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Etiqueta: Rock

  • Seis minutos que desafiaron a la radio y cambiaron el rock

    Seis minutos que desafiaron a la radio y cambiaron el rock

    Queen publicó en 1975 una canción de casi seis minutos que la industria no quería y que el público convirtió en leyenda.

    Un día como hoy, pero de 1975, Queen lanzó “Bohemian Rhapsody” en el Reino Unido. Han pasado 51 años y el tema sigue sonando en fiestas, estadios y coches de todo el mundo.

    Freddie Mercury escribió la canción y le dio una forma poco común. El tema mezcla balada, ópera y rock duro en seis secciones distintas. Además, dura cinco minutos con 55 segundos, mucho más de lo habitual en esa época.

    Por eso, la disquera EMI dudó. La empresa prefería lanzar “You’re My Best Friend” como primer sencillo del disco “A Night at the Opera”. Los directivos temían que ninguna emisora programara un tema tan largo.

    El público decidió otra cosa. Los radioescuchas llamaron sin parar a las radios y a las tiendas de discos para pedir la canción, y la disquera cedió. El sencillo salió el 31 de octubre, tres semanas antes del álbum.

    Las cifras hablan solas. El sencillo subió del puesto 47 al primer lugar en cuatro semanas y se quedó nueve semanas en la cima del Reino Unido. Además, vendió más de un millón de copias antes de terminar enero de 1976. Queen también grabó un video promocional que muchos expertos consideran pionero.

    La canción conquistó después al público de Estados Unidos. Llegó al noveno lugar de la lista y, en 1992, volvió a escalar hasta el segundo puesto gracias a la película “Wayne’s World”.

    Hoy, 51 años después, miles de personas todavía cantan cada parte a gritos, desde el piano suave del inicio hasta el rock final. Mercury murió en 1991, pero su voz sigue viva cada vez que alguien sube el volumen y se anima a cantar.

  • 57 años de ‘Ummagumma’: el álbum más experimental de Pink Floyd

    57 años de ‘Ummagumma’: el álbum más experimental de Pink Floyd

    Este 25 de octubre se cumplen 57 años del lanzamiento de Ummagumma, uno de los álbumes más experimentales y arriesgados de Pink Floyd. Entre improvisaciones psicodélicas, composiciones abstractas, experimentación sonora y estructuras poco convencionales, el disco doble documentó una etapa en la que la banda británica exploró los límites del rock sin preocuparse demasiado por las fórmulas comerciales. 

    Publicado en 1969, Ummagumma apareció como un álbum doble dividido entre grabaciones en vivo y material de estudio. El primer disco captura versiones extendidas de temas como “Astronomy Domine”, “Careful with That Axe, Eugene” y “A Saucerful of Secrets”, donde Pink Floyd transforma el rock psicodélico en largos pasajes de tensión, atmósferas espaciales y exploraciones instrumentales. Más que reproducir fielmente sus canciones, la banda aprovecha el escenario para llevarlas hacia terrenos más intensos e impredecibles.

    La verdadera rareza aparece en el segundo disco, donde cada integrante recibió espacio para desarrollar sus propias ideas musicales. Richard Wright construyó el viaje experimental de “Sysyphus”; Roger Waters combinó la serenidad pastoral de “Grantchester Meadows” con el collage sonoro de “Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict”; David Gilmour exploró distintas texturas de guitarra en “The Narrow Way”, y Nick Mason convirtió la percusión en el eje de “The Grand Vizier’s Garden Party”. El resultado es una colección de sonidos, ruidos, instrumentos y estructuras que se aleja deliberadamente de las convenciones de una canción tradicional. 

    Precisamente esa libertad convierte a Ummagumma en uno de los trabajos más divisivos de la discografía de Pink Floyd. Su carácter experimental también produce pasajes difíciles, abstractos e incluso desconcertantes, especialmente en las composiciones individuales, que no siempre alcanzan una cohesión plena. Sin embargo, esa falta de uniformidad forma parte de su importancia como documento de una banda que todavía estaba descubriendo hasta dónde podía llevar su música, antes de consolidar el sonido más estructurado de álbumes posteriores como Meddle y The Dark Side of the Moon.

    57 años después, Ummagumma permanece como una muestra excepcional de la faceta más audaz, psicodélica y vanguardista de Pink Floyd. No es el disco más accesible de la banda, pero sí uno de los que mejor exhiben su voluntad de experimentar con el sonido, la forma y la composición. En lugar de buscar una obra uniforme, Pink Floyd apostó por un laboratorio musical que concentra la curiosidad de su faceta más exploratoria.

  • Metallica ya no tiene nada qué ofrecer y aún así piden que no se hable de política

    Metallica ya no tiene nada qué ofrecer y aún así piden que no se hable de política

    Por Nathael Pérez

    James Hetfield, vocalista de Metallica, reniega ahora de la política en los conciertos, cuando la misma banda construyó parte de su legado denunciando injusticias, corrupción y los horrores de la guerra a través de su música. La hipocresía sale a flote cuando se recuerda que es la misma banda que hizo ‘And Justice for All’ en 1988…,  y que desde entonces parece que, musicalmente hablando, no tienen nada bueno qué ofrecer.

    En su residencia en la Sphere de Las Vegas, James Hetfield criticó a los músicos que utilizan sus conciertos para expresar posiciones políticas, al asegurar que Metallica no está ahí para ‘influir’ en el público con sus ideas (si es que aún les quedara algo mínimamente interesante por decir). “Metallica no está aquí, como otros artistas, para influir en ti con mierda”, dijo el 10 de octubre. Y remató: “La agenda de Metallica es amor, energía y heavy metal”, afirmó el vocalista de una banda a la que no le queda nada de energía, ya no suenan pesados desde 1991 y que al parecer lo único por lo que sienten amor es por el dinero. James Hetfiel ha llegado a la edad en la que la demencia senil parece haberle hecho olvidar que Metallica entregó sus mejores (y únicos buenos) discos hablando de guerra, injusticias, política y corrupción. 

    En los años ochenta, Metallica  en …And Justice for All (1988) criticó duramente la corrupción, la avaricia y la manipulación de la justicia; Ride the Lightning exploró la condena de un hombre inocente y el horror de la ejecución; por otro lado, Disposable Heroes, de Master of Puppets, criticó cómo los gobiernos ven a los soldados como peones desechables en una partida de ajedrez. Por ello es tan contradictorio e hipócrita que ahora Hetfield tilde de “mierda” (bullshit)  el compromiso político de otros artistas. 

    Hetfield ya había expresado esta postura antes, en 2017, cuando declaró: “Odio la política. No quiero hablar de política. […] La política y la religión separan a la gente, y yo quiero conectar a la gente con la música”. Sin embargo, no hablar de política también es una decisión política, más cuando la utilizó para cimentar una carrera. Nadie obliga a un músico a convertir cada concierto en un mitin; sin embargo sus declaraciones resultan hipócritas y contradictorias, más cuando descalifica a quienes deciden hablar de guerras, derechos humanos o injusticias cuando se encuentran ante una multitud. 

    Seamos sinceros: el último buen álbum de Metallica fue …And Justice for All y desde entonces la banda no ha vuelto a ofrecer nada bueno en casi cuatro décadas. Tenemos a un vocalista que ya no puede cantar, a un baterista que parece quedar en estado de coma tras cada compás que intenta marcar y a un guitarrista que, aun con las manos funcionales, toca como si tuviera artritis. Y ahora, encima, quieren excluir la crítica política de sus conciertos mientras siguen interpretando esas mismas canciones.

    La verdadera pregunta es: ¿por qué seguimos prestándole atención a lo que esta banda tan mediocre hace y dice?

  • 45 años de Discipline, el álbum de King Crimson que redefinió los 80’s

    45 años de Discipline, el álbum de King Crimson que redefinió los 80’s

    Por Nathael Pérez

    Un día como hoy, 22 de septiembre de 1981, King Crimson publicó Discipline, un álbum que marcó una transformación radical en la trayectoria de la banda y ayudó a definir parte del lenguaje musical que dominaría el rock de los años ochenta, al entrelazar guitarras e incorporar minimalismo.

    El 22 de septiembre de 1981, King Crimson publicó Discipline, su séptimo álbum de estudio y uno de los trabajos más importantes de su carrera. Después de haber permanecido inactiva durante varios años, la agrupación regresó con una formación conformada por Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin y Bill Bruford. Más que un regreso, el disco fue el nacimiento de un nuevo King Crimson.

    Discipline se alejó de la densidad y la experimentación asociadas con trabajos anteriores para traer un sonido basado en ritmos complejos, guitarras entrelazadas y estructuras minimalistas. La interacción entre Fripp y Belew trajo una dinámica novedosa a la banda, mientras Bruford y Levin aportaron ritmos y técnicas inusuales que alejaban al grupo de las fórmulas tradicionales del rock progresivo.

    El resultado fue un álbum que ayudó a fundamentar buena parte del sonido de los años ochenta, especialmente por su combinación de experimentación, virtuosismo y tecnología sin abandonar la estructura de una banda de rock. Canciones como “Elephant Talk”, “Frame by Frame” y “Thela Hun Ginjeet” mostraron que el progresivo podía dialogar con el new wave, el post-punk y las nuevas tendencias musicales de la época.

    Con Discipline, King Crimson demostró que podía reinventarse y adaptarse a una nueva época . El cambio de formación, la incorporación de Adrian Belew y Tony Levin y la nueva manera de componer de Fripp abrieron una etapa nueva para la agrupación.

     

  • Aleks Syntek admite frustración y busca tregua con el reguetón

    Aleks Syntek admite frustración y busca tregua con el reguetón

    Tras años de polémicas por sus críticas a la música urbana, el cantante reconoció que sus declaraciones surgieron de la frustración por la pérdida de espacios para el pop y el rock.

    El cantante mexicano Aleks Syntek reconoció que sus críticas al reguetón durante los últimos años estuvieron relacionadas con una “frustración profesional” ante la pérdida de espacios para géneros como el pop y el rock. Ahora, el músico planteó dejar atrás la confrontación y buscar una colaboración con algún exponente urbano.

    Syntek explicó que el auge de la música urbana redujo las oportunidades laborales para artistas de otros estilos y admitió que reaccionó de manera excesiva. “Dije cosas que no debí decir”, reconoció el compositor, quien sostuvo que en la música “no hay enemigos” y que es momento de conciliar entre géneros.

    El intérprete también habló del desgaste provocado por la polémica y aseguró que lleva ocho años de tensión y falta de descanso debido a la repercusión de sus declaraciones. Incluso señaló que sus comentarios le generaron conflictos personales y laborales, aunque reconoció que en reuniones familiares también termina bailando canciones de reguetón.

    Como una forma de cerrar la disputa, Aleks Syntek propuso grabar una canción con un reguetonero latino, ya sea invitando a un exponente urbano a realizar un tema pop o participando él en un proyecto de ese género. El cantante planteó la colaboración como una manera de “firmar la pipa de la paz” entre ambas corrientes musicales.

    El anuncio ocurre después de la polémica que protagonizó durante un concierto del 15 de septiembre en la alcaldía Benito Juárez, donde volvió a cuestionar el consumo de música urbana y aseguró haber recibido ataques durante años. En aquella presentación también defendió la necesidad de abrir espacio a géneros como rock, bolero, jazz, pop y música urbana, mientras pidió que la industria permita la convivencia entre distintas propuestas.

  • Paranoid, el álbum que cimentó el metal cumple 56 años 

    Paranoid, el álbum que cimentó el metal cumple 56 años 

    Por Nathael Pérez

    Un día como hoy, 18 de septiembre de 1970, Black Sabbath publicó Paranoid, el álbum que terminó de consolidar el sonido que la banda había comenzado a construir meses antes con su debut homónimo. Sus riffs pesados y atmósferas oscuras ayudaron a establecer las bases del metal moderno.

    Tan solo unos meses después de haber publicado Black Sabbath y haber cambiado el juego, la banda de Birmingham regresó en 1970 con un disco que iría todavía más allá de lo establecido. El 18 de septiembre de 1970 apareció Paranoid, un álbum cuyo sonido se convirtió en, lo que muchos consideran, el establecimiento del heavy metal. Los riffs pesados de Tony Iommi, el bajo pesado de Geezer Butler, la batería explosiva de Bill Ward  y la voz de Ozzy Osbourne terminaron por definir al género.

    Black Sabbath consiguió hacer que la pesadez dejara de ser únicamente una característica del rock y se convirtiera en un género a parte. Canciones como “War Pigs”, “Paranoid”, “Iron Man” y “Electric Funeral” condensaron agresividad, distorsión y letras relacionadas con la guerra, la paranoia, la muerte y la alienación. La producción consiguió un sonido crudo que hace que el disco siga sonando amenazante, lejano al rock contemporáneo de su época.

    Paranoid ayudó a cimentar los elementos que posteriormente serían desarrollados por generaciones de bandas de metal, pues el sonido de Sabbath se convertiría en referencia para el heavy metal y, posteriormente, para géneros como el doom, el thrash y otras vertientes. Lo que inició su álbum debut dejó de ser una anomalía dentro del rock y se convirtió en el nacimiento de un género.

    Más de medio siglo después, Paranoid es uno de esos discos que no solamente representan una época, sino que ayudaron a consolidar un género nuevo. Black Sabbath retomó la experimentación y oscuridad de su primer álbum y las convirtió en algo más  directo y poderoso.

  • 51 años de Wish You Were Here, la revolución sonora de Pink Floyd

    51 años de Wish You Were Here, la revolución sonora de Pink Floyd

    Por Nathael Pérez

    El 12 de septiembre de 1975, Pink Floyd publicó Wish You Were Here, un álbum que llevó al límite las posibilidades creativas del rock. Concebido y grabado con técnicas innovadoras, el disco se convirtió en una obra sobre la ausencia, la alienación y una crítica a la industria musical, además de rendir homenaje a Syd Barrett.

    El 12 de septiembre de 1975, Pink Floyd publicó Wish You Were Here, apenas tres años después de The Dark Side of the Moon. La expectativa era enorme, pero la banda decidió no repetir la fórmula de su éxito anterior: en lugar de buscar simplemente otro disco exitoso, se internó en un proceso de grabación complejo y experimental en Abbey Road. El resultado fue una obra donde el estudio se convirtió en un instrumento más de la banda.

    La grabación resultó revolucionaria por la manera en que Pink Floyd trabajó el sonido y las transiciones entre las piezas. “Shine On You Crazy Diamond” fue concebida como una obra dividida en dos partes que abre y cierra el álbum, mientras que “Welcome to the Machine” y “Have a Cigar” exploran la deshumanización de la industria musical. La estructura del disco y sus efectos muestran a una banda que ya entendía el álbum como una experiencia artística más que como una simple colección de canciones.

    Hablar de Wish You Were Here es hablar de Syd Barrett, fundador de Pink Floyd y antiguo líder de la banda, cuya pérdida había marcado profundamente a sus compañeros. “Shine On You Crazy Diamond” nació como un homenaje a Barrett, mientras que el resto del álbum amplió esa sensación de ausencia: la distancia entre las personas, la explotación artística y la pérdida de autenticidad. La icónica portada de los dos hombres estrechando la mano mientras uno de ellos está en llamas terminó reflejando esto.

    A ya medio siglo de su publicación, Wish You Were Here se ha consagrado como uno de los grandes ejemplos de hasta dónde podía llegar el rock cuando composición, producción, y concepto artístico eran trabajados con perfeccionismo, gracias al liderazgo y la visión de Roger Waters, quien para este momento había tomado las riendas de la banda.

  • Avándaro: 55 años de música, libertad y una censura que marcó al rock mexicano

    Avándaro: 55 años de música, libertad y una censura que marcó al rock mexicano

    Este 11 de septiembre se conmemoran 55 años del Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, uno de los acontecimientos culturales más importantes de la música mexicana. Aquel encuentro reunió a cientos de miles de jóvenes, pero también provocó una reacción gubernamental que terminó convirtiendo al rock y a buena parte de la contracultura en expresiones perseguidas y marginadas.

    El 11 de septiembre de 1971 comenzó el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, una concentración musical que terminó convirtiéndose en un símbolo de la juventud mexicana y de su búsqueda de libertad. En un país todavía marcado por la represión del movimiento estudiantil de 1968 y, meses antes, por el Halconazo, miles de jóvenes se reunieron durante dos días alrededor de la música, la convivencia y una cultura que comenzaba a romper con los valores tradicionales. 

    Avándaro trascendió como uno de los grandes momentos de la historia del rock mexicano, no sólo por la cantidad de asistentes, sino porque evidenció que existía toda una generación con sus propios lenguajes, gustos y formas de entender la vida. La música, la literatura de la Onda y otras expresiones contraculturales estaban construyendo espacios propios frente a una sociedad conservadora. Incluso hoy, el Congreso de la Ciudad de México reconoce al 11 de septiembre como Día del Rock and Roll Mexicano, precisamente por el impacto cultural y social que este género ha tenido en el país. 

    Pero aquella celebración también expuso la profunda intolerancia del gobierno de Luis Echeverría hacia una cultura juvenil que no podía controlar. Después de Avándaro llegó una campaña de censura contra el rock: se restringió su difusión en medios masivos, se prohibieron canciones y se obstaculizaron presentaciones de grupos. Investigaciones académicas señalan que el gobierno reprimió al rock mexicano en medios, producción y espectáculos, empujándolo hacia espacios clandestinos y periféricos. 

    Cuando un gobierno considera peligrosa a la cultura por expresar libertad, rebeldía o inconformidad, termina empobreciendo a toda una sociedad. Avándaro no fue simplemente un concierto que escandalizó a las autoridades; fue el pretexto para castigar una escena cultural completa. 

    La propia documentación de Radio Educación registra que, después del festival, se prohibió la grabación y difusión de música de diversos grupos vinculados con aquel movimiento. Cincuenta y cinco años después, recordar Avándaro también significa recordar lo que ocurre cuando el poder decide que la cultura debe obedecer en lugar de cuestionar.

  • Music, Fashion, Film: Charli XCX abre una nueva etapa de su carrera

    Music, Fashion, Film: Charli XCX abre una nueva etapa de su carrera

    Por Nathael Pérez

    Charli XCX publicó este viernes Music, Fashion, Film, un álbum que marca un giro en su carrera al dejar atrás la euforia de BRAT para explorar temas como la fama, la identidad y la permanencia del arte con un sonido más inclinado al rock.

    La cantante británica Charli XCX presentó este viernes Music, Fashion, Film, su octavo álbum de estudio, con el que inicia una nueva etapa artística caracterizada por un enfoque más introspectivo. El disco, publicado este 24 de julio de 2026, llega tras el enorme impacto cultural de BRAT y apuesta por una propuesta sonora que combina pop experimental, rock alternativo y electrónica.

    El título del álbum hace referencia a tres de las industrias que han definido la trayectoria de la artista: la música, la moda y el cine. Inspirado en la frase “Nothing’s gonna save us, not music, fashion, or film”, incluida en el tema “SS26”, el proyecto reflexiona sobre el papel del arte, la fama y la búsqueda de identidad en una industria marcada por la constante exposición pública.

    En el apartado musical, Music, Fashion, Film representa una evolución respecto a los trabajos anteriores de Charli XCX. Aunque mantiene colaboraciones con productores cercanos como A. G. Cook y Easyfun, el álbum incorpora guitarras, texturas más orgánicas y una producción (deliberadamente) menos pulida, privilegiando la experimentación sobre la complacencia del oyente. 

    Otro de los aspectos que ha llamado la atención es que la portada prescinde de la imagen de la cantante y, en su lugar, rinde homenaje a figuras influyentes de la cultura contemporánea. Además, el cierre del disco incluye un monólogo del cineasta David Cronenberg, que aborda temas como la mortalidad, el legado y el paso del tiempo, reforzando el tono reflexivo que atraviesa toda la obra.

    Las primeras reacciones de la crítica especializada han sido mayoritariamente favorables y coinciden en destacar la decisión de Charli XCX de no repetir la fórmula que convirtió a BRAT en un fenómeno global. En lugar de apostar por una continuación de aquel éxito, la artista entrega un álbum que privilegia la exploración creativa y consolida su reputación como una de las figuras más interesantes e innovadoras de la música contemporánea.

  • AC/DC enciende a México tras 17 años de ausencia

    AC/DC enciende a México tras 17 años de ausencia

    Por: Frank Alvarado

    La banda AC/DC, formada en 1973, es una de las bandas más influyentes del rock mundial gracias a su sonido directo y discografía. Ese peso histórico quedó demostrado este martes en su regreso a la Ciudad de México, donde ofrecieron un concierto ante 65 mil personas tras 17 años de ausencia en el país.

    La actuación estuvo marcada por la energía del guitarrista Angus Young y la voz de Brian Johnson, quienes lideraron un espectáculo que mantuvo al público encendido. El show, parte del PWR Up Tour, incluyó clásicos como “Highway to Hell” y “Thunderstruck”, en una presentación de más de 100 minutos.

    Fue en 1973, cuando los hermanos Malcolm y Angus Young formaron la banda en Australia con la intención de crear un sonido de rock crudo, directo, sin concesiones. Influenciados por el blues y el rock and roll clásico, pronto destacaron con la llegada del vocalista Bon Scott, con quien alcanzaron reconocimiento internacional a finales de los años setenta.

    El punto de quiebre llegó en 1980, tras la muerte de Bon Scott, un hecho que puso en duda la continuidad del grupo. Sin embargo, la incorporación de Brian Johnson marcó una nueva etapa que derivó en el lanzamiento de “Back in Black”, uno de los discos más vendidos de la historia. A partir de ese momento, AC/DC consolidó su lugar como referente global del hard rock, con giras masivas y una propia identidad sonora.

    Durante las décadas siguientes, la banda mantuvo una carrera constante pese a cambios de alineación, problemas de salud y pausas prolongadas. La salida de Malcolm Young por motivos de salud y su posterior fallecimiento representaron otro golpe importante, pero el grupo continuó activo y ha mantenido su vigencia durante más de cinco décadas.

    El regreso de AC/DC al país, reafirmó su impacto cultural y comercial en los mexicanos. Sin embargo, el concierto estuvo rodeado de polémica por la venta de boletos a través de Ticketmaster, debido a que usuarios reportaron altos precios y cargos adicionales. Pese a ello, la banda logró agotar los boletos de sus fechas.