La palabra de María Sabina vuelve como ritual en el CENART
Por Alexandro Guerrero
El CENART estrena una obra de Marcela Rodríguez y Jesusa Rodríguez que recupera la oralidad mazateca y transforma la ópera en ceremonia colectiva.
Más que una ópera, lo que presenta la compañía Ópera Portátil es un oratorio escénico y un ritual músico-teatral dedicado a María Sabina Magdalena García, la sabia mazateca de Huautla de Jiménez.
Su estreno mundial corre del 10 al 13 de septiembre en el Foro Experimental Black Box del Centro Nacional de las Artes, dentro del ciclo “Del color de la sandía”, y parte de una decisión estética central: restituir la voz.
La compositora Marcela Rodríguez trabajó durante años con fuentes primarias. El eje es el testimonio recogido en lengua mazateca por Álvaro Estrada en Vida de María Sabina, la sabia de los hongos, donde Estrada, paisano de Sabina, la deja hablar en primera persona. A ello se suman los cantos transcritos por el micólogo Gordon Wasson y los registros sonoros y cinematográficos de Nicolás Echeverría.
De ahí que el libreto no sea una biografía inventada, sino un tejido de letanías de la propia curandera: Soy la mujer aerolito, soy la mujer agua, soy la mujer estrella, soy la mujer cielo.
En escena, la figura de Sabina se encarna en coro. Como solistas participan Catalina Pereda y Lydia Rendón, y como tejedoras del micelio, *Graciela Morales, Narda Belinda Moreno e Ingrid Fuentes. Las cinco voces emergen del micelio para sostener el canto como tecnología de sanación.
Las acompañan en una dotación íntima Mariana Chávez en la flauta, Nabani Aguilar en el violín, Virna Lanza en el violonchelo y Andrea Yañez Centeno en la percusión, bajo la dirección musical de Gonzalo Gutiérrez y con puesta en escena de Jesusa Rodríguez. La producción general es de Catalina Pereda.
La puesta propone el teatro como espacio liminal, lo que Sabina nombraba como el lugar sin orificios para el humo, umbral del viaje. Desde una lectura antropológica, la obra desplaza la noción de los llamados niños santos: no como sustancia psicodélica, sino como medicina sagrada, como recurso para transformar el hambre y la orfandad en visión.
En tiempos de Fiestas Patrias, esta invocación recuerda que hay memorias ancestrales que no piden ser representadas, sino escuchadas.
Invocación operística a la sabia de los hongos Compañía Ópera Portátil Música: Marcela Rodríguez Puesta en escena: Jesusa Rodríguez Dirección musical: Gonzalo Gutiérrez Solistas: Catalina Pereda, Lydia Rendón Tejedoras: Graciela Morales, Narda Belinda Moreno, Ingrid Fuentes Las imágenes son de: Abraham Goldsmit Karakowsky / Secretaría de Cultura.Foro Experimental Black Box, Cenart Del 10 al 13 de septiembre
C C Helénico, CENART y CONAPRED abren curso gratuito de Teatro Afromexicano: memoria, resistencia y cultura viva.
El Centro Cultural Helénico, en colaboración con el Centro Nacional de las Artes (CENART) y el Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación (CONAPRED), abrieron inscripciones para el curso en línea y gratuito “Teatro afromexicano. Memoria, resistencia y cultura viva”.
La propuesta fue diseñada por el actor, productor y creador escénico Adrián Makala— Adrián B. McCalla Rivera, artista afromexicano de ascendencia panameña con más de 25 años de trayectoria en teatro, cine y TV, con la revisión académica de Ginna Diédhiou Bello, pedagoga afrofeminista, decolonial e interseccional, directora de Educación del CONAPRED y referente del Movimiento Afromexicano con 15 años de trabajo.
“Hacer teatro es una manera de poner en escena aquello que no tendría por qué estar oculto. Hacer buen teatro también es una forma de hacer país”, afirma Makala.
Makala conoce el costo del silencio. Él mismo ha relatado que en los años 90, por su condición de persona afromexicana, recibió “todo tipo de maltrato psicológico, emocional, físico y de humillaciones, incluyendo que cuestionaran la autenticidad de sus documentos. Tres décadas después, esa experiencia se convierte en currículo.
El temario se organiza en cuatro unidades:
Hacia un teatro afromexicano
Dos Méxicos, tres repúblicas
Teatralidades africanas y sus resonancias en América
Posibilidades escénicas en el México contemporáneo
El objetivo no es solo histórico. Según sus organizadores, busca reconocer los aportes afrodescendientes como parte del patrimonio cultural nacional, romper el silencio histórico y fomentar la inclusión de personas afrodescendientes en las dramaturgias mexicanas para contar historias silenciadas.
El dato que lo justifica: en el Censo 2020, 2.57 millones de personas se reconocieron como afromexicanas (2% de la población), pero 35.6% reportó haber sufrido discriminación en 2022. México aún no cuenta con una medición sistemática de cuántos artistas afrodescendientes participan en teatro, cine y TV.
El curso otorga certificado autogestionado al finalizar y forma parte del programa de Educación en Línea del Helénico, que busca democratizar el conocimiento escénico en todo el país.
Datos prácticos: Curso: Teatro afromexicano. Memoria, resistencia y cultura viva **Modalidad:**En línea / Gratuito Duración: *20 horas Inscripción: Hasta el 24 de septiembre de 2026 Informes:http://[email protected] / 55 4155 0900 ext. 7422 f90fc4f3
Último fin de semana de “Los dados estaban cargados”: espionaje, archivo y fotografía especulativa desarrollada por las artistas visuales Valeria Arendar y Eleana Konstantellos André en Leica Gallery, Ciudad de México.
Como resultado de la segunda edición del Programa de Residencias Leica Gallery Mexico City × Proyecto H, las artistas visuales presentan en imágenes, una investigación que explora las redes de espionaje en México y que operaron durante la Guerra Fría.
En Avenida Presidente Masaryk 422-B, en el corazón de Polanco, más allá del perfil comercial de alta gama en los aparadores; Leica abrió en noviembre de 2023 su primera sede en Latinoamérica. Es la Leica Store, Gallery y Akademie México, la número 28 de una red global de galerías que empezó en Wetzlar en 1930 con el Lehr-Atelier de Leitz, se volvió Leica Schule en 1938 y Leica Akademie en 1988.
El proyecto, impulsado por Matthias Harsch, CEO de Leica Camera AG, y por Karin Rehn-Kaufmann, directora artística de las galerías Leica en el mundo, nació con una vocación clara: ser punto de convergencia entre arte, cultura, tecnología y comunidad, con la tradición humanista de Cartier-Bresson, Robert Capa y Yael Martínez, quien inauguró el espacio,se tiene la misión de generar comunidad.
Esa vocación explica su programa de residencias con Proyecto H. La segunda edición culmina con “Los dados estaban cargados”, de Valeria Arendar y Eleana Konstantellos André, inaugurada el 30 de julio en la Ciudad de México, en la capital del espionaje durante los años de la guerra fría en lo exterior y la guerra sucia y el terrorismo de Estado como política interna.
Durante la Guerra Fría, la capital fue territorio estratégico, la presencia diplomática de EE.UU. y la URSS, la creación en marzo de 1947 de la Dirección Federal de Seguridad (DFS) por Miguel Alemán —diez oficiales del Colegio Militar y el coronel Marcelino Inurreta de la Fuente a la cabeza— la convirtieron en centro de una trama de poder, información y control.
Arendar y Konstantellos André, que trabajan juntas desde 2022 entre fotografía, archivo, ficción y performance (Arles, PhMuseum Days, Indian Photo Festival, Museo de Arte de Sonora), toman esa historia para preguntar: ¿Qué puede revelar una fotografía cuando aquello que busca registrar permanece oculto? ¿Cómo se construye una imagen de lo que solo existe como rastro, rumor o memoria?
El archivo DFS: del sótano del CISEN a consulta irrestricta, brinda una vía de investigación que se sostiene en el fondo más conflictivo del Archivo General de la Nación, el llamado archivo DFS, figura institucional donde los también llamados “tigres”, eran responsables de perseguir, torturar, desaparecer y vigilar a disidentes, estudiantes (incluída la Dra. Claudia Sheinbaum Pardo y su familia), intelectuales, sindicalistas y exiliados.
Fue extinguida en 1985 tras los escándalos de narcotráfico y los asesinatos de Manuel Buendía y del agente de la DEA Enrique Camarena. En 1989 sus papeles pasaron al CISEN y el 19 de febrero de 2002, en el marco de la eufemísticamente llamada “alternancia”, el CISEN entregó 4,223 cajas de los fondos DFS y DGIPS al AGN, no obstante, el acceso real tardó 18 años: en 2007 se impusieron versiones públicas testadas, en 2015 se cerró la consulta directa y solo tras el decreto de 2019 durante el sexenio de Andrés Manuel López Obrador y la presión de colectivos de investigadores de la UNAM, INAH y Colmex, entre otros colectivos integrados por familiares, víctimas directas e indirectas, el INAI declaró el fondo de interés público y desde el 20 de febrero de 2020 las 9,500 cajas (1926-1985) son de consulta irrestricta.
Como advierten los historiadores del AGN, es un archivo complejo: el Estado cometió tantas violaciones a derechos humanos que fue clasificado como reservado por décadas, su información no es imparcial ni absolutamente verídica y debe cruzarse. En los documentos mencionados se contiene el expediente clave de 1984, “PANORAMA INTERNACIONAL Y NACIONAL EN CUYO CONTEXTO NACE Y SE DESARROLLA LA DFS”, que divide su historia en dos etapas: 1947-1959 (fundación a Revolución Cubana) y 1960-1984.
En su estética esta exposición nos acerca a una narrativa épica de la imagen como lo es la fotografía desde la trinchera del documental especulativo, aquí la expo deja de ser historia y se vuelve método. Heredera del teatro documental de Erwin Piscator —que proyectaba fotos en escena en la posguerra alemana—, o bien de Forensic Architecture e Hito Steyerl. La muestra no reconstruye una historia definitiva o reificada, su potencia principal se da como corelato y revisitación.
“Los dados estaban cargados” tiende una narrativa de puesta en escena muy bien lograda, la mímesis del arte fotográfico en disposición de la cotidianidad inquietante como extrañamiento en las imágenes es lo más perturbador, lo que los archivos revelan y lo que silencian: Los disfrazado, lo superpuesto, la metáfora del “horrible monstruo con peluca” al que hiciera alusión el genio del músico argentino Charly García en su canción icónica “Súperhéroes”, compuesta y grabada en 1982 casi en tiempos del periodo conocido como posdictadura.
En Leica Gallery ubicada en Masaryk 422, lo que se exhibe es la vigilancia en la Ciudad de México buena parte de la segunda mitad del Siglo XX como escenario de continuidad laboratorio del Plan Cóndor de la CIA en Sudamérica.
La imagen es protagonista de una historia de intriga, infiltración y violencia de Estado, desde miradas de conciencia con una fuerza sumamente inspiradora por su joven militancia estética y el alto nivel de su realización que también en lo ético resalta como convicción.
Es entrada libre con registro previo en Eventbrite.
A través del fracaso, la torpeza y el juego, El Gallinero Teatro Clown enseña a las infancias a usar la IA sin perder lo humano.
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con El Gallinero Teatro Clown, presentan Tonter I.A., escrita y dirigida por Claudia Ivonne Cervantes, Jesica Bastidas y Lucía Pardo, quienes además integran el elenco.
Es un espectáculo de clown que toma como punto de partida uno de los fenómenos más significativos del presente: la creciente incorporación de la inteligencia artificial en la vida cotidiana. En lugar de abordarlo desde una perspectiva tecnofóbica o meramente divulgativa, la obra recurre a los recursos propios del clown, el fracaso, la torpeza, la exageración y el juego, para construir una reflexión crítica accesible tanto para públicos infantiles como familiares.
La pieza adopta una estructura de varieté, compuesta por una sucesión de sketches independientes unidos por un mismo eje temático: la relación contemporánea entre las personas y la inteligencia artificial. Esta organización permite explorar distintos escenarios humorísticos sin perder la unidad conceptual del montaje.
A través de tres personajes clownescos, el montaje explora las contradicciones derivadas de delegar cada vez más decisiones, procesos creativos y actividades cotidianas a sistemas de inteligencia artificial. La propuesta combina clown, comedia física, música en vivo, videomapping y dos sistemas de inteligencia artificial desarrollados por la propia compañía.
“En un presente donde las juventudes mexicanas han mudado sus procesos académicos y afectivos a la frialdad de la interfaz, esta pieza se erige como un acto de resistencia poética. Apostamos por una dramaturgia que apela a la sensibilidad emocional y al error creativo como el último refugio de lo humano. En este espacio extraordinario que es el escenario, demostramos que ninguna red neuronal artificial puede sustituir el pulso de la conexión presencial ni el riesgo de la intuición”, subrayan las creadoras.
La obra forma parte de la línea de investigación que El Gallinero Teatro Clown ha desarrollado durante más de una década en torno a la relación entre humor, divulgación y pensamiento crítico. En este sentido, Tonter I.A. continúa una serie de espectáculos donde conceptos científicos o sociales son traducidos al lenguaje del clown, privilegiando la experiencia escénica antes que la exposición didáctica.
La construcción dramatúrgica parte del principio clásico del clown: revelar las debilidades humanas. En esta ocasión, dichas debilidades aparecen amplificadas por el uso indiscriminado de herramientas tecnológicas. Las protagonistas fracasan, improvisan y reinventan soluciones, mostrando cómo el error sigue siendo una capacidad profundamente humana.
Por eso funciona como herramienta de concientización para niños: la mejor forma de explicar qué es la IA no es con un manual, es haciéndolos reír cuando la máquina se equivoca en escena. El público infantil comprende que la IA no piensa ni siente, solo predice; y que el cuerpo, la intuición y la capacidad de equivocarse y corregir son insustituibles.
El equipo creativo se completa con Fores Basura, en la composición musical y el diseño sonoro; Azucena Galicia, en el diseño de vestuario y maquillaje; Edgar Mora, en el diseño de escenografía, iluminación y videomapping, e Isaías Herrera, en el diseño y arquitectura de IA escénica.
La producción general está a cargo de Claudia Ivonne Cervantes; Diana Perelli participa como asistente de producción y suplente; Verónica Hernández, como asistente general, y Oscar De Jesús Ramírez, como asistente técnico y de audio.
Tonter I.A. tendrá temporada del 15 de agosto al 20 de septiembre en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, con funciones los sábados y domingos a las 13 horas. La duración aproximada es de 50 minutos y la edad recomendada es a partir de los 6 años. El costo del boleto es de 150 pesos para entrada general y 80 pesos para infancias.
Los boletos se pueden adquirir en las taquillas del Centro Cultural del Bosque o en línea a través del enlace oficial. Reforma y Campo Marte, detrás del Auditorio Nacional.
Del 20 al 23 de agosto de 2026, el Teatro de la Danza Guillermina Bravo alberga la nueva temporada de “Relato. No hay inframundo, sólo laberintos”, pieza de danza teatro dirigida por Bárbara Alvarado y Juan Carlos Franco. Funciones: jueves y viernes 20 h, sábado 19 h y domingo 18 h.
La reposición coincide con dos aniversarios que le dan otra densidad: 40 años del movimiento del Consejo Estudiantil Universitario (CEU) y 30 años de la muerte de Luis Alberto Alvarado, tío de la coreógrafa, quien militó en el CEU defendiendo la gratuidad y autonomía de la UNAM y murió por suicidio en febrero de 1996, antes de cumplir 31 años.
Su figura es el centro íntimo de una obra que se abre a lo colectivo. Como explica Alvarado: “El detonador fue cuestionar hasta dónde hemos entendido la masculinidad heredada, cuánto pesa, cuántas heridas genera y cuántos misterios aún no resolvemos”.
“Relato” no se entiende sin el contexto de la UNAM de los ochenta. La pieza lo pone en escena, aquí una breve cronología:
La causa; En septiembre de 1986, bajo la rectoría de Jorge Carpizo, el Consejo Universitario aprueba el paquete de 26 reformas al Reglamento General de Exámenes y de Pagos derivado del diagnóstico Fortalezas y debilidades de la UNAM. Planteaba cuotas, límites de permanencia y exámenes departamentales para “elevar la excelencia”.
Nace el CEU: El 31 de octubre de 1986, en el auditorio Ho Chi Minh de la Facultad de Economía, nace el Consejo Estudiantil Universitario con representantes de prepas, CCHs, facultades y escuelas. Su exigencia no era negociar matices: derogación total y Congreso Universitario resolutivo.
La fuerza en las calles: Entre octubre de 1986 y enero de 1987 hubo asambleas masivas, brigadas informativas y el periódico Del Chayote. Culminaron en dos marchas históricas del Casco de Santo Tomás al Zócalo capitalino —21 de enero y 10 de febrero de 1987— con más de 200 mil estudiantes.
El 29 de enero de 1987 estalla la huelga en toda la UNAM. Se tomaron las instalaciones durante 19 días.
El 10 de febrero, en una sesión del Consejo Universitario en el Museo de Antropología, se suspenden las reformas y se convoca al Congreso Universitario de 1990. Es considerado el único movimiento estudiantil que ganó sin represión después de 1968.
Luis Alberto Alvarado fue parte de esas asambleas en Filosofía y Letras y de las brigadas del CEU. Su historia permite a Relato preguntar cómo se vivía la militancia desde el cuerpo y qué costos emocionales dejó en los hombres de esa generación.
La obra se presenta como lo dice su codirector Juan Carlos Franco: “una carta de amor, bastante crítica, a la UNAM”. El diálogo con Pablo González Casanova, rector de la UNAM de 1970 a 1972, es inevitable.
Defensor de la universidad pública y de su carácter gratuito y de alto nivel, González Casanova fundó el Colegio de Ciencias y Humanidades (CCH) y el Sistema de Universidad Abierta (SUA) bajo la idea de una “universidad democrática, para las mayorías, pero no de masas”. Proponía aprender a aprender, combatir los prejuicios elitistas que justificaban el cobro y entender la universidad como un sistema de autonomías articuladas.
Esa visión de la universidad necesaria —pública, gratuita, crítica y popular— es la que el CEU defendió en 1986-87 frente al primer embate neoliberal en la UNAM, y es la que Relato trae a escena 40 años después, pero ahora cruzada con la conversación actual sobre salud mental y la forma en que los hombres enfrentan o silencian su vulnerabilidad.
En escena, Vicente Carbajal, Homar Méndez, Antonio Soria, Diego Martínez Villa y Bárbara Alvarado. Con diseño de iluminación de Ileana Obregón Umaña a partir de Alita Escobedo, escenografía de Alvarado, Franco y Obregón Umaña, vestuario de Selene Bautista y música original de Gerardo Tovar, Adriano Morales e Ismael G. Salinas, con piano de Ale Sosa e interpretación a capella de Paulina Valdovinos. Teatro de la Danza Guillermina Bravo del 20 al 23 de agosto CCB/ INBAL. Detrás del Auditorio nacional.
De Daniel Castro Zimbrón, a partir de la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández; El delirio de poder y la violencia de los marginados como una metáfora del dolor de la relación padre e hija.
En los 40, Pedro Armendáriz padre en La noche avanza (1951) de Roberto Gavaldón fue la sombra moral de la ciudad. En los 70, el cine de ruptura nos dio a sus dos figuras clave: Alejandro Parodi en Llámenme Mike (1979), un policía amnésico que solo volviéndose loco podía hacer justicia, y Pedro Armendáriz Jr. como Héctor Belascoarán Shane, el detective que leía y perdía. En esa línea directa se coloca Cipriano Zuzunaga, protagonista de “Tus dos muertos”.
La película es adaptación de la novela negra “Tus dos muertos” (Alfaguara, 2016) de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Gudiño creó a Zuzunaga como un antihéroe serial, un personaje que viene de antes y sigue después, y eso se siente: ya llega cargado de mañas, deudas morales y relaciones podridas con el sistema.
La premisa es brutalmente mexicana: Investigar delitos en México parece un sinsentido; salvo que la víctima sea alguien poderoso, como el hijo de un candidato. Zuzunaga es un policía al límite de la razón, como todo lo marginal e institucional. Cobra plazas, extorsiona, sobrevive. Pero su verdadero expediente son sus pendientes familiares.
Castro Zimbrón entiende que el noir no es un género, es una forma de mirar. Alto contraste, noche perpetua, siluetas recortadas, la ciudad como viñeta. Neones que sangran, sombras que se comen los rostros, la violencia estilizada como trazo grueso. Los marginados no son un realismo sucio, son arquetipos trágicos iluminados a contraluz. Y en este caso, el aterrizaje es totalmente afortunado. Aquí es donde la película conecta con una tradición poco explorada: el policía que alucina. El antecedente directo es el propio Mike de Llámenme Mike. Zuzunaga entra en esa genealogía. No alucina por droga, alucina por dolor. Ve a su hija donde no está, escucha voces de un caso que es su propia conciencia.
El reparto femenino es clave y es donde la película encuentra su resonancia trágica. Myriam Bravo, Ofelia Córdova y Camila Calónico integran una suerte de corifeo trágico. Encarnan distintas miradas que parecieran reproducir la imagen de la misma mujer: todas atrapadas y es importante esa analogía, porque hace visible que la herida es una sola y se repite.
La presencia de la ausencia de otra mujer es la que estructura todo; lejana, en esa cápsula afuera y aparentemente a salvo. Esa ausencia es el centro moral de la película. Todo lo que Zuzunaga hace es para alcanzar a esa voz que está fuera de su alcance. La edición de sonido a triple registro en lo básico incidental de la sorpresa, más lo alucinatorio como situación, nos da además carecteriologías aisladas de los espacios dotando de profundidades de inevitabilidad a la historia. Dirigida por Daniel Castro Zimbrón y producida por Varios Lobos en coproducción con España, está protagonizada por Gerardo Trejoluna como Zuzunaga y Brontis Jodorowsky como Arcángel.
Extraordinaria que no hay blanqueamiento en las caracterizaciones ni un acercamiento edulcorado de la pobreza. El México marginal no es pintoresco sino manchado deslavado o residual, es una maquinaria de supervivencia donde cada favor se cobra con cuerpo.
Brontis Jodorowsky hace un trabajo sumamente complejo por las distintas tensiones que reprime en Arcángel. También como personaje deja una interesante posibilidad como paradigma a futuro, pues en la saga literaria, Arcángel está presente.
Gerardo Trejoluna se muestra como el espléndido actor de corporalidades y mundos internos abismales que es; Una actuación de antología para no variar tratándose de él; referencial.
Bellísimo ver a cuadro en una de sus últimas apariciones, al Maestro Juan de la Loza. ** Fundamental apoyar al cine de manufactura nacional, más cuando representa un trabajo de enorme calidad como este, entretenimiento de primer orden.**
Tus dos muertos De Daniel Castro Zimbrón. Basada en la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Con Gerardo Trejoluna, Brontis Jodorowsky, Alexis Ayala, Juan Daniel García Treviño, Myriam Bravo, Ofelia Córdova, Camila Calónico y José Sefami
Teatro Brujo pone en escena con altísimo nivel, una serie de desobediencias a la cronotopia en Warmi Kuntur; Voz escénica para una mujer alada, de Teatro Brujo, Mabel Petroff y Bruno Castilo en Centro Cultural El Hormiguero
Toda colonización empieza por robarle el tiempo al otro. Antes que la tierra, antes que la lengua, se coloniza el reloj. Nos enseñaron que el tiempo es una línea que avanza, que progresa, que deja atrás. Que lo ancestral es lo superado. Que ser mujer es entrar, a tiempo, en la jaula que otros diseñaron.
Mabel Petroff y Bruno Castillo llevan años sosteniendo una compañía que es en sí misma una desobediencia geográfica: México-Ecuador. “La compañía nació justamente con la intención de romper fronteras y poner en diálogo distintas perspectivas culturales. Ese desplazamiento geográfico también ha sido un desplazamiento de la mirada”.
Ese desplazamiento es epistémico. No es turismo cultural. Es lo que Silvia Rivera Cusicanqui llama pensamiento ch’ixi: esa mancha donde blanco y negro no se mezclan en gris, sino que se contaminan, se cuestionan, permanecen en tensión fecunda.
“Hemos transitado por el circo, el performance, el clown, la dramaturgia, el trabajo corporal, la máscara, la música y también por investigaciones vinculadas con nuestra memoria y nuestra identidad. Hemos entendido que no se trataba de acumular lenguajes, sino de encontrar un lenguaje propio capaz de contenerlos”.
Y aquí aparece la primera clave decolonial de la obra: para Teatro Brujo, lo intercultural no es sumar exotismos. “No consiste en poner un elemento andino junto a uno europeo o mexicano y decir que hemos hecho una mezcla. Es mucho más profundo: es permitir que esas culturas se cuestionen entre sí y que, en ese encuentro, aparezca algo nuevo”. Lo ensayaron antes en Proyecto Atawallpa con un texto quechua como palimpsesto. En Warmi Kuntur lo encarnan.
El cuerpo de Petroff se vuelve territorio de disputa temporal. En él habitan Nina, la Señorita Julia y Catalina -tres mujeres paridas por la pluma masculina de la modernidad europea: Chéjov, Strindberg, Shakespeare— y la Warmi Kuntur, la mujer cóndor. La abuela.
“La abuela, mi abuela que es el mundo andino ella es pasado y es presente“.
Esa frase destruye la cronología occidental. En la filosofía del tiempo andino, quechua-aymara, el pasado no está atrás. El pasado está delante, porque es lo que ya vimos, lo que conocemos. El futuro está atrás, a nuestras espaldas, porque es lo que no vemos. Ñaupaq, decían los abuelos. Por eso la abuela puede ser pasado y presente al mismo tiempo sin contradicción.
Frente a esa temporalidad circular y encarnada, Nina, Julia y Catalina viven en el tiempo lineal del amo. María Lugones llamó a esto colonialidad del género: el sistema moderno no solo racializó, sino que generizó el tiempo. A Nina se le exige ser a tiempo inocente, a Julia a tiempo culpable, a Catalina a tiempo domesticada. Tres jaulas con reloj.
“¿Cuántas veces una mujer ha tenido que aprender a vivir dentro de una jaula construida por otros?” Es la pregunta que Teatro Brujo pone al centro. No es una pregunta psicológica, es una pregunta ontológica. La jaula es el tiempo patriarcal que les dice cuándo amar, cuándo callar, cuándo morir.Warmi Kuntur no viene a redimirlas. Viene a mostrarles otro tiempo.
Y ese otro tiempo se escucha antes que se entiende. La obra hace del sonido su ritual de descolonización.
“Desde la génesis del proyecto pensamos que las mujeres necesitamos ser voz, articular discurso, generar palabras”, dicen. Por eso convocan a Sandra Olivares, cantante y compositora mexicana que “hizo del canto un dispositivo conceptual de repetición con líneas de búsqueda mestizas y dispares”, a Roberto Moscoso, compositor ecuatoriano que organiza el material, y al luthier Oswaldo Morocho, que construye “un artefacto-instrumento sonoro con las voces de las aves conectándonos con la naturaleza”.
No es casual. Si el logos colonial nos quitó la palabra, el canto y el trino la devuelven. Layla Díaz, codirectora, y Olivares trabajan para que “las mujeres tengan diferencia en sus voces, se sienta la diversidad en su sonoridad y por eso trabajamos mucho como habla cada una de las mujeres-ave”.
Cada mujer-ave es una desobediencia vocal. Ya no hablan como les enseñaron a hablar las obras donde nacieron. Tartamudean, trinando, gritan, cantan en lenguas que no son idioma sino memoria corporal. Es lo que el pensamiento decolonial llama corazonar: pensar con el cuerpo, no sobre el cuerpo. El instrumento de aves de Morocho no es utilería, es epistemología: el conocimiento no viene solo del libro europeo, viene del cielo andino, del canto de los pájaros que los abuelos saben escuchar.
El vestuario de Montserrat Díaz y los cielos filmados por Iván José Petroff terminan de cerrar la operación: hay cosmos. Un cosmos que aviva “los procesos personales y búsquedas propias, porque si bien el Teatro es grupal/colectivo, también nos permite escucha a cada artista que también tiene su propia voz”.
Por eso la obra “no hace concesiones”. “Después de tantos años ya no nos interesa hacer una obra que simplemente sea cómoda de mirar. Nos interesa hacernos preguntas. Y algunas preguntas necesariamente incomodan”.
Incomoda porque desobedece el mandato más fuerte de la modernidad: “progresar”.
“Como Teatro Brujo creemos que el presente es ancestral, necesitamos reconocernos como seres cruzados por las abuelas, por el ritual, por la búsqueda de símbolos que dan sentido a nuestras vidas. El futuro es un valor capitalista, necesitamos ser presente, dejar de ‘progresar’, queremos ser origen”.
El futuro como valor capitalista. Aníbal Quijano lo advirtió: la idea de futuro es la coartada del capital para hacerte despreciar lo que ya eres. Te promete que si trabajas, si te domesticas, si entras en la jaula a tiempo, llegarás a ser alguien. Warmi Kuntur responde: no queremos llegar, queremos volver. No a un pasado idealizado, sino al origen como posición.
Ser origen no es nostalgia, es desobediencia. Es decir: no voy a correr hacia adelante en tu línea, voy a hundirme en mi presente, que está lleno de abuelas.
“La forma que hemos construido nace de aquello que necesitamos decir. Y cuando una poética nace de una necesidad verdadera, deja de ser una elección ornamental: se convierte en una posición frente al mundo”.
Warmi Kuntur es esa posición. Una mujer que en lugar de aprender a vivir en la jaula, aprende a recordar que tiene alas. Y que esas alas no son metáfora, son memoria de cóndor.
En El Hormiguero, por unos minutos, el tiempo del amo se suspende. Y el presente, por fin, se vuelve ancestral.
Hay historias que nos enseñaron a repetir. Y hay cuerpos que decidieron reescribirlas.
Warmi Kuntur es un vuelo de mujeres que rompen el libreto establecido.
A partir del Jueves 13 de Agosto. Todos los Jueves, 20:00 H. En El Hormiguero. Gabriel Mancera 1539. Metro Hospital 20 de noviembre.
En el marco de la conmemoración del centenario del natalicio de Fidel Castro Ruz, nacido el 13 de agosto de 1926, la plataforma MX Nuestro Cine estrenó la serie documental México y Cuba en el tiempo. Reflexiones sobre Fidel, dirigida por el realizador mexicano Eduardo Flores. La serie se transmite desde el jueves 13 de agosto a las 20:00 horas por la señal 22.2, por streaming y a través de las redes sociales de MX Nuestro Cine y Canal 22.
Con siete entregas que cierran el 19 de agosto (y que se espera en breve se han retransmitido por distintos canales a nivel nacional) , la producción propone un recorrido íntimo y coral por la vida, el ideario y la trascendencia del líder de la Revolución Cubana, a partir de testimonios únicos de quienes lo conocieron, colaboraron con él o crecieron bajo la influencia de su proyecto político y cultural. No se trata de una biografía lineal, sino de una serie de reflexiones cruzadas entre México y Cuba, dos países cuya historia compartida marcó el siglo XX latinoamericano.
El primer capítulo abrió con el trovador Amaury Pérez, una de las voces más emblemáticas de la nueva trova, quien habló del papel de la cultura como columna vertebral del proceso revolucionario y del renacer artístico que vivió Cuba después de 1959. El segundo episodio reunió a dos amigos de la etapa universitaria de Fidel en La Habana: el periodista Max Lesnik, figura histórica del exilio cubano radicado en Miami, y el cineasta Alfredo Guevara, fundador del ICAIC. Ambos evocaron al joven líder universitario impregnado del ideario martiano de soberanía nacional y antiimperialismo.
El tercer capítulo, centrado en los orígenes de la Revolución, contó con el testimonio del general en retiro Fabián Escalante, quien encabezó el Departamento de Seguridad del Estado entre 1976 y 1988 y fue uno de los hombres encargados de proteger la vida de Fidel. Escalante recordó el discurso del 8 de enero de 1959, a su entrada en La Habana, como el momento en que se hizo evidente que comenzaba una transformación profunda, irreversible, para la isla.
La serie continúa con una entrega dedicada al deporte como proyecto de emancipación, con los campeones olímpicos Alberto Juantorena y Javier Sotomayor, quienes narraron cómo la Revolución influyó en su formación atlética y en su vínculo personal con Fidel. El quinto capítulo aborda uno de los episodios más dramáticos de la relación Cuba-Estados Unidos en los años noventa: el caso de Elián González, el niño balsero, junto a su padre Juan Miguel González, quienes relatan su encuentro con Fidel y la operación política y humana que permitió el regreso del niño a la isla.
Los dos episodios finales vuelven a la mirada de Escalante para desentrañar las estrategias de seguridad y los cientos de atentados organizados contra Fidel, y cierran con Abel Prieto, intelectual y director de Casa de las Américas, para reflexionar sobre la vida cultural cubana contemporánea y el legado del pensamiento fidelista en las artes.
Como parte del homenaje, el ciclo incluye la proyección de Mi hermano Fidel (1977), el emblemático documental del realizador Santiago Álvarez, fundador del Noticiero ICAIC Latinoamericano, una pieza clave para entender la dimensión humana del líder cubano vista desde el cine militante.
La serie, producida de manera independiente por el estudio MX Nuestro Cine, ha tenido eco en medios nacionales e internacionales como La Jornada, Cubadebate, Telesur y Radio Habana Cuba, que han destacado su valor testimonial en el contexto del centenario. CUBA FRENTE AL BLOQUEO
El estreno del serial coincide con el anuncio del nuevo proyecto del director Eduardo Flores: Cuba frente al bloqueo, cuyo largometraje documental se titula Vivir Bloqueado.
Se trata de una investigación independiente que se propone contar la extraordinaria historia de cómo una isla caribeña ha sobrevivido a más de 60 años de bloqueo y se mantiene en pie. El proyecto no busca construir un discurso unilateral, sino explorar cómo esta política —llamada “bloqueo” en el discurso cubano por sus efectos prácticos, y “embargo” en el marco jurídico estadounidense— se ha convertido en un factor central en la vida económica y social de la isla.
Según la sinopsis del proyecto, el embargo constituye una compleja red de leyes y resoluciones impuestas por Estados Unidos que busca detener, mediante duras sanciones, toda actividad económica de la isla con cualquier otro país o entidad, pues sus efectos y alcances son extraterritoriales. Muchos gobiernos y organismos internacionales lo han calificado de ilegítimo e ilegal. Tras más de seis décadas, se ha configurado un escenario complejo que exige distinguir entre sus dimensiones legales, sus impactos operativos y las interpretaciones políticas que acompañan cada término.
El documental se define como un proyecto independiente, de investigación, sin fines partidistas y sostenido por el apoyo voluntario y alianzas ciudadanas, con el objetivo de que voces invisibilizadas encuentren espacio y de preservar el sentido humano del tema.
Las personas interesadas en conocer y apoyar esta nueva producción pueden hacerlo a través del sitio oficial del proyecto:
Un proyecto que continúa la línea de trabajo de Flores sobre la memoria compartida entre México y Cuba, ahora desde la perspectiva del presente y de la resistencia cotidiana frente al cerco económico más prolongado de la historia contemporánea.
El primer actor, director y gestor salvadoreño Omar Renderos presenta en México su unipersonal “Más allá de la Nostalgia”, proyecto con el que celebra tres décadas de trabajo continuo en las artes escénicas de Centroamérica.
La obra es ganadora del VII Festival Hispanosalvadoreño del Centro Cultural de España en El Salvador y se estrenó en octubre de 2025 en La Galera Teatro & Cocina, en San Salvador, espacio fundado y dirigido por el propio Renderos y que ha funcionado como laboratorio de creación, residencia y cocina cultural.
Desde entonces, ha realizado un circuito por el triángulo norte de Centroamérica, con presentaciones en Antigua Guatemala en Casa del Río, en el Teatro Luis Poma en San Salvador como parte del ciclo Acto II de Dramaturgia Salvadoreña, y en Honduras, dentro de la programación de los Centros Culturales de España en la región.
En 2026, su Gira: México, incluye seis presentaciones entre Ciudad de México y Guadalajara.
Un árbol genealógico de la memoria
Más allá de la Nostalgia es un unipersonal autobiográfico que revisita la infancia del creador en Santa Ana, El Salvador, y los personajes, boleros, calles y ausencias que han marcado sus 30 años de teatro.
En exclusiva, Omar Renderos nos comparte:
“Es una oda a mis treinta años de teatro. Un árbol genealógico que ramifica su propia memoria para reconstruirse a sí mismo. Un recuerdo, un silencio que aturde, unas calles de mi infancia donde habita los sueños que Omar necesita soñar para estar en lo efímero que es el arte y la vida”.
“El testimonio íntimo de un actor que revive los sucesos que marcaron su historia desde su infancia en la histórica Santa Ana. Entre boleros, recuerdos y personajes íconos de sus 30 años de teatro, se confrontan soledad, miedo y vacío, pero también la templanza que sostiene la vida frente al dolor. Un viaje poético del yo-ser, sin tabúes ni prejuicios”.
“Es que la Nostalgia no es sinónimo de tristeza. Es un aliento que se corta un instante y nos lleva a sitios de recuerdos, sitios, momentos de la vida que nos hace redefinirnos”.
“Representa un hermoso diálogo con todo lo simbólico que estoy sensorializando en cada momento que México me recibe con seres de amor. Abriendo un espacio íntimo y brindándome calma a mi estancia”.
La producción audiovisual de la obra está a cargo de Theo Lovo.
Gira México 2026: cuatro teatros, dos ciudades
De acuerdo con el creador, la ruta mexicana está pensada como un diálogo con espacios de distintos contextos:
“En agosto, la ciudad de México me recibe. Seis veces, más allá de la nostalgia. Desde el Teatro Varsovia en la Zona Rosa, hasta Santa Tere Teatro de Barrio en Guadalajara. Cada escenario guarda memoria, resistencia y comunidad”.
La gira incluye presentaciones en el Teatro Varsovia, en espacios comunitarios de Iztapalapa y en Guadalajara.
Utopía Meyehualco, Iztapalapa Sábado 15 de agosto de 2026, 13:00 y 16:00 h. Auditorio Utopía Meyehualco; Entrada libre.
Esta presentación se realiza dentro de la red de Utopías de la Alcaldía Iztapalapa. Inaugurada en 2021, la Utopía Meyehualco es un complejo cultural y deportivo de gran escala que ofrece actividades gratuitas. Su auditorio se ha consolidado como foro para espectáculos y encuentros comunitarios. Para la gira, significa llevar el teatro autobiográfico centroamericano a un público amplio y familiar.
En “El vicio” El espacio ubicado en Madrid 13, en Coyoacán, fue fundado por Salvador Novo como Teatro La Capilla, posteriormente fue El Hábito, proyecto de Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, y actualmente opera como Teatro Bar El Vicio, gestionado por la compañía Las Reinas Chulas. Es sede del Festival Internacional de Cabaret. En este foro, Renderos realiza su función de cierre.
“Tras la travesía mexicana, mi unipersonal retorna a su espacio de creación: La Galera Teatro & Cocina, del 21 al 30 de agosto. Un regreso cargado de muchas imágenes y emociones llevadas desde 4 emblemáticos teatros de Ciudad de México y Guadalajara”.
Regreso a El Salvador
Tras México, “Más allá de la Nostalgia” retorna a La Galera Teatro & Cocina, en San Salvador, donde ofrecerá funciones los días : 21, 22, 23 y 28, 29, 30 de agosto. Viernes y sábado 20:00 h, domingo 17:00 h. Entrada $10. Reservaciones: 7593-2542.
Más allá de la Nostalgia Autor e intérprete: Omar Renderos – 30 años de teatro
Luis Esteban Galicia y La Pícara Pandilla regresan con La Nueva Revista Mexicana, ya en temporada en la Carpa Geodésica
El actor de amplia trayectoria Luis Esteban Galicia, al frente del ensamble multidisciplinario La Pícara Pandilla, ultima detalles para el inicio de su nueva temporada con *La Nueva Revista Mexicana, espectáculo con el que buscan recuperar la esencia de la Revista Mexicana, un formato históricamente ligado a la sátira política y la identidad nacional, para adaptarlo a las urgencias del siglo XXI.
La temporada ocurre todos los jueves de agosto -6, 13, 20 y 27- a las 20:30 horas, en la Nueva Carpa Geodésica, ubicada en Avenida de Los Insurgentes Sur 2135, San Ángel.* Localidades: $200 pesos general, con butaca numerada, a la venta en taquilla y en GeoBoletos.
La Revista como acto de diversidad
Para Luis Esteban Galicia, la Revista es en sí misma un acto de resistencia cultural:
“La Revista Mexicana, como formato, es en sí misma un acto de reconocimiento a la diversidad. En su momento fue un instrumento fundamental para la construcción de la identidad nacional. Y esa identidad no se imponía desde arriba, se construía desde abajo, desde el folclor, desde la música, desde el albur, desde el cuerpo de la rumbera, desde la carpa, desde la calle. La Revista no hablaba de un México, hablaba de todos los Méxicos”.
“Por eso, irnos hoy hacia la derechización como corriente de pensamiento es un retroceso enorme. Porque lo que busca la derecha es exactamente lo contrario a la Revista: estandarizar, meter a toda esa gran variedad de diversidad en el marco de lo que llaman ‘lo normal’. Quieren un solo modelo de familia, un solo modelo de cuerpo, un solo modelo de moral. Eso se contrapone totalmente a la estructura estética misma de la Revista. La Revista es plural, es mestiza, es jota, es lépera, es política, es popular. No cabe en lo normal, porque su naturaleza es la diferencia”.
“Como artista me da una emoción enorme sentir que formo parte de esa tradición teatral tan poderosa y de carácter popular como es la Revista y el Teatro de Carpa. Quienes hemos estudiado la historia del teatro en México sabemos que el periodo de la Revista Mexicana y del Teatro de Carpa es uno de los más nutridos de nuestra historia. Era un teatro que dialogaba formalmente, directamente, sin intermediarios, con las clases populares. Recuperar la Revista hoy no es nostalgia. Es un acto político“.
La compañía y el espacio emblemático
“El elenco base de esta compañía es La Pícara Pandilla, que estamos integrados por Brissia Yeber, Jessie Garibay, el Maestro Alberto Gallardo y un servidor, Luis Esteban Galicia. Nos integramos porque el año pasado hicimos una celebración por el 91 aniversario del Teatro del Pueblo y presentamos este espectáculo con la finalidad de mostrar parte de la tradición teatral que ahí se gestó en su momento de mayor esplendor”.
“A partir de ahí convoqué a varios artistas de otras disciplinas con los cuales tengo garantía tanto de compromiso como de visión escénica para llevar a cabo un espectáculo tan diverso. Tan diverso que solo quienes no tienen el academicismo y el puritanismo del esteticismo podrían entenderlo. Somos una compañía de teatreros cómicos que andamos caminos en conjunto y que en el camino nos vamos encontrando a otros locos, a otros compañeros, en el entendimiento de que lo que vale es el trabajo y el trabajo es escénico y popular”.
El montaje llega a un recinto histórico: La Carpa Geodésica, fundada en 1975 por el maestro Ignacio Cristóbal Merino Lanzilotti, el último reducto del teatro de carpa en México, con aforo para 250 personas.
“La posibilidad de presentarnos ahora en la Carpa Geodésica nació de una convocatoria que emitió Kairos producciones y la nueva Carpa Geodésica; y fuimos seleccionados para esta temporada y la idea que aspiramos es la de poder tener una residencia ahí, pero eso depende de los resultados que tengamos. Es un espacio emblemático en la historia del teatro mexicano y del teatro popular mexicano. Pisar sus tablas hoy es un orgullo personal y colectivo“, señala el productor y director de La Nueva Revista Mexicana.
¿De qué va La Nueva Revista Mexicana?
En su trama, una compañía de cómicos somete a juicio a los personajes más sagrados del Siglo de Oro, desnudando sus contradicciones a través de la farsa y el cuerpo.
“Estamos trayendo a colación a los grandes pícaros de la literatura del siglo de oro español. Entre ellos están Lázaro de Tormes; Marcela, que es un personaje cervantino del Quijote; y tenemos a Pedro de Urdemalas, de Pedro de Urdemalas, un pícaro extraordinario que va haciéndole ver a la gente su suerte”.
Es una producción de alto nivel escénico y gran formato visual, de alta movilidad, pensada para viajar a cualquier espacio, abierto o cerrado.
“Este formato tiene la particularidad de ser de variedad. Entonces tenemos la exhibición de varias disciplinas en las que los cómicos son el hilo conductor dramático, que va siendo la sátira política del momento; incluso de la noticia del día”.
El espectáculo suma invitados especiales: Arte Drag: Matronna X ; Danza y vedettes: Pink Sin Burlesque – Poema y Mytzuko, con homenaje a las grandes rumberas
Folclor: Ana Laura Martínez y Eric Galicia.
Música y canto: Tenor Moisés Cerón, con música en vivo.
La crítica institucional
“Desde mi papel como productor, director y cómico de este espectáculo, quiero agregar algo: hay muy poca empatía por parte de las administraciones actuales de las instituciones culturales. Hemos tocado puertas al por mayor. Nos hemos puesto a los pies de quienes llevan las directrices culturales de este país y de esta ciudad. Y ha sido decepcionante. No existe una mirada generosa hacia un proyecto tan noble como este. Es un espectáculo pensado para viajar, para presentarse en cualquier espacio, abierto o cerrado, institucional o alternativo. Es de alta movilidad y con un elenco de artistas profesionales extraordinario. Pero se le sigue haciendo el ‘fuchi caca’ al teatro popular, a la revista mexicana. Como si el trabajo de los cómicos de la legua, de los pícaros muertos de hambre, fuera poca cosa frente a la exquisitez que hoy se programa. Cuando está tan en boga la discusión sobre el cabaret y su papel social, ahí está su origen: la revista y la carpa. Y el desprecio hacia ella ha sido mayúsculo. Nos sentimos hechos a un lado. Cuando lo generoso sería justo lo contrario: regresar al origen o ¿no es lo que predica el actual régimen? Pal’ pueblo bueno y sabio“.
La Nueva Revista Mexicana Con La Pícara Pandilla Dirección y producción: Luis Esteban Galicia Elenco: Brissia Yeber, Jessie Garibay, Alberto Gallardo y Luis Esteban Galicia Jueves 6, 13, 20 y 27 de agosto, 20:30 hrs. Nueva Carpa Geodésica, Av. Insurgentes Sur 2135, San Ángel. $200 general. Boletos en taquilla y GeoBoletos. Redes: @lapicarapandilla
