El reconocido actor estadounidense falleció a los 95 años en su hogar de Virginia, acompañado de su familia. Su esposa confirmó que murió en paz.
El aclamado intérprete murió la noche del domingo a los 95 años en su casa de Middleburg, Virginia. La noticia fue dada a conocer por su esposa, Luciana Duvall, quien informó que el actor estuvo rodeado de sus seres queridos en sus últimos momentos.
“Ayer dije adiós a mi amado esposo, queridísimo amigo y uno de los mayores actores de nuestro tiempo. Bob falleció en paz en su hogar”, expresó en un comunicado, confirmando así el deceso del histrión.
Con más de seis décadas de trayectoria, Duvall construyó una carrera sólida en el cine estadounidense, participando en producciones que marcaron época y consolidándose como uno de los actores más influyentes de su generación.
La nueva ley sustituirá a la de 1992 y cambia la base estratégica comercial por un enfoque de derechos culturales, por lo que refuerza el 10% de exhibición con 14 días mínimos en cartelera, regula el streaming, protege el doblaje ante la IA y garantiza el fomento y el resguardo del patrimonio bajo la Cineteca Nacional.
Después de más de 30 años de vigencia de la ley de 1992, México redefine las reglas del sector cinematográfico con una legislación que busca corregir desajustes en la exhibición y el financiamiento. Mientras la ley de 1992 visualizaba al cine principalmente como industria y mercancía, la nueva norma incorpora un enfoque de derechos culturales, reconociendo el acceso a contenidos nacionales como parte de la vida cultural del país.
El giro es relevante, puesto que se trata de pasar de un modelo centrado en el mercado a uno que coloca en el centro a las audiencias, creadores y trabajadores. Este cambio reestructura las obligaciones del Estado y de los agentes del mercado, marcando una gran diferencia con la Ley de 1992, principalmente en los siguientes puntos:
Refuerzo de exhibición en salas comerciales En la normativa anterior se exigía el 10% de tiempo en pantalla para cine mexicano; sin embargo, los informes anuales facilitaban que esa cuota se moviera a horarios desfavorables y sin permanencia garantizada. La nueva ley mantiene el 10%, a diferencia de que lo refuerza con 14 días de exhibición continua obligatoriamente, evitando retiros anticipados y buscando asegurar visibilidad frente al dominio de producciones extranjeras.
Plataformas de streaming. La legislación de 1992 no contemplaba regulación para servicios digitales en aquel momento. La nueva norma obliga a las plataformas a incluir una sección visible y permanente dedicada al cine y audiovisual mexicano, incorporando al entorno digital dentro de las responsabilidades culturales del sector.
Enfoque y derechos culturales. Antes, el fundamento estaba centrado en la obra como producto industrial. Ahora, la ley se basa en derechos culturales, impulsa la diversidad, promueve producciones diversas culturalmente y reconoce el registro audiovisual como un bien público. Resalta el derecho de las audiencias a consumir contenido local y el deber institucional de fomentarla.
Protección al doblaje. La ley de 1992 no otorgaba un reconocimiento específico a este sector. La nueva ley reconoce la voz humana como recurso artístico y protege a los actores de doblaje ante el uso de Inteligencia Artificial sin consentimiento, estableciendo medidas de protección laborales ante el sistema tecnológico.
Patrimonio y memoria audiovisual. Anteriormente había menor control formal sobre el patrimonio, la nueva ley establece obligatoriamente conservar, restaurar y digitalizar el archivo fílmico, con responsabilidad clara en el resguardo y preservación, fortaleciendo la labor de la Cineteca Nacional como protector de la memoria audiovisual.
Fomento y descentralización. La ley de 1992 reunía apoyos y dependía de es como modelos de fideicomisos vinculados a decisiones anuales. La nueva ley integra el fomento al presupuesto público, garantiza en ley el FOCINE, otorga mayor certeza a productores, asimismo, apuesta por descentralizar la producción a través de convocatorias específicas para pueblos originarios y comunidades afromexicanas.
La comparación revela una transformación estructural, una regulación enfocada en el sentido del mercado a un contexto legal que estructura exhibición, derechos laborales, diversidad cultural y la preservación histórica. El reto ahora será que estas diferencias se conviertan en cambios efectivos a través de las pantallas, plataformas y condiciones de producción en todo el país.
La iniciativa sustituirá al fideicomiso, priorizará el cine independiente y en lenguas originarias; garantizará exhibición en salas, incentivos fiscales y mayor presupuesto para impulsar el “nuevo cine” mexicano.
La presidenta Claudia Sheinbaum, junto a la secretaria de Cultura, Claudia Curiel, presentó la nueva Ley Federal de Cine, que reemplazará el fideicomiso para de forma transparente fomentar y respaldar las producciones nacionales cinematográficas.
Durante la “Mañanera del Pueblo”, la mandataria mexicana informó que se incrementará el presupuesto destinado al fomento cinematográfico, un respaldo que estará dirigido exclusivamente a producciones mexicanas, con énfasis en el cine independiente, proyectos en lenguas originarias y propuestas que fortalezcan la diversidad cultural del país.
La iniciativa propone que las producciones mexicanas cuenten con horarios equitativos, equidad en el fomento, resguardo histórico y una exposición de 14 días en las salas. Una propuesta que, de acuerdo a la secretaria de cultura, fue consultada con actores, actrices, directores, productores y las compañías de distribución.
La presidenta Claudia Sheinbaum también adelantó que el próximo domingo se anunciarán los nuevos incentivos fiscales y mecanismos de apoyo para fortalecer la industria, un evento que contará con la participación de Salma Hayek. Los incentivos serán definidos por una comisión que evaluará los proyectos con el objetivo de impulsar el llamado “nuevo cine” mexicano y ampliar la producción de series y películas en el país.
La visita de Salma Hayek para participar en el anuncio es en reconocimiento a su trayectoria internacional y su respaldo a la cultura mexicana, agudizó la presidenta. Recordó que el posicionamiento global de la figura de Frida Kahlo se fortaleció tras la película Frida, protagonizada y producida por la actriz.
En otro punto, la presidenta resaltó el fortalecimiento de escuelas públicas de cine, teatro y danza, ahora gratuitas. Añadió que se creará una escuela de oficios cinematográficos en la Cuarta Sección del Bosque de Chapultepec y se impulsará el Faro Cosmos, además de garantizar espacios de exhibición en plataformas digitales para asegurar que las producciones nacionales lleguen a las audiencias.
El actor enfrentaba cáncer colorrectal desde 2024; su legado rompió estereotipos sobre la masculinidad en la televisión juvenil de los 90.
El actor James Van Der Beek, protagonista de la icónica serie “Dawson’s Creek”, murió a los 48 años tras una batalla contra el cáncer colorrectal, diagnóstico que hizo público en noviembre de 2024. La noticia fue confirmada a través de su cuenta oficial de Instagram. Con su partida, la televisión pierde a uno de los rostros que redefinieron la masculinidad juvenil a finales de los años noventa.
Van Der Beek saltó a la fama en 1998 al interpretar a Dawson Leery, un adolescente soñador, cinéfilo y profundamente emocional que vivía la “tortura implacable y despiadada” del amor no correspondido. En una época dominada por personajes masculinos duros o irónicos, Dawson representó sensibilidad, vulnerabilidad y romanticismo, rompiendo esquemas en la pantalla chica.
La serie, creada por Kevin Williamson, se convirtió en un fenómeno para la cadena WB y abordó temas como el primer amor, la sexualidad, la salud mental y las diferencias de clase. Aunque algunos sectores criticaron su franqueza, el programa consolidó a Van Der Beek como un ícono generacional.
Tras seis temporadas, el actor diversificó su carrera en cine y televisión con títulos como “Varsity Blues”, “Las reglas de la atracción”, “CSI: Cyber” y “Pose”, además de reírse de su propia fama en “Don’t Trust the B—- in Apartment 23”. Incluso el famoso GIF de Dawson llorando fue asumido con humor por el propio actor.
Nacido el 8 de marzo de 1977 en Connecticut, Van Der Beek inició su carrera en el teatro antes de conquistar Hollywood. En 2019 reveló públicamente la pérdida de un embarazo junto a su esposa, Kimberly Brook, con quien tuvo seis hijos: Olivia, Joshua, Annabel, Emilia, Gwendolyn y Jeremiah. Durante su enfermedad, subastó objetos de “Dawson’s Creek” para solventar gastos médicos.
En una de sus últimas entrevistas aseguró que su diagnóstico era “un viaje de amor propio”. Hoy, su legado permanece como símbolo de una generación que aprendió que los hombres también pueden llorar frente a la cámara.
Catherine O’Hara, la querida actriz detrás de Beetlejuice y Mi pobre angelito, murió a los 71 años, dejando un legado imborrable en cine y televisión que marcó a generaciones con su humor, carisma y talento.
La icónica actriz Catherine O’Hara, reconocida por sus memorables papeles en Beetlejuice y Mi pobre angelito (Home Alone), falleció a los 71 años, confirmaron medios y fuentes de la industria del entretenimiento. La noticia de su muerte este 30 de enero, generó conmoción entre fans, colegas y audiencias de todo el mundo, marcando el adiós de una figura emblemática de la comedia en cine y televisión.
O’Hara construyó una carrera de más de cinco décadas en la pantalla, destacándose por su versatilidad y su distintiva presencia cómica. Al público global se le quedó grabada como Kate McCallister,la mamá de Kevin en “Mi pobre angelito”, así como por su participación como Delia Deetz en la clásica “Beetlejuice” y su secuela. También fue aplaudida por su trabajo en la serie Schitt’s Creek, papel que le valió un Premio Emmy en 2020, y por su participación en producciones como Best in Show, A Mighty Wind y The Nightmare Before Christmas.
Originaria de Toronto, Canadá, O’Hara inició su carrera en la comedia y el teatro antes de incursionar en televisión y cine, convirtiéndose en una de las comediantes más queridas de su generación. Su labor abarcó desde la actuación hasta la escritura, con múltiples reconocimientos que celebraron su ingenio y creatividad. Además de sus éxitos cinematográficos, participó en diversas series y proyectos que ampliaron su legado entre distintas generaciones de espectadores.
El anuncio de su muerte ha provocado una ola de tributos y mensajes de admiración en redes sociales y medios, donde muchos recuerdan su aportación al entretenimiento familiar y su capacidad para generar risas y emoción. Aunque las causas de su fallecimiento aún no han sido precisadas, su legado artístico permanece vivo en las historias y personajes que ayudó a construir, inspirando a comediantes, actores y cinéfilos alrededor del mundo.
La primera Noche de Museos de 2026 convirtió a la Ciudad de México en un gran escenario cultural con cabaret, jazz, rock, cine, talleres y exposiciones.
La primera Noche de Museos de 2026 inició con una agenda diversa y vibrante en la Ciudad de México, donde recintos culturales, museos y espacios comunitarios abrieron sus puertas con cabaret, jazz, rock, cine, talleres, ciencia y exposiciones, convirtiendo la noche en una gran fiesta cultural para públicos de todas las edades.
Entre las actividades más destacadas, el Congreso de la Ciudad de México se transformó en escenario con el espectáculo “Las Reinas Chulas toman el Congreso”, llevando humor y sátira política a un edificio histórico. En Iztapalapa, la Utopía Teotongo ofreció una Noche de Museos bajo las estrellas con observaciones astronómicas, taller para dibujar alebrijes y cine familiar con Kung Fu Panda, mientras que la Casa Galván UAM combinó una visita guiada especial con música en vivo.
La música fue protagonista en distintos puntos de la capital: el Palacio Postal vibró con jazz y circo, además de un concierto de Cuarto Blues; el Museo Nacional de las Culturas del Mundo recibió al público con rock instrumental japonés a cargo de Suguru Iida; el Museo del Perfume mezcló jazz, historias y aromas, permitiendo incluso crear una colonia personalizada; y el Museo de la Ciudad de México combinó historia y rock en una velada singular. También hubo conferencias, recorridos y presentaciones editoriales en espacios como el Claustro de Sor Juana, Chapultepec, el Museo del Estanquillo, el Museo de la Mujer y diversas Utopías.
En el marco de esta primera Noche de Museos del año, el Museo Nacional de la Revolución inauguró la exposición “Revolución: Latido y Movimiento”del artista David Camorlinga Tagle, una muestra escultórica que reúne 25 piezas en bronce y acero y propone entender la Revolución como un proceso vivo y personal. Con acabados en espejo que integran al espectador como parte de la obra, la exposición invita a reflexionar sobre la transformación colectiva e individual y permanecerá abierta durante todo febrero, consolidando el comienzo de 2026 como un año de intensa vida cultural nocturna en la capital.
Nintendo e Illumination mostraron el primer tráiler de The Super Mario Galaxy Movie, que confirma la llegada de Yoshi al universo cinematográfico de Mario. La película se estrenará en abril de 2026 y estará inspirada en Super Mario Galaxy.
Nintendo e Illumination presentaron el primer vistazo oficial de The Super Mario Galaxy Movie, secuela animada que marca el regreso de Mario y Luigi a la pantalla grande. El avance confirma, por primera vez, la aparición cinematográfica de Yoshi, uno de los personajes más emblemáticos de la franquicia.
En el tráiler, Mario (Chris Pratt) y Luigi (Charlie Day) exploran un templo antiguo para desatascar una tubería oculta. Tras recorrer una mazmorra subterránea, encuentran a Yoshi entre los escombros, en una escena que marca su debut dentro de esta saga y apunta a que será un aliado clave.
New galaxies. New friends. Yoshi joins the adventure. The Super Mario Galaxy Movie is only in theaters April 1. pic.twitter.com/w60ChVU64Q
La historia estará inspirada en Super Mario Galaxy (2007), lo que anticipa una aventura de mayor escala, con escenarios espaciales y templos antiguos. La dirección vuelve a manos de Aaron Horvath y Michael Jelenic, responsables de la película de 2023.
El reparto principal regresa con Jack Black como Bowser y Anya Taylor-Joy como Peach, a quienes se suman Benny Safdie como Bowser Jr. y Brie Larson como Rosalina. La cinta buscará igualar el éxito de The Super Mario Bros. Movie, que recaudó 1,360 millones de dólares y se mantiene entre las animadas más taquilleras de la historia.
Disney se ha posicionado en traer secuelas, como Zootopia 2, mientras que su competencia, Sony, busca llevar nuevas historias a las pantallas y ahora lo hace con Goat.
Goat, película de Sony Pictures, es una historia que toma como protagonista a una pequeña cabra con grandes sueños, en esta próxima entrega los animales silvestres actúan como humanos en una sociedad similar a Zootopia.
Recientemente Zootopia estrenó su secuela, la cual ha sido bien recibida por parte de la audiencia, sin embargo, en las premiaciones es opacada por Las Guerreras K-Pop, del mismo estudio que realizó Spider-Man Across the Spider-Verse. Ahora, con su nuevo proyecto, Goat, se aviva la llama de la pelea entre las producciones por quien consolida el mejor universo de películas de fauna silvestre.
Ya comenzaron las críticas, las cuales fueron desatadas por su doblaje, lo que se debe a a que han añadido un gran número de stary talents, entre los que resaltan Carolina Diaz, Bárbara de Regil, Erika Buenfil, Daniel Sosa, Fanny Lu y Gianella Neyra.
A pesar de ello se encuentran voces de gente experimentada como Ricardo Mendoza “El Coyote”, quien ha dado voz a Coraje en Coraje el perro Cobarde, Eddy en Ed, Edd y Eddy, y Alicia Barragan quien da vida a Chilli Heeler en Bluey, así como a Namaari en Raya y el Último Dragón.
Columbia Pictures y Sony Pictures Animation, en asociación con Unanimous Media y Modern Magic, está apostando por contar nuevas historias, a diferencia de Walt Disney que trae secuelas, como los casos de Zootopia 2, Moana 2, Toy Story 5.
La cinta protagonizada por Timothée Chalamet no solo rompió récords para A24, también redefinió el marketing cinematográfico al convertir su promoción en un espectáculo participativo donde la moda, la música y la estética viral fueron tan importantes como la historia.
“Marty Supreme” llegó a los cines, pero mucho antes ya se había instalado en la mente colectiva. Dirigida por Josh Safdie y protagonizada por Timothée Chalamet como Marty Mauser un vendedor de zapatos convertido en improbable estrella del ping pong en los años 50, la película se transformó en un caso de estudio sobre cómo vender una idea antes que un producto.
Una campaña que evitó lo obvio
A24 decidió alejarse de los tráileres tradicionales y las entrevistas nocturnas. En su lugar, construyó una narrativa paralela: livestreams, estética reconocible, filtraciones “accidentales” y experiencias urbanas.
Chalamet encabezó un stream de ping pong con más de 40 mil espectadores, apareció rapado sin explicación previa y convirtió cada movimiento en contenido viral.
La audiencia dejó de ser espectadora pasiva para volverse parte del lanzamiento. El marketing no acompañó a la película: la anticipó, la explicó y la amplificó.
El color naranja y la obsesión estética
Uno de los símbolos más claros fue el color naranja. Chalamet impulsó la idea de sustituir el blanco tradicional de las pelotas de ping pong por naranja para hacerlas más visibles. De ahí, el color se expandió: vestuario, apariciones públicas, familiares, pareja y elenco. Incluso circuló una carpeta titulada “MARTY GREAT IDEAS”, donde se proponía medio en broma, medio en serio, pintar de naranja la Estatua de la Libertad o llenar la Torre Eiffel de pelotas.
La estética fue simple, reconocible y replicable. Justo lo que las redes sociales necesitan.
La chaqueta que desató multitudes
El punto más tangible del fenómeno fue la chaqueta “Marty Supreme”. Un rompevientos vintage de inspiración noventera, resultado de la colaboración entre Doni Nahmias, Chalamet, su estilista Taylor McNeil y A24. Esta pieza de mod es totalmente exclusiva y solo algunos afortunados pudieron obtenerla. Su costo inicial era de 250 dólares, (4 mil 340 pesos mexicanos). Actualmente se puede encontrar esta chaqueta en reventa en exorbitantes precios, incluso rebasando los 200 mil pesos mexicanos.
En noviembre de 2025, Chalamet publicó únicamente su ubicación. Bastó eso para que cientos de personas se congregaran en una tienda de SoHo, Nueva York. El resultado: más de 743 mil menciones y 61 millones de interacciones en redes sociales. Escasez, exclusividad y pertenencia emocional, todo en una sola prenda.
Música, confusión y cultura digital
La campaña también cruzó al terreno musical. Durante meses, en redes se especuló que el misterioso rapero inglés Esdeekid era en realidad Timothée Chalamet bajo un alter ego. La teoría se sostuvo hasta que ambos publicaron una canción juntos, confirmando que no eran la misma persona, pero sí parte del mismo universo creativo.
El tema terminó de cerrar el círculo: cine, moda, música y narrativa compartida. No importaba si habías visto la película; ya estabas dentro del fenómeno.
Más que una película
“Marty Supreme” presume 93% de aprobación de la crítica en Rotten Tomatoes, premios al guion y a Chalamet, y una conversación constante en redes. Sin embargo, su mayor logro fue demostrar que el marketing puede funcionar como performance cultural.
El actor y cantante estadounidense Will Smith fue demandado en EUA por el violinista Brian King Joseph, quien lo acusa de acoso sexual, represalias y despido injustificado durante la gira musical de 2025; la defensa del artista rechaza todas las imputaciones.
El actor y cantante estadounidense Will Smith fue demandado en EUA por el violinista Brian King Joseph, quien formó parte de su más reciente gira musical. La denuncia incluye señalamientos por acoso sexual, represalias laborales y despido improcedente, hechos que el intérprete niega de manera categórica.
La acción legal fue presentada esta semana y también incluye como demandada a la empresa Treyball Studios. En el documento, Joseph acusa a Smith de mantener un comportamiento depredador y de generar un entorno que, de acuerdo con la querella, buscaba facilitar una mayor explotación sexual durante la gira titulada Basada en una historia real: 2025.
Entre los episodios descritos destaca una irrupción sospechosa en la habitación de hotel del músico, luego de que su llave permaneciera extraviada por varias horas. Al regresar, encontró objetos y una nota que interpretó como una advertencia de un posible encuentro sexual no consentido, situación que fue reportada tanto a la policía como al equipo del artista.
Pocos días después del incidente, Joseph asegura que fue humillado y despedido, bajo el argumento de que había inventado los hechos. A raíz de ello, afirma haber sufrido trastorno de estrés postraumático, además de daños económicos y profesionales, por lo que solicita que un jurado determine una compensación.
Por su parte, el abogado de Will Smith calificó las acusaciones como falsas, infundadas e imprudentes, y adelantó que utilizarán todos los recursos legales disponibles para defender al actor y esclarecer los hechos ante las autoridades.
