, está protagonizada por Gerardo Trejoluna como Zuzunaga y Brontis Jodorowsky como Arcángel.
Extraordinaria que no hay blanqueamiento en las caracterizaciones ni un acercamiento edulcorado de la pobreza. El México marginal no es pintoresco sino manchado deslavado o residual, es una maquinaria de supervivencia donde cada favor se cobra con cuerpo.
Brontis Jodorowsky hace un trabajo sumamente complejo por las distintas tensiones que reprime en Arcángel. También como personaje deja una interesante posibilidad como paradigma a futuro, pues en la saga literaria, Arcángel está presente.
Gerardo Trejoluna se muestra como el espléndido actor de corporalidades y mundos internos abismales que es; Una actuación de antología para no variar tratándose de él; referencial.
Bellísimo ver a cuadro en una de sus últimas apariciones, al Maestro Juan de la Loza. ** Fundamental apoyar al cine de manufactura nacional, más cuando representa un trabajo de enorme calidad como este, entretenimiento de primer orden.**
Tus dos muertos De Daniel Castro Zimbrón. Basada en la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Con Gerardo Trejoluna, Brontis Jodorowsky, Alexis Ayala, Juan Daniel García Treviño, Myriam Bravo, Ofelia Córdova, Camila Calónico y José Sefami
En el marco de la conmemoración del centenario del natalicio de Fidel Castro Ruz, nacido el 13 de agosto de 1926, la plataforma MX Nuestro Cine estrenó la serie documental México y Cuba en el tiempo. Reflexiones sobre Fidel, dirigida por el realizador mexicano Eduardo Flores. La serie se transmite desde el jueves 13 de agosto a las 20:00 horas por la señal 22.2, por streaming y a través de las redes sociales de MX Nuestro Cine y Canal 22.
Con siete entregas que cierran el 19 de agosto (y que se espera en breve se han retransmitido por distintos canales a nivel nacional) , la producción propone un recorrido íntimo y coral por la vida, el ideario y la trascendencia del líder de la Revolución Cubana, a partir de testimonios únicos de quienes lo conocieron, colaboraron con él o crecieron bajo la influencia de su proyecto político y cultural. No se trata de una biografía lineal, sino de una serie de reflexiones cruzadas entre México y Cuba, dos países cuya historia compartida marcó el siglo XX latinoamericano.
El primer capítulo abrió con el trovador Amaury Pérez, una de las voces más emblemáticas de la nueva trova, quien habló del papel de la cultura como columna vertebral del proceso revolucionario y del renacer artístico que vivió Cuba después de 1959. El segundo episodio reunió a dos amigos de la etapa universitaria de Fidel en La Habana: el periodista Max Lesnik, figura histórica del exilio cubano radicado en Miami, y el cineasta Alfredo Guevara, fundador del ICAIC. Ambos evocaron al joven líder universitario impregnado del ideario martiano de soberanía nacional y antiimperialismo.
El tercer capítulo, centrado en los orígenes de la Revolución, contó con el testimonio del general en retiro Fabián Escalante, quien encabezó el Departamento de Seguridad del Estado entre 1976 y 1988 y fue uno de los hombres encargados de proteger la vida de Fidel. Escalante recordó el discurso del 8 de enero de 1959, a su entrada en La Habana, como el momento en que se hizo evidente que comenzaba una transformación profunda, irreversible, para la isla.
La serie continúa con una entrega dedicada al deporte como proyecto de emancipación, con los campeones olímpicos Alberto Juantorena y Javier Sotomayor, quienes narraron cómo la Revolución influyó en su formación atlética y en su vínculo personal con Fidel. El quinto capítulo aborda uno de los episodios más dramáticos de la relación Cuba-Estados Unidos en los años noventa: el caso de Elián González, el niño balsero, junto a su padre Juan Miguel González, quienes relatan su encuentro con Fidel y la operación política y humana que permitió el regreso del niño a la isla.
Los dos episodios finales vuelven a la mirada de Escalante para desentrañar las estrategias de seguridad y los cientos de atentados organizados contra Fidel, y cierran con Abel Prieto, intelectual y director de Casa de las Américas, para reflexionar sobre la vida cultural cubana contemporánea y el legado del pensamiento fidelista en las artes.
Como parte del homenaje, el ciclo incluye la proyección de Mi hermano Fidel (1977), el emblemático documental del realizador Santiago Álvarez, fundador del Noticiero ICAIC Latinoamericano, una pieza clave para entender la dimensión humana del líder cubano vista desde el cine militante.
La serie, producida de manera independiente por el estudio MX Nuestro Cine, ha tenido eco en medios nacionales e internacionales como La Jornada, Cubadebate, Telesur y Radio Habana Cuba, que han destacado su valor testimonial en el contexto del centenario. CUBA FRENTE AL BLOQUEO
El estreno del serial coincide con el anuncio del nuevo proyecto del director Eduardo Flores: Cuba frente al bloqueo, cuyo largometraje documental se titula Vivir Bloqueado.
Se trata de una investigación independiente que se propone contar la extraordinaria historia de cómo una isla caribeña ha sobrevivido a más de 60 años de bloqueo y se mantiene en pie. El proyecto no busca construir un discurso unilateral, sino explorar cómo esta política —llamada “bloqueo” en el discurso cubano por sus efectos prácticos, y “embargo” en el marco jurídico estadounidense— se ha convertido en un factor central en la vida económica y social de la isla.
Según la sinopsis del proyecto, el embargo constituye una compleja red de leyes y resoluciones impuestas por Estados Unidos que busca detener, mediante duras sanciones, toda actividad económica de la isla con cualquier otro país o entidad, pues sus efectos y alcances son extraterritoriales. Muchos gobiernos y organismos internacionales lo han calificado de ilegítimo e ilegal. Tras más de seis décadas, se ha configurado un escenario complejo que exige distinguir entre sus dimensiones legales, sus impactos operativos y las interpretaciones políticas que acompañan cada término.
El documental se define como un proyecto independiente, de investigación, sin fines partidistas y sostenido por el apoyo voluntario y alianzas ciudadanas, con el objetivo de que voces invisibilizadas encuentren espacio y de preservar el sentido humano del tema.
Las personas interesadas en conocer y apoyar esta nueva producción pueden hacerlo a través del sitio oficial del proyecto:
Un proyecto que continúa la línea de trabajo de Flores sobre la memoria compartida entre México y Cuba, ahora desde la perspectiva del presente y de la resistencia cotidiana frente al cerco económico más prolongado de la historia contemporánea.
El primer actor, director y gestor salvadoreño Omar Renderos presenta en México su unipersonal “Más allá de la Nostalgia”, proyecto con el que celebra tres décadas de trabajo continuo en las artes escénicas de Centroamérica.
La obra es ganadora del VII Festival Hispanosalvadoreño del Centro Cultural de España en El Salvador y se estrenó en octubre de 2025 en La Galera Teatro & Cocina, en San Salvador, espacio fundado y dirigido por el propio Renderos y que ha funcionado como laboratorio de creación, residencia y cocina cultural.
Desde entonces, ha realizado un circuito por el triángulo norte de Centroamérica, con presentaciones en Antigua Guatemala en Casa del Río, en el Teatro Luis Poma en San Salvador como parte del ciclo Acto II de Dramaturgia Salvadoreña, y en Honduras, dentro de la programación de los Centros Culturales de España en la región.
En 2026, su Gira: México, incluye seis presentaciones entre Ciudad de México y Guadalajara.
Un árbol genealógico de la memoria
Más allá de la Nostalgia es un unipersonal autobiográfico que revisita la infancia del creador en Santa Ana, El Salvador, y los personajes, boleros, calles y ausencias que han marcado sus 30 años de teatro.
En exclusiva, Omar Renderos nos comparte:
“Es una oda a mis treinta años de teatro. Un árbol genealógico que ramifica su propia memoria para reconstruirse a sí mismo. Un recuerdo, un silencio que aturde, unas calles de mi infancia donde habita los sueños que Omar necesita soñar para estar en lo efímero que es el arte y la vida”.
“El testimonio íntimo de un actor que revive los sucesos que marcaron su historia desde su infancia en la histórica Santa Ana. Entre boleros, recuerdos y personajes íconos de sus 30 años de teatro, se confrontan soledad, miedo y vacío, pero también la templanza que sostiene la vida frente al dolor. Un viaje poético del yo-ser, sin tabúes ni prejuicios”.
“Es que la Nostalgia no es sinónimo de tristeza. Es un aliento que se corta un instante y nos lleva a sitios de recuerdos, sitios, momentos de la vida que nos hace redefinirnos”.
“Representa un hermoso diálogo con todo lo simbólico que estoy sensorializando en cada momento que México me recibe con seres de amor. Abriendo un espacio íntimo y brindándome calma a mi estancia”.
La producción audiovisual de la obra está a cargo de Theo Lovo.
Gira México 2026: cuatro teatros, dos ciudades
De acuerdo con el creador, la ruta mexicana está pensada como un diálogo con espacios de distintos contextos:
“En agosto, la ciudad de México me recibe. Seis veces, más allá de la nostalgia. Desde el Teatro Varsovia en la Zona Rosa, hasta Santa Tere Teatro de Barrio en Guadalajara. Cada escenario guarda memoria, resistencia y comunidad”.
La gira incluye presentaciones en el Teatro Varsovia, en espacios comunitarios de Iztapalapa y en Guadalajara.
Utopía Meyehualco, Iztapalapa Sábado 15 de agosto de 2026, 13:00 y 16:00 h. Auditorio Utopía Meyehualco; Entrada libre.
Esta presentación se realiza dentro de la red de Utopías de la Alcaldía Iztapalapa. Inaugurada en 2021, la Utopía Meyehualco es un complejo cultural y deportivo de gran escala que ofrece actividades gratuitas. Su auditorio se ha consolidado como foro para espectáculos y encuentros comunitarios. Para la gira, significa llevar el teatro autobiográfico centroamericano a un público amplio y familiar.
En “El vicio” El espacio ubicado en Madrid 13, en Coyoacán, fue fundado por Salvador Novo como Teatro La Capilla, posteriormente fue El Hábito, proyecto de Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, y actualmente opera como Teatro Bar El Vicio, gestionado por la compañía Las Reinas Chulas. Es sede del Festival Internacional de Cabaret. En este foro, Renderos realiza su función de cierre.
“Tras la travesía mexicana, mi unipersonal retorna a su espacio de creación: La Galera Teatro & Cocina, del 21 al 30 de agosto. Un regreso cargado de muchas imágenes y emociones llevadas desde 4 emblemáticos teatros de Ciudad de México y Guadalajara”.
Regreso a El Salvador
Tras México, “Más allá de la Nostalgia” retorna a La Galera Teatro & Cocina, en San Salvador, donde ofrecerá funciones los días : 21, 22, 23 y 28, 29, 30 de agosto. Viernes y sábado 20:00 h, domingo 17:00 h. Entrada $10. Reservaciones: 7593-2542.
Más allá de la Nostalgia Autor e intérprete: Omar Renderos – 30 años de teatro
En la conmemoración por el 147 aniversario del natalicio del general Emiliano Zapata Salazar, la gobernadora de Morelos, Margarita González Saravia, encabezó en Anenecuilco, municipio de Ayala, la presentación de dos exposiciones en el Museo Casa Zapata.
Acompañada de autoridades, investigadores y habitantes de la comunidad, la gobernadora del Estado de Morelos, Margarita González Saravia, recorrió la muestra “En Morelos hasta las piedras son zapatistas”, integrada por 79 fotografías contemporáneas que documentan diversas expresiones de la presencia de Emiliano Zapata en el imaginario colectivo, desde el arte urbano, a través de grafitis, murales, esculturas, pinturas y manifestaciones de la cultura popular.
La exposición propone una reflexión sobre la permanencia de los ideales vinculados con el movimiento zapatista: reforma, libertad, justicia y ley.
La gobernadora Margarita González Saravia visitó la Sala Lucino Luna, de carácter prehispánico, que reúne objetos recolectados por habitantes de Anenecuilco vinculados con los orígenes de la comunidad. En la ceremonia se rindió homenaje a Lucino Luna Domínguez, guardián y custodio del recinto, cuya labor a lo largo de los años ha contribuido a conservar objetos, relatos y testimonios que forman parte de la historia de Anenecuilco.
Como parte de los actos por el aniversario, se llevó a cabo la ceremonia conmemorativa en la que se entregó la Medalla Emiliano Zapata 2026, distinción que cada año reconoce a personas cuyas aportaciones contribuyen al desarrollo agropecuario, la investigación, innovación, preservación cultural y difusión del legado histórico del General.
La gobernadora Margarita González Saravia sostuvo que uno de los objetivos de su administración es impulsar el desarrollo del sector agropecuario, generando mejores condiciones para las mujeres y hombres que diariamente trabajan la tierra.
