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  • Clausura injusta: Alcaldía Miguel Hidalgo cierra estudio de fotógrafo con discapacidad severa

    Clausura injusta: Alcaldía Miguel Hidalgo cierra estudio de fotógrafo con discapacidad severa

    TRIAGE.

    Por: Alexandro Guerrero

    Clausura injustamente la Alcaldía Miguel Hidalgo, el estudio del fotógrafo Enrique Covarrubias, con más de 30 años de reconocida trayectoria; colectivos exigen revisión y firman petición en http://Change.org

    La clausura del espacio de trabajo del fotógrafo mexicano _Enrique Covarrubias Robles_ por parte de la Alcaldía Miguel Hidalgo detonó una movilización ciudadana que ya suma firmas en la campaña _JUSTICIA y Empatía a Individuos con Discapacidad Permanente_ en http://Change.org.

    Covarrubias, quien vive con _cuadriparesia severa_ derivada de un traumatismo craneoencefálico tras un accidente en parapente en diciembre de 2014, vio clausurado su estudio profesional el _13 de mayo de 2026_ sin notificación formal directa. La acción suspendió de inmediato su actividad laboral y, con ello, su única fuente de ingresos. “No constituye sólo su centro de trabajo, sino también el medio a través del cual sostiene su subsistencia, su atención médica permanente y la operación de las personas que dependen de su actividad profesional”, señala el escrito dirigido a la Jefa de Gobierno Clara Brugada.

    Con más de 30 años de trayectoria en la industria editorial, de moda y publicidad, Covarrubias depende de asistencia total para actividades básicas, pero conserva plenamente sus capacidades cognitivas, creativas y visuales. A pesar de múltiples intentos por acceder a programas institucionales, los costos de su condición han sido sostenidos principalmente por su trabajo.

    El documento, respaldado por Francesca Guillén, Iliana Fox, Mariana Seoane, Ana Celia Urquidi, Cuauhtemoc Duque, Caro Padilla Iván Arce, Alexandro Guerrero, Mario Morales y Miguel Garza_, denuncia que la última comunicación formal de la Alcaldía data de enero de 2026 e informaba que el procedimiento se encontraba en revisión y sin resolución definitiva. La clausura se ejecutó cuatro meses después, cancelando fechas ya contratadas e impactando directamente los ingresos mensuales.

    “Hoy, su mayor riesgo no proviene de su discapacidad, sino de la interrupción abrupta de su medio de vida”, advierte el texto. Por ello, colectivos vinculan el caso con la petición _JUSTICIA y Empatía a Individuos con Discapacidad Permanente_ en http://Change.org, que denuncia cómo las barreras administrativas dejan sin sustento a personas con incapacidad permanente. “Las personas con una incapacidad permanente absoluta estamos en una situación de extrema necesidad, precisamente”, expone la campaña.

    _Las peticiones concretas_ a la Jefatura de Gobierno, Secretaría de Cultura, Secretaría de Bienestar e Igualdad Social y autoridades de derechos humanos son:

    1. Revisión integral del procedimiento de clausura realizado por la Alcaldía Miguel Hidalgo.

    2. Intervención institucional para garantizar derechos humanos, laborales y de inclusión de Enrique Covarrubias.

    3. Valoración de acceso a programas sociales acordes a su condición de discapacidad severa y situación económica.

    4. Apertura de canales de diálogo entre el Gobierno CDMX y la Alcaldía para construir una solución que permita la continuidad de su actividad en condiciones dignas.

    “Confiamos en que las instituciones de la Ciudad de México pueden actuar con sensibilidad, proporcionalidad y apego a los derechos humanos, garantizando que la ley y la dignidad humana caminen juntas”, concluye el escrito. La petición puede firmarse en http://change.org/JUSTICIAyEmpatiaAIndividuosConDiscapacidadPermanente.

    Hasta el cierre de esta edición, ni la Alcaldía Miguel Hidalgo ni el Gobierno de la Ciudad de México han emitido postura pública sobre la clausura ni sobre la solicitud de revisión.

  • TRIAGE: El fascinante universo de la música antigua sonará en el CENART

    TRIAGE: El fascinante universo de la música antigua sonará en el CENART

    Destaca el 21 aniversario del Coro Virreinal Rita Guerrero, de quien hoy conmemoramos su nacimiento

    Por Alexandro Guerrero

    El Centro Nacional de las Artes (Cenart) será sede del Encuentro de Música Antigua 2026, que del 22 al 31 de mayo reunirá en el Auditorio Blas Galindo cuatro conciertos dedicados a lo mejor del Barroco y el Renacimiento, con agrupaciones como la Orquesta Sinfónica Estanislao Mejía, Nikan Ompa, La Fontegara México y el Coro Virreinal Rita Guerrero.

    El ciclo inicia el viernes 22 de mayo a las 20:00 h con el Réquiem de Verdi, interpretado por la Orquesta Sinfónica Estanislao Mejía de la Facultad de Música de la UNAM bajo la dirección de Samuel Pascoe, con la participación de los solistas Bertha Granados, Grace Echauri, Alan Pingarrón y Rodrigo Urrutia, acompañados por cinco agrupaciones corales.

    Uno de los momentos centrales llegará el domingo 24 de mayo a las 13:30 h, cuando el Coro Virreinal Rita Guerrero celebre 21 años de trayectoria con el concierto Ensaladas de Mateo Flecha El Viejo, joyas renacentistas y un destello de Santa Sabina. Bajo la dirección de Aquiles Morales, la agrupación —perteneciente a la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México— ofrecerá un recorrido que va del Renacimiento y la música novohispana hasta canciones icónicas de Santa Sabina.

    “Como aquel Ángel que no creía en la muerte de su voz, tampoco nosotros”, señala el coro sobre su fundadora, Rita Guerrero. Para esta función excepcional contarán con la participación de Poncho Figueroa y Patricio Iglesias, integrantes de Santa Sabina, además de Arturo Waldo como invitado especial. La dotación instrumental incluye a Rubén André Delgado en bajo continuo, Araceli Robles en contrabajo y María Elena Sánchez Rodríguez en percusiones. En el programa destaca el estreno de una nueva versión de El Ángel, pieza emblemática ligada a la memoria de Guerrero. El costo de entrada es de $250 pesos.

    El encuentro continúa el sábado 30 de mayo a las 19:00 h con Devotio. Catalunya y América Latina en la música devocional, a cargo de los ensambles Nikan Ompa y Voces del Pasado, dirigidos por el tenor Emilio Gutiérrez Tlacaelel. El cierre será el domingo 31 de mayo a las 13:30 h con La Fontegara México, el ensamble más reconocido del país en este género, que presenta Cantate amorose. Cantatas y sonatas de Italia y América con el tenor invitado Francisco Mendoza.

    Todos los conciertos se realizarán en el Auditorio Blas Galindo del Cenart. Los boletos para las funciones del 24 y 30 de mayo tienen un costo de $250 pesos. Más información en: http://cenart.gob.mx

  • TRIAGE: Brontis Jodorowsky y la “ósmosis” mexicana de “El Gorila”

    TRIAGE: Brontis Jodorowsky y la “ósmosis” mexicana de “El Gorila”

    Brontis Jodorowsky, en exclusiva, habla para Los Reporteros MX del vínculo inédito que tejió con el público mexicano.

    Por: Alexandro Guerrero

    Tras agotar localidades y sumar funciones hasta el 30 de mayo de 2026, “El Gorila” se confirmó como el fenómeno teatral del año en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del CCB/INBAL.

    El Gorila, adaptación que realizó junto a su padre Alejandro Jodorowsky a partir de “Informe para una academia” de Franz Kafka, lleva 18 años de gira por Italia, Francia, Chile, Argentina y Beirut. Sin embargo, México marcó un antes y un después. La obra es una coproducción franco-mexicana presentada por La Structure, de París, y Puntos suspensivos (…) de Ciudad de México, y cuenta con la asistencia en dirección de Alexandro Guerrero, fundador de esta última compañía.

    “Lo he dicho en varias entrevistas: mi añejo deseo de presentar El Gorila en México estaba arraigado en mi cariño por este país en el que nací y en el que mi familia tiene historia creativa”, confiesa Jodorowsky. “Venía también de mi convicción de que, tras su repetido éxito en otras ciudades, la obra encontraría igualmente a su público en México. Sin esa fe, no hubiera tenido la paciencia y la perseverancia requerida para llevar a cabo el proyecto”.

    El monólogo, centrado en el trabajo corporal y la caracterización, retoma el relato kafkiano del simio que aprende a ser humano para sobrevivir. En escena, Brontis lo convierte en una reflexión sobre identidad, aceptación y el precio de adaptarse al mundo. El público capitalino respondió con funciones llenas, silencios cargados y ovaciones de pie.

    “Los dioses del teatro son a veces rebeldes y, cual sea nuestra convicción, el éxito nunca nos es debido, siempre es una milagrosa bendición”, dice. “Y debo decir que el recibimiento que el público mexicano ha reservado a nuestra obra ha ido más allá de lo que esperaba; una ósmosis que nunca había sentido en los 18 años que la llevo presentando. La calidad de su escucha, su complicidad, la comunión de ese silencio emocionado durante ciertos momentos de la obra, las amenas risas, su clara comprensión del propósito… Algo ocurre, algo intangible se manifiesta en cada función”.

    La extensión de temporada vino por invitación de Luis Mario Moncada, de la Coordinación Nacional de Teatro. Para Brontis, el gesto selló el pacto: “Sentí que ese lazo que se había creado entre nuestro El Gorila y el público mexicano era el del reconocimiento de la artesanía teatral al servicio de algo más allá, de algo que apunta, como la obra, al mutuo despertar de la consciencia. Es por eso que esta temporada y su extensión quedarán en mí como una vibrante catarsis, por la cual estaré para siempre agradecido”.

    El Gorila
    Espectáculo de: Alejandro y Brontis Jodorowsky a partir de Franz Kafka

    Asistencia de dirección: Alexandro Guerrero,

    Coproducción franco-mexicana de: La Structure, París y Puntos suspensivos (…), Ciudad de México.

    Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández, Centro Cultural del Bosque

    Hasta el 30 de mayo de 2026.

    Jueves y viernes 20:00 h | Sábados 19:00 h | Domingos 18:00 h

    Boletos: Taquilla del recinto y en https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=411

  • TRIAGE: Veinte años de la Escuela: “Del Rock a la Palabra”

    TRIAGE: Veinte años de la Escuela: “Del Rock a la Palabra”

    Por Alexandro Guerrero

    Iniciamos en esta columna una serie de artículos enfocados en conmemorar un sitio en el que de manera gratuita las y los jóvenes de la ciudad han creado comunidad y resistencia.

    En 2006, Guillermo Briseño abrió la puerta en Chimalistac porque el país ya había castigado bastante al rock. Lo corrió de Avándaro a patadas, lo llamó ruido, lo confundió con delito. Él dijo: si es ruido, entonces hay que darle palabra. Y si es palabra, que corte. Que cure.

    “Aquí el más pelón se hace trenzas” , espeta con orgullo al micro el maestro Briseño. Para él, este oficio no es para sonar bonito. Es para abrirle el pecho a alguien y meterle aire. Por eso en esta escuela no hacen técnicos de la distorsión; hacen colectivos que se entretejen ya entre las distintas generaciones de egresados y maestros, entre otras banderas, para que se sepa en la pedagogía del rock, que una guitarra sin frase que duela, es solo un mueble caro.

    Por esa casa pasaron Betsy Pecanins y dejó su incendio intacto. Hebe Rosell, Felipe Souza, tantos otros que no fueron a dar clase: fueron a compartir la herida. Para Briseño, aquí el maestro no califica. Acompaña. Sangra con el alumno hasta que la rola dice lo que tiene que decir.

    Veinte años y siguen en Av. de la Paz 26. Gratis. Con cédula SEP, sí, pero para Memo eso es papel. Lo que no es papel son los 138 que audicionaron por primera vez en aquel convulso año del fraude electoral perpetrado por el PRIAN, de la “otra campaña” y la represión de Atenco. Los que hoy tocan fuera del país y ya no piden permiso: los que regresan a dar clase porque entendieron que el rock también se hereda igual que las luchas, la poesía y la ideología.

    Para los veinte años, Briseño no quiso pastel. Hubo unos ricos tacos y un sabroso y opíparo toquin. Entre tanto “fest” sobremoderno por el varo: aquí se treparon a incendiar con sonido su propio altar. El altar escuela y ahí nomás.

    Mientras afuera el arte se cotiza por stream, él sigue defendiendo que el rock es derecho, no mercancía. Que tres acordes todavía pueden salvarte la vida. Pero hay que saber cuáles. Y hay que saber por qué.

    Veinte años del Rock a la Palabra. Briseño no celebra números. Celebra que el ruido se sabe y se escribe bien. Y que la palabra, cuando va amplificada, todavía es la mejor enfermera.

    La tarea, dice, sigue: curar. Raspar. No dejar morir.


    El lineup del 20 aniversario en donde nos brindaron una inmensa tocada: “SOLISTAS QUE NO ESTÁN SOLOS”. Este viernes 15 de mayo de 2026 sonaron en la celebración: Marica; Nay Stanfield; Rima Yamir; Verónica Ruiz; Marisol Portilla; Geo Equihua y Nacho Quirarte. Alucinantes y de alto nivel en cada propuesta.

    Los Invitados de honor: IRAIDA NORIEGA: INFINITO. Con: Alex Otaola; Chema Arreola; Toto Merino; Christian Balderas.

    Histórico es el Foro Betsy Pecanins ya de la EMRP, ahí precisamente en Av. De la Paz No 26 anexo, Chimalistac.
    Con apoyo logístico y técnico de la Secretaría de Cultura del gobierno de la Ciudad de México.

    Rockeando y palabreando, el festejo continuará.

  • TRIAGE: Jaime Ades y la Broma Cósmica

    TRIAGE: Jaime Ades y la Broma Cósmica

    Reír con el caos para no perderse, este 23 de mayo en el Foro del Tejedor ¿Qué es la Broma Cósmica?

    Por Alexandro Guerrero

    Para Jaime Ades, referencial cancionista y escritor mexicano, la “Broma Cósmica” es un filtro sinestésico para observar la vida. Es ese momento donde empiezas a encontrar coincidencias tan bien colocadas que no pueden ser casualidad. Es la forma de ver la existencia con humor a pesar de las adversidades, porque “el buen sentido del humor es esencial para no perderse en la complejidad de la existencia“.

    El proyecto: Crónicas de la Broma Cósmica no es un libro convencional; es un libro sonoro que integra texto, imágenes, tablaturas y audio vía códigos QR. Reúne 12 canciones y textos que Ades llama una “recapitulación poética”: prosa con “florituras del lenguaje”, rimas y musicalidad. Hay canciones que nacieron tras la pandemia, cuando todos nos cuestionamos qué retomar después, en el caso de Ades, fue aferrarse al piano, pulir la técnica.

    Las canciones trazan un arco evolutivo en la vida del autor, desde sus orígenes hasta sus proyecciones futuras. El lector-escuchador puede profundizar en las ideas y letras mientras las escucha.

    ¿Por qué “broma“?

    Vivimos entre extremos: solemnidad e hilaridad. La polarización es un problema cuando deja de existir esa “corriente alterna y directa entre un polo y el opuesto”, reflexiona.

    El desafío poético a la industria

    Ades critica que en la era digital “la música ha dejado de ser orgánica” y hay falta de conexión entre artistas y audiencia. Su libro sonoro es un llamado a que otros músicos exploren formatos que les permitan recuperar el control sobre su trabajo. Ya no trae CD, no hay objeto: todo el audio está integrado con QR.

    Las letras abordan nostalgia, identidad y la búsqueda de significado en un mundo caótico. “Es un viaje que invita a la reflexión y la conexión emocional“.

    En tiempos actuales en cafebrería El péndulo Gandhi y Amazon como ebook puedes adquirirlo.

    Si buscas vivirlo, valga la redundancia, “en vivo“, en el Foro del Tejedor con banda completa: Manolo Rodriguez, Kike Rosales, Sabina Ades y Hanya Vera; Cafébrería El Péndulo Colonia Roma te espera el sábado 23 de mayo.

    La Broma Cósmica de Jaime Ades es aceptar que el universo te juega bromas con sus coincidencias y su caos, y la única forma de atravesarlo es con música, poesía y humor. Es un manifiesto contra la solemnidad y contra la música de streaming sin alma ni convicción.

    Sábado 23 de mayo, 8:30 p.m.
    Boletos en: https://bit.ly/4dQikbF
    📍 Álvaro Obregón #86. Colonia Roma, CDMX.

  • TRIAGE: Valentina Barrios y Los indómitos presentan: Defender lo que quiero; “Rock de alto voltaje para levantar la cabeza”

    TRIAGE: Valentina Barrios y Los indómitos presentan: Defender lo que quiero; “Rock de alto voltaje para levantar la cabeza”

    Por Alexandro Guerrero

    Con 12 canciones pensadas como un viaje de principio a fin, Valentina Barrios y Los indómitos lanzan: Defender lo que quiero, un álbum que funciona como “refugio antibombas para infantes terribles y estándar”. La banda, autodefinida como “la más literaria de México”, mezcla rock, narración oral y reflexiones sobre la adolescencia, el mundo adulto y la búsqueda de identidad.

    El disco contó con apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, vertiente Fomento y Coinversiones 2023, y reúne a un equipo amplio de músicos, letristas y productores. Aunque no tienen tocadas próximas, el grupo prepara sesiones en vivo y participaciones en radio pública y por internet que anunciará en redes.

    Platicamos con Valentina Barrios sobre el origen del disco, la historia de Los indómitos y qué significa defender lo que uno quiere en nuestros días.

    En entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, Valentina Barrios nos cuenta:

    A.G. ¿Cómo nace “Defender lo que quiero”?

    V.B. Nace de mi deseo por compartir canciones que plantean temas interesantes y reflexiones que exploran posibilidades imaginativas para asimilar mejor las cosas que suceden en nuestro mundo individual, comunitario y global.

    A.G. ¿Cuál es la historia de Los indómitos?

    V.B. Nos presentamos por primera vez en 2016 en la FIL Guadalajara como Valentina Barrios y Los indómitos con el Concierto de cuentos, un espectáculo de rock y narración oral diseñado para celebrar los 25 años de la colección A la orilla del viento del Fondo de Cultura Económica. Eso después se convertiría en todo un álbum. Desde entonces, el ensamble se ha conformado en diferentes etapas por excelentes músicos: personas ingeniosas, divertidas y talentosas con quienes colaboramos en torno al repertorio. Desde hace diez años somos la banda de rock más literaria de México.

    A.G. ¿Cómo se defiende lo que uno quiere en el mundo así como está?

    V.B. Es una labor de tiempo completo que implica trabajar con la razón y con las emociones. Exige la atenta observación del entorno y también de nuestros pensamientos y palabras. Requiere tener curiosidad por saber y conocer cosas, realizando muchas preguntas y, sobre todo, se defiende mejor al animarse a imaginar y producir ideas en cada espacio y oportunidad que se presente.

    A.G. ¿Cuál ha sido la respuesta en los toquines en directo?

    V.B. Percibo mucho respeto por parte del público que presencia nuestros espectáculos. Es grato recibir muestras de interés y atención. En ocasiones, al tiempo en que se lleva el ritmo, alcanzo a notar gestos introspectivos, reacciones afectivas en respuesta a las letras. Entonces siento que estamos brindando una experiencia estética que resulta significativa y eso me llena de honor y agradecimiento.

    A.G. ¿Qué nos compartirías del proceso de creación de este trabajo?

    V.B. Tuve la fortuna de producir, junto con un equipo colmado de talento y cariño, 12 canciones realizadas de manera individual, ensambladas en un álbum pensado para escucharse de principio a fin. Es un viaje que pasa por el fin de la infancia, el descubrimiento del mundo adulto y la búsqueda de identidad. Un álbum dedicado para quienes viven, vivieron y vivirán la adolescencia. Defender lo que quiero es “rock de alto voltaje para levantar la cabeza”.

    A.G. ¿Hay algo en especial que para ti sea muy importante decir en esta producción?

    V.B. Realizamos el álbum “Defender lo que quiero como un refugio antibombas para infantes terribles y estándar”. Con apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura en la vertiente Fomento y Coinversiones 2023, la producción contó con la colaboración letrística de Elia Crotte, Francisco Barrios, Diego Castillo y Julia Castillo. Se realizó gracias a la creatividad musical de Isaac Pichardo Zapi, El Oso Avalle, Silvestre Villarruel, Diego Benlliure, Oswaldo Guzmán, Checocoyambo, DJ Ninja UNO, Julia Castillo, Silvio Castillo y Dya Mues. La producción musical fue de Hans Mues, Valentina Barrios y Los indómitos: Charly Santana, Rodro Moreno, Javi Reyes y Ariel Dorrego.

    Además, en el camino encontré y confirmé grandes nuevas amistades que aportaron su valiosa motivación y cariño: gracias a Daniela Lara, Monika, Emilio Gómez, Valfar, Luis Castillo, Christian Díaz Fantomas, Pablo Vito Moretti, Rodrigo Palacios, Beatriz Calderón y Nayelli Ayala, que fueron parte fundamental para impulsar y mantener el ánimo en el tramo más difícil del camino.

    A.G ¿Tienes alguna ruta de tocadas próximas? ¿Dónde serán y cuándo?

    V.B. No tenemos próximas tocadas, pero estaremos realizando algunas sesiones en vivo, participando en emisiones de radio pública y por internet, que estaremos promoviendo en redes sociales.

    Escucha el álbum aquí: https://orcd.co/vbdefenderloquequiero
    Redes sociales: @valentinabarriosmx

    Fotógrafo: Jona Race / @jourace

    CONTACTO /
    @valentinabarriosmx

  • TRIAGE: “Barrionetas”, llega a la Carpa Geodésica

    TRIAGE: “Barrionetas”, llega a la Carpa Geodésica

    Por Alexandro Guerrero

    Esta original y aguda comedia musical dirigida por Gabriel Pascua, inició exitosamente temporada el 29 de abril con próximas funciones el 6 y 13 de mayo, 20:00 h en el espléndido espacio de la Nueva Carpa Geodésica ubicada en Insurgentes Sur; Ciudad de México.

    La Compañía Una raya en el cielo presenta “Barrionetas”, con la dirección musical de Aldo Bárcenas, el montaje es una comedia musical que rescata la vida de las vecindades de los años setenta con marionetas de barra y música en vivo de Chava Flores.

    El argumento nos remite al actual fenómeno de desplazamiento y gentrificación:

    En el corazón de una vecindad setentera, los muros guardan secretos y los tendederos ondean historias. Los vecinos resisten la rutina a través de la risa y el baile. Sin embargo, una amenaza de desalojo ensombrece a la comunidad obligándola a defender no sólo sus paredes, sino su memoria colectiva.

    Acompañada por la música en vivo de Chava Flores, esta obra es un homenaje a la picaresca, al ingenio y a la solidaridad del barrio. Los personajes cobran vida entre los acordes de las crónicas musicales de nuestro gran cronista urbano, recordándonos que mientras haya un canto que entonar y un vecino que sostener, la identidad no puede ser desalojada.

    Gabriel Pascual nos comparte en exclusiva para Los Reporteros MX.

    Sobre el origen del texto y la investigación

    “El texto apareció cuando yo estaba en la Universidad Veracruzana. Lo leí de una revista que se llama Tramoya, me gustó muchísimo y lo empecé a trabajar en Xalapa, con la ayuda del maestro Manuel Montoro, maestro Barkley y el maestro Enrique Pineda. El texto fue escrito en 1987. Ya en la Ciudad de México, lo empiezo a trabajar con Una raya en el cielo y ya tenemos diez años como grupo. El proceso fue hacer la investigación aquí en la ciudad de las diferentes vecindades que existían en los setenta, y a partir de ahí creamos los personajes a través de las canciones de Chava Flores. Todo lo que pide el texto es música de chachamambo”.

    ¿Por qué la Carpa Geodésica y los cambios para este montaje?

    “Buscando los espacios encontramos la Carpa Geodésica, que nos funciona perfectamente bien para el montaje por la forma en que está diseñado el lugar. Al encontrar ese espacio empezamos a trabajar el movimiento escénico. Otra cosa bien importante es que integramos música en vivo, que eso no lo tenía originalmente el montaje anterior. Tenemos diez músicos dirigidos por el maestro Aldo Bárcenas, que es músico de la UNAM. Eso nos ha permitido tener otro ritmo dentro de la obra”.

    Sobre el equipo creativo

    “Aunado al trabajo de la maestra Natalia Janco, que es la de diseño escenográfico, y del maestro Alfredo Márquez, egresado también de la escuela de Bellas Artes, haciendo la iluminación que nos apoya con toda la atmósfera que pide la obra. El trabajo de la maestra Natalia Janco es fundamental a la hora de hacer la paleta de colores con el vestuario: nos ha ayudado muchísimo”.

    “Barrionetas”:
    Compañía: Una raya en el cielo – 10 años de trayectoria.
    Dramaturgia: Texto original publicado en Revista Tramoya, 1987
    Dirección de escena: Gabriel Pascual
    Dirección musical: Aldo Bárcenas
    Escenografía: Natalia Janco · Jimena Rosas
    Vestuario: Natalia Janco · Julieta Anzures
    Iluminación: Alfredo Márquez
    Diseño de cartel: Bek Martínez
    Música: Chava Flores, interpretada en vivo por ensamble de 10 músicos en escena
    Duración: 60 minutos
    Público: Todo público

    Funciones

    Carpa Geodésica. Av. Insurgentes Sur 2135, San Ángel, Álvaro Obregón, 01000 Ciudad de México
    Fechas: 29 de abril, 6 y 13 de mayo de 2026
    Horario: 20:00 h
    Costo: $150 general. $100 estudiantes, maestros, INAPAM y vecinos de la Alcaldía Miguel Hidalgo con INE. Venta en taquilla y Boletia.

    La obra es garantía de una experiencia inolvidable para el espectador.


    Redes: @Unarayaenelcielo | @CarpaGeodesicaMX

  • TRIAGE: “Réquiem” con rostro joven, lo mejor de la música en nuestro país

    Por Alexandro Guerrero

    Primer cuatrimestre 2026 de tiempos atroces y cuando las voces construyen comunidad y paz. El Ensamble Escénico Vocal del SNFM pone cuerpo, voz y biografía a una obra monumental junto a la Orquesta Escuela Carlos Chávez.

    El Réquiem que sonó el último fin de semana de abril del complejo y duro 2026, no empezó en el escenario. Empezó en aulas de ensayo de Los Pinos, en Semilleros de Tlaxcala, en autobuses que cruzan la ciudad a las 6 de la mañana. Empezó en las gargantas de 30 jóvenes del Ensamble Escénico Vocal del Sistema Nacional de Fomento Musical.

    Las voces detrás del atril

    El programa de mano del concierto “Réquiem” no solo lista obras y compositores. Lista nombres. Y detrás de cada nombre del Ensamble Escénico Vocal hay una ruta distinta hacia el mismo atril.

    Andrea, 19 años, soprano. Viene de un Semillero Creativo de Música en Nezahualcóyotl. Entró a los 12 años “porque daban desayuno y me gustaba cantar”. Hoy prepara audición para la Licenciatura en Canto en la Orquesta Escuela. “El Réquiem me enseñó que mi voz puede sostener a otra. Si yo me desafino, se cae mi compañera. Es igual que en el barrio”.

    Luis, 22 años, barítono. Estudió contabilidad pero lo dejó. “No me hallaba”. Su mamá lo inscribió al coro comunitario del SNFM en Iztapalapa. “Aquí entendí que la disciplina no es regaño, es ensayar hasta que el respiro de 30 personas sea uno solo”.

    Dana, 17 años, mezzosoprano. Es la menor del ensamble. Llega desde Xochimilco. “Mis papás no son músicos. Pero cuando me escucharon cantar el Lacrimosa en el primer ensayo, mi papá lloró. Dijo que nunca había oído algo tan bonito salir de la casa”.

    El Ensamble Escénico Vocal no es un coro tradicional. Fusiona canto, teatro y movimiento, por eso sus integrantes también son actores, bailarines, narradores. En el Réquiem, sus cuerpos cuentan el texto tanto como sus voces: manos que se buscan en el Dies Irae, espaldas que se quiebran en el Agnus Dei.

    Un modelo que canta a la inclusión

    El SNFM lo dice sin rodeos: “La práctica musical colectiva es la fuerza transformadora e incluyente que fomenta la cultura de paz”. Para entrar al Ensamble no necesitas apellido famoso ni pagar colegiaturas impagables. Necesitas voz, compromiso y 5 años de formación que puedes adquirir gratis en los 183 Semilleros Creativos que el Sistema tiene en 25 estados.

    “Muchos llegan sin leer música”, cuenta María Eugenia Guerrero, directora del Ensamble. “Aquí aprenden solfeo, pero sobre todo aprenden a escuchar al otro. Un Réquiem no lo hace un solista. Lo hace una comunidad que respira junta”.

    Esa comunidad sostiene también a la Orquesta Escuela Carlos Chávez, con más de 100 instrumentistas de entre 17 y 26 años. En el programa de mano aparecen todos: desde los contrabajos de Erika Marlene Corona Sorroza hasta las arpas de Alondra Máynez Hernández. Son la prueba de que el título de Licenciatura Instrumentista, reconocido por la SEP desde 2009, puede construirse fuera de los conservatorios tradicionales.

    ¿Por qué un Réquiem?

    Porque es música para duelos colectivos. Porque México duele. Y porque poner a 30 jóvenes de periferias, pueblos y barrios a cantarle al descanso eterno es también cantarle a la posibilidad de vida.

    “El sonido empodera”, repite el lema del SNFM. Y se ve: una chica de Xochimilco sosteniendo un Si bemol por 8 compases empodera a su familia entera. Un barítono de Iztapalapa cantando “Dona eis requiem” empodera a su colonia.

    El Réquiem que montaron no habla de la muerte como final. Habla del trabajo invisible de hacer comunidad: afinar, esperar tu entrada, no tapar al de al lado, cargar el atril cuando acaba el concierto.

    Lo que sigue

    El Ensamble Escénico Vocal y la Orquesta Escuela Carlos Chávez son semillero, pero también presente. Sus giras han llegado a EUA, España y Argentina como parte de Iberorquestas Juveniles. En México, se presentan en Bellas Artes, en Los Pinos y en plazas públicas donde el boleto cuesta lo mismo que nada.

    El programa de mano cierra con todos los nombres. No es vanidad: es política pública. Decir que Dana, Luis y Andrea existen, cantan y le ponen cuerpo a Brahms o a Mozart, es decir que la cultura de paz no es discurso. Es ensayo de martes y jueves de 4 a 7 pm.

    Próximas audiciones: Si tienes entre 16 y 24 años y quieres ser parte del Ensamble o la Orquesta Escuela, consulta la convocatoria en http://fomentomusical.cultura.gob.mx. Los Semilleros Creativos en tu estado son la puerta de entrada.

  • Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Una obra escrita por Daniel Veronese, bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado.

    La experimentada y lúcida actriz de cine , teatro y televisión Francesca Guillén protagoniza; Mujeres soñaron caballos, del dramaturgo argentino Daniel Veronese, que se presenta en La Teatrería bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado, producción de Pacto Escénico.

    La obra sitúa al espectador como testigo incómodo de una cena entre dos hermanos y sus parejas. Lo que inicia como un encuentro cotidiano se transforma en un campo minado de reproches, deseos frustrados y violencia contenida. Veronese, referente del teatro latinoamericano contemporáneo, usa el absurdo y el realismo para mostrar cómo la intimidad se vuelve un ring de poder.

    Guillén es Ulrika, un personaje que oscila entre la vulnerabilidad y la rabia. Su interpretación transita del sarcasmo al quiebre emocional con una precisión que sostiene la tensión de la obra. La acompañan en escena Mónica Jiménez como Bettina, Juan Ríos como Iván, Estela Aguilar como Julika, Carlo Basabe como Roger, Gina Granados como Lucera y Víctor Loomis como Rainer.

    Mujeres soñaron caballos se ha convertido en un texto clave del teatro iberoamericano por su forma de retratar el delirio de los roles de género y la descomposición del núcleo familiar sin panfletos ni juicios. Esta versión mantiene el pulso original de Veronese pero resuena con ecos locales: la casa como territorio de disputa, la cena como ritual fallido.

    Veronese no escribe obras: escribe partituras para que el actor se estrelle. Su mérito es devolverle al diálogo la categoría de acción. Su límite es que sin un actor que entienda el silencio, el texto se queda mudo. Daniel Veronese es una teatralidad – estado de emergencia.

    En exclusiva para LosReporterosMX , Francesca comparte una serie de reflexiones:

    “El hilo de plata se coge a ciegas”

    A.G. ¿Qué representa para ti en este momento formar parte de esta puesta en escena?

    F.G. Reconectar con mi animal lúdico en un montaje breve, mordaz y lleno de posibilidades para transitarse; mi animal en búsqueda de escape del acotado espacio en que transita. Resignarme en la intuición del que habita y escucha en tiempo presente… el rompimiento de mi propia imposición a ceñirme a lo que no palpita conmigo. Eso significa este montaje en este momento de mi vida. Develar mi propio laberinto y resolverlo a mi tiempo en donde corresponde.

    A.G. ¿Qué fue lo que más te atrapó del concepto, de la historia, del guión de: Mujeres soñaron caballos?

    F.G. Me fascina que el planteamiento esté sustentado en el trabajo de sus intérpretes y no en los decorados u otros elementos ajenos que culminarían en artificio. La desnudez simbólica de las actrices y los actores poniendo el cuerpo como único filtro ante la mirada del espectador.Damos peso a la palabra, el subtexto, el silencio, y la historia fincada a estos únicos elementos; Gatillos improvisados para detonar contra el otro / la otra mediante la exhibición grotesca de su falta.

    También me pareció magnífico que el autor exija ceñirse a lo que está escrito. Sin adiciones, sin reiteración, sin sobre explicación. La sabiduría intuitiva de la palabra como un acto impulsivo y sin filtro.

    A G. Háblanos de Ulrika, tu personaje.

    F.G. Decadente, ácida, lastimada, hiriente, soez, mordaz, piromaniaca emocional.Impaciente, profética y densa.Cínica, histérica, irónica, sarcástica y cáustica.

    Desde el punto de vista del reto actoral: exquisita.

    A.G. Tienes una gran trayectoria en cine, teatro y televisión. ¿Consideras que este montaje representó un reto? ¿Cómo lo encaraste?

    F.G. En muchos sentidos mi abordaje al mundo es siempre infantil, por lo que todo en esta vida me representa un reto, un riesgo, un salto al vacío. Un nuevo juego que seguro me dolerá.

    En este caso concreto: sí, tuve muchas crisis en el proceso. Mucha angustia e incomprensión de la petición. Sentí por momentos que me invitaban a deshacerme de mí para llegar a algo nuevo… sigo sin resolver tal enigma, pero decidí confiar en mi entraña… y accionar. Solo ahí, en escena, en la acción, se halla la solución. El hilo de plata que se coge a ciegas pero guía hacia un nuevo nivel del inframundo en que se habita.

    Me gusta hilvanar palabras y sensaciones… de eso me amarro para el salto al vacío. El aterrizaje es siempre desconocido lo que me hace sentir finalmente viva y auténtica en mi búsqueda.

    A.G. ¿Cuál es tu sensación tras el estreno? ¿Qué tal te sientes con esta producción y este elenco?

    F.G. Bueno, aún queda un camino para seguir encontrando tesoros y trampas. El montaje es joven en todo sentido así que lo mejor está por venir. Cuando la madurez nos alcance a todos los intérpretes en escena entonces nacerá el fruto, mientras tanto habitamos el árbol, nos familiarizamos con su ritmo.

    Me gusta este elenco, esta conformación de entidades en todo sentido diversas. No todo me agrada en nosotros, pero aún eso me agrada.

    Somos una perfecta familia disfuncional con filias y fobias para resolver y resonar. Hay un equilibrio en la precariedad del colectivo y las certezas que creemos poseer y que sin embargo aún están por sorprendernos.

    La puesta cuenta con diseño de escenografía e iluminación de Alberto Reyna, asesor de movimiento escénico Edson Martínez.

    Mujeres soñaron caballos

    Autor: Daniel Veronese

    Dirección: Mariana García Franco & Abraham Jurado

    Elenco: Francesca Guillén – Ulrika, Mónica Jiménez – Bettina, Juan Ríos – Iván, Estela Aguilar – Julika, Carlo Basabe – Roger, Gina Granados – Lucera, Víctor Loomis – Rainer

    Producción: Pacto Escénico

    Foro: La Teatrería, Tabasco 152, Roma Norte, CDMX

  • CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    TRIAGE.                                   

    Por: Alexandro Guerrero

    Producir la serie Sesiones Vagabundas México, conducida y realizada a partir de la idea original de Mauricio Figueiral, fue todo un honor.

    La más reciente temporada del programa, nació de una invitación que recibí en el Hotel Nacional de La Habana en 2022. Desde ahí, pensar en las distintas posibilidades de locaciones y sedes fue ir dando con el encuentro de distintas latitudes, también institucionales, que en materia cultural decidieron apoyar este proyecto sin pensarlo dos veces.

    El elenco que se conformó es, además, una maravillosa muestra de diversidad en un aspecto amplísimo. Eso fue lo que busqué de alguna manera curatorialmente: desde lo musical, mostrar para Latinoamérica cuál es el sonido de lo que es México hoy. Teniendo como coproductores a Orlando Canseco, Rol Alvarez y Alfonso Vázquez Pérez, además del audio del maestro Antonio Diego.

    Sesiones Vagabundas, grabada en México se transmite  por Canal 14 a las 5:30 p.m. los miércoles, a partir de este 22 de abril. La señal y complicidad de teleSURtv  y CanalHabana acompañan en esta aventura sonora que consta de 11 capítulos y sus protagonistas son: Mariachi Amazonas de Alejandra Carballido; Horacio Franco;  Sol Pereyra; Jaime Ades; Iskander; Alexandro Guerrero; Tere Estrada; Jorge Fratta; Julia González; Adriana Camacho, Ross CL y Orlando Canseco: Lobo Estepario. El centro Nacional de las artes, la Fonoteca nacional, Tepito y su espacio cultural, Centro Cultural “El rule”, Hostal Regina, Xochimilco, Cafebrería El péndulo ;La Esmeralda; El estudio A de Radio educación y el Museo del tequila y el mezcal de Garibaldi , son los escenarios y el marco de las sesiones en esta infinita urbe tan diversa.

    Sesiones Vagabundas: historia del proyecto de Mauricio Figueiral

    Sesiones Vagabundas nació en Cuba como una serie documental-musical creada, dirigida y conducida por el cantautor Mauricio Figueiral. El formato se emitió por primera vez en Canal Habana y luego tomó proyección internacional a través de TeleSUR, donde lleva más de cinco años al aire.

    La tesis era clara: sacar la música de teatros y estudios para llevarla a “rincones ocultos de La Habana que no salen en postales, que no salen en revistas porque solo los cubanos amantes de la ciudad conocen”. Cada capítulo combina sesión acústica en vivo + entrevista íntima con artistas “muy queridos” del panorama cubano. La conversación, sin guion, busca “descubrir al ser humano que creemos conocer, pero que aún le queda demasiado por contarnos”.

    Con apoyo de instituciones culturales y la Asociación Hermanos Saíz, la serie salió de La Habana para retratar otras escenas. Figueiral lo explicó así: “Estoy en Camagüey retratando su música y sus lugares públicos, con agrupaciones jóvenes y otras que se renuevan constantemente”.

    Las temporadas grabadas tanto en la Habana como en la República de Cuba en ciudades del interior así como en Caracas, se han transmitido por distintos canales de la televisión pública de México.

    El criterio curatorial no es el hit, sino la historia que puede abrir la música cuando se toca sin máscaras.

    Fuente: Canal Catorce https://share.google/54iki14ewFPgDE6et