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  • Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Una obra escrita por Daniel Veronese, bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado.

    La experimentada y lúcida actriz de cine , teatro y televisión Francesca Guillén protagoniza; Mujeres soñaron caballos, del dramaturgo argentino Daniel Veronese, que se presenta en La Teatrería bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado, producción de Pacto Escénico.

    La obra sitúa al espectador como testigo incómodo de una cena entre dos hermanos y sus parejas. Lo que inicia como un encuentro cotidiano se transforma en un campo minado de reproches, deseos frustrados y violencia contenida. Veronese, referente del teatro latinoamericano contemporáneo, usa el absurdo y el realismo para mostrar cómo la intimidad se vuelve un ring de poder.

    Guillén es Ulrika, un personaje que oscila entre la vulnerabilidad y la rabia. Su interpretación transita del sarcasmo al quiebre emocional con una precisión que sostiene la tensión de la obra. La acompañan en escena Mónica Jiménez como Bettina, Juan Ríos como Iván, Estela Aguilar como Julika, Carlo Basabe como Roger, Gina Granados como Lucera y Víctor Loomis como Rainer.

    Mujeres soñaron caballos se ha convertido en un texto clave del teatro iberoamericano por su forma de retratar el delirio de los roles de género y la descomposición del núcleo familiar sin panfletos ni juicios. Esta versión mantiene el pulso original de Veronese pero resuena con ecos locales: la casa como territorio de disputa, la cena como ritual fallido.

    Veronese no escribe obras: escribe partituras para que el actor se estrelle. Su mérito es devolverle al diálogo la categoría de acción. Su límite es que sin un actor que entienda el silencio, el texto se queda mudo. Daniel Veronese es una teatralidad – estado de emergencia.

    En exclusiva para LosReporterosMX , Francesca comparte una serie de reflexiones:

    “El hilo de plata se coge a ciegas”

    A.G. ¿Qué representa para ti en este momento formar parte de esta puesta en escena?

    F.G. Reconectar con mi animal lúdico en un montaje breve, mordaz y lleno de posibilidades para transitarse; mi animal en búsqueda de escape del acotado espacio en que transita. Resignarme en la intuición del que habita y escucha en tiempo presente… el rompimiento de mi propia imposición a ceñirme a lo que no palpita conmigo. Eso significa este montaje en este momento de mi vida. Develar mi propio laberinto y resolverlo a mi tiempo en donde corresponde.

    A.G. ¿Qué fue lo que más te atrapó del concepto, de la historia, del guión de: Mujeres soñaron caballos?

    F.G. Me fascina que el planteamiento esté sustentado en el trabajo de sus intérpretes y no en los decorados u otros elementos ajenos que culminarían en artificio. La desnudez simbólica de las actrices y los actores poniendo el cuerpo como único filtro ante la mirada del espectador.Damos peso a la palabra, el subtexto, el silencio, y la historia fincada a estos únicos elementos; Gatillos improvisados para detonar contra el otro / la otra mediante la exhibición grotesca de su falta.

    También me pareció magnífico que el autor exija ceñirse a lo que está escrito. Sin adiciones, sin reiteración, sin sobre explicación. La sabiduría intuitiva de la palabra como un acto impulsivo y sin filtro.

    A G. Háblanos de Ulrika, tu personaje.

    F.G. Decadente, ácida, lastimada, hiriente, soez, mordaz, piromaniaca emocional.Impaciente, profética y densa.Cínica, histérica, irónica, sarcástica y cáustica.

    Desde el punto de vista del reto actoral: exquisita.

    A.G. Tienes una gran trayectoria en cine, teatro y televisión. ¿Consideras que este montaje representó un reto? ¿Cómo lo encaraste?

    F.G. En muchos sentidos mi abordaje al mundo es siempre infantil, por lo que todo en esta vida me representa un reto, un riesgo, un salto al vacío. Un nuevo juego que seguro me dolerá.

    En este caso concreto: sí, tuve muchas crisis en el proceso. Mucha angustia e incomprensión de la petición. Sentí por momentos que me invitaban a deshacerme de mí para llegar a algo nuevo… sigo sin resolver tal enigma, pero decidí confiar en mi entraña… y accionar. Solo ahí, en escena, en la acción, se halla la solución. El hilo de plata que se coge a ciegas pero guía hacia un nuevo nivel del inframundo en que se habita.

    Me gusta hilvanar palabras y sensaciones… de eso me amarro para el salto al vacío. El aterrizaje es siempre desconocido lo que me hace sentir finalmente viva y auténtica en mi búsqueda.

    A.G. ¿Cuál es tu sensación tras el estreno? ¿Qué tal te sientes con esta producción y este elenco?

    F.G. Bueno, aún queda un camino para seguir encontrando tesoros y trampas. El montaje es joven en todo sentido así que lo mejor está por venir. Cuando la madurez nos alcance a todos los intérpretes en escena entonces nacerá el fruto, mientras tanto habitamos el árbol, nos familiarizamos con su ritmo.

    Me gusta este elenco, esta conformación de entidades en todo sentido diversas. No todo me agrada en nosotros, pero aún eso me agrada.

    Somos una perfecta familia disfuncional con filias y fobias para resolver y resonar. Hay un equilibrio en la precariedad del colectivo y las certezas que creemos poseer y que sin embargo aún están por sorprendernos.

    La puesta cuenta con diseño de escenografía e iluminación de Alberto Reyna, asesor de movimiento escénico Edson Martínez.

    Mujeres soñaron caballos

    Autor: Daniel Veronese

    Dirección: Mariana García Franco & Abraham Jurado

    Elenco: Francesca Guillén – Ulrika, Mónica Jiménez – Bettina, Juan Ríos – Iván, Estela Aguilar – Julika, Carlo Basabe – Roger, Gina Granados – Lucera, Víctor Loomis – Rainer

    Producción: Pacto Escénico

    Foro: La Teatrería, Tabasco 152, Roma Norte, CDMX

  • CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    TRIAGE.                                   

    Por: Alexandro Guerrero

    Producir la serie Sesiones Vagabundas México, conducida y realizada a partir de la idea original de Mauricio Figueiral, fue todo un honor.

    La más reciente temporada del programa, nació de una invitación que recibí en el Hotel Nacional de La Habana en 2022. Desde ahí, pensar en las distintas posibilidades de locaciones y sedes fue ir dando con el encuentro de distintas latitudes, también institucionales, que en materia cultural decidieron apoyar este proyecto sin pensarlo dos veces.

    El elenco que se conformó es, además, una maravillosa muestra de diversidad en un aspecto amplísimo. Eso fue lo que busqué de alguna manera curatorialmente: desde lo musical, mostrar para Latinoamérica cuál es el sonido de lo que es México hoy. Teniendo como coproductores a Orlando Canseco, Rol Alvarez y Alfonso Vázquez Pérez, además del audio del maestro Antonio Diego.

    Sesiones Vagabundas, grabada en México se transmite  por Canal 14 a las 5:30 p.m. los miércoles, a partir de este 22 de abril. La señal y complicidad de teleSURtv  y CanalHabana acompañan en esta aventura sonora que consta de 11 capítulos y sus protagonistas son: Mariachi Amazonas de Alejandra Carballido; Horacio Franco;  Sol Pereyra; Jaime Ades; Iskander; Alexandro Guerrero; Tere Estrada; Jorge Fratta; Julia González; Adriana Camacho, Ross CL y Orlando Canseco: Lobo Estepario. El centro Nacional de las artes, la Fonoteca nacional, Tepito y su espacio cultural, Centro Cultural “El rule”, Hostal Regina, Xochimilco, Cafebrería El péndulo ;La Esmeralda; El estudio A de Radio educación y el Museo del tequila y el mezcal de Garibaldi , son los escenarios y el marco de las sesiones en esta infinita urbe tan diversa.

    Sesiones Vagabundas: historia del proyecto de Mauricio Figueiral

    Sesiones Vagabundas nació en Cuba como una serie documental-musical creada, dirigida y conducida por el cantautor Mauricio Figueiral. El formato se emitió por primera vez en Canal Habana y luego tomó proyección internacional a través de TeleSUR, donde lleva más de cinco años al aire.

    La tesis era clara: sacar la música de teatros y estudios para llevarla a “rincones ocultos de La Habana que no salen en postales, que no salen en revistas porque solo los cubanos amantes de la ciudad conocen”. Cada capítulo combina sesión acústica en vivo + entrevista íntima con artistas “muy queridos” del panorama cubano. La conversación, sin guion, busca “descubrir al ser humano que creemos conocer, pero que aún le queda demasiado por contarnos”.

    Con apoyo de instituciones culturales y la Asociación Hermanos Saíz, la serie salió de La Habana para retratar otras escenas. Figueiral lo explicó así: “Estoy en Camagüey retratando su música y sus lugares públicos, con agrupaciones jóvenes y otras que se renuevan constantemente”.

    Las temporadas grabadas tanto en la Habana como en la República de Cuba en ciudades del interior así como en Caracas, se han transmitido por distintos canales de la televisión pública de México.

    El criterio curatorial no es el hit, sino la historia que puede abrir la música cuando se toca sin máscaras.

    Fuente: Canal Catorce https://share.google/54iki14ewFPgDE6et

  • El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky por fin en México. Se presenta a partir del próximo 24 de abril en el Teatro Orientación del CCB /INBAL.

    Desde la visión del creador chileno Alejandro Jodorowsky, la escena es un acto de resurrección, no un cadáver para el análisis. Una de las claves del Teatro de Alejandro Jodorowsky es que nunca ha buscado ser “comprendido” dramatológicamente. No distingue niveles, ni mide tiempos “diegéticos”, tampoco defiende el pacto ficcional como condición del hecho escénico. En “El Gorila”, atestiguamos un teatro deliberado que rechaza la autopsia académica. Emancipado a distintos niveles de esa teoría que disecciona la escena: “El Gorila” creado por Alejandro y Brontis Jodorowsky por primera vez en México, a partir de un cuento de Franz Kafka, muestra a un simio que aprende a ser humano para evitar la jaula. Esa en la que normalmente estamos todos profundamente solos.

    Aquí se invierten los términos: si la teoría exige distancia estética, en el Gorila, se da una propuesta que busca incendiarla. “La distancia es el infierno de los tibios”, sostendría la poética. Por eso Brontis no “interpreta” al gorila, se pone al servicio del rito con argumentos técnicos en lo actoral impecables y dinámica escénica precisa y lanzada poderosamente como crítica anticríptica, también de las “actoralidades” que ven como éxito al falso altar de la institución.

    “El Gorila” no necesita ser afirmado como vigente para publicidades demagógicas, la pieza es un manifiesto de reivindicación del suceso. En su genealogía, el teatro nació en la sangre, en la máscara que llama a los dioses. El paso por la academia, dice la visión del director, volvió al teatro “oficina con aire acondicionado” donde se llenan formularios. Lo volvió contable. Frente a eso, en “El Gorila” también se nos presenta una oportunidad de recuperar como espectadores, una propuesta muy lograda desde la agresión simbólica (sin intrumentalizarla), al sacrificio y el grito como herramientas, no como excesos.

    El Gorila ofrece su informe a una academia de hombres con birrete que aplauden sin entender que están siendo acusados, el informe es un escupitajo. El teatro vivo, sostiene esta postura, no cabe en cuadros ni categorías. El día que entre al aula, romperá los cuadros, orinará el pizarrón y saldrá aullando. Ese día, el crítico tendrá que elegir entre medir el aullido o aullar con él.

    La disyuntiva es clara: se puede entender el teatro o se puede dejar que el teatro nos intervenga para de algún modo nacer de nuevo. Entre tanto teatro gris de inercias hoy aquí, El Gorila respira.La jaula ahora es algorítmica El gorila de Kafka aprende a imitar al humano para salir de su jaula física. Hoy, millones de personas aprenden a imitar al algoritmo para no ser invisibles: editan su rostro, modulan su opinión, repiten tendencias para que la plataforma no las encierre en el silencio. El Gorila pone cuerpo a esa domesticación voluntaria. En escena, Brontis muestra cómo la “libertad” se consigue a costa de la naturaleza propia. El público de 2026 ya no ve una metáfora: ve su feed de TikTok, su CV optimizado para IA, su pasaporte biométrico. Hay una crísis de identidad como herramienta a la biopolítica global: De Gaza a Ucrania, de las elecciones en USA a las protestas por el agua en América Latina, el dilema es el mismo que grita el Gorila : ¿a qué renuncio para que me dejen vivir? Migrantes que borran su acento, disidentes que callan para no ser cancelados, países que negocian su soberanía por seguridad. Jodorowsky, premiado en 2025 con la Medalla Bellas Artes por “la osadía y la libertad creativa”, recurre a Kafka para recordarnos que adaptarse puede ser una forma de morir. El montaje dura 70 minutos; la pregunta dura toda la salida del teatro.

    El director recibió la Medalla Bellas Artes 2025 y desde París expresó: “a los artistas les falta agradecimiento real”. El Gorila es ese agradecimiento convertido en herencia. No es nostalgia: es advertencia. A sus 96 años. Alejandro Jodorowsky en otra mancuerna creativa con Brontis Jodorowsky nos regalan una bomba para recordarnos que seguimos eligiendo la jaula porque le tememos a la selva. ¿Quién necesita más espejos que nos digan que “estamos bien”? Aquí tenemos un Gorila que nos espeta si hay sentido en haber aprendido a caminar en dos patas.

    Brontis Jodorowsky nació en la Ciudad de México en 1962, debutó a los 7 años en El Topo (1970) dirigida por su padre. ,Tras participar en “La montaña sagrada” (1973) y ganar la Diosa de Plata al Mejor Actor Infantil en 1974 por El muro del silencio de José Luis Alcoriza, se trasladó a Francia en 1979 y estudió teatro con Ryszard Cieslak. Desde entonces ha desarrollado una carrera internacional trabajando en escena con directores como Ariane Mnouchkine, Irina Brook, Jorge Lavelli y Simon Abkarian, y ha dirigido óperas como Pelléas et Mélisande (2009), Rigoletto (2011) y Carmen (2012). En cine ha actuado en Santa Sangre (1989), La danza de la realidad (2013) y Poesía sin fin (2016), ambas de su padre, además de Tau, 7 días en Entebbe, Bayoneta y Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (2018), donde interpretó al alquimista Nicolas Flamel. Paralelamente, publicó “Manual de codicia” (2020), un libro de aforismos críticos sobre la sociedad de mercado y prepara en la actualidad un nuevo lanzamiento editorial. Recientemente participó como actor en la etnoficción de Tania Campos Thomas: “Como Elena, en París” en el Théâtre de l’Opprimé de la ciudad francesa a que refiere el título del montaje, pieza integrada por un equipo creativo francomexicano. Esto en el marco de las actividades que conmemoran el bicentenario de las relaciones diplomáticas México –Francia y el aniversario 110 del nacimiento de la escritora Elena Garro. Producto de esta residencia con la compañía mexicana (…) Puntos suspensivos; “La structure” compañía de Brontis Jodorowsky, colaboran entrambas para la temporada de: “El Gorila” que alberga la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura/INBAL.

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky se estrenó en 2009. Era la primera vez que padre e hijo firmaban juntos el montaje: Alejandro en dirección, escenografía y música; Brontis en escena. De ahí saltó a París en 2010 para una temporada en el Théâtre du Lucernaire. Ese mismo año cruzó el Atlántico y se instaló todo junio en el Teatro Sarmiento de Buenos Aires. La gira europea se extendió. Ya se había visto en Francia, Italia e Inglaterra antes de agosto de 2011. En 2011 tuvo dos hitos italianos: se presentó en Siena, en el Teatro Politeama di Poggibonsi dentro del Fenice Festival toscano, y el 17 de agosto llegó a España por primera vez, al Festival de Teatro y Danza de San Javier, en Murcia, en el Auditorio Parque Almansa. En 2012 el monólogo siguió viajando. El 29 de enero se estrenó en Madrid, en el Teatro Circo Price, siendo España el séptimo país en verlo en tres años. Ese mismo año volvió a la tierra natal de Alejandro: Santiago de Chile, como parte del XIX Festival Santiago a Mil en el Teatro GAM, con Brontis presentándose por primera vez en Chile. Entre 2010 y 2016, el monólogo sostuvo una gira internacional de seis años que lo llevó por varios países de Europa, América y Reino Unido. Tras esa itinerancia, El Gorila regresó a París en la temporada 2015-2016 “tras una larga gira de seis años”.

    Ahora, en 2026, del 24 de abril al 17 de mayo este mítico acontecimiento escénico, eslabón indispensable en la historia del Teatro Mexicano Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque, en Ciudad de México. Jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00. Los boletos ya están disponibles en:https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=411

  • TRIAGE: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”

    TRIAGE: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”

    Por Alexandro Guerrero

    La exposición: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”, se extiende hasta el 19 de abril.

    Mónica Dower estudió pintura con la maestra Teresa Cito y la carrera de Artes Visuales con los maestros Gilberto Aceves Navarro y Francisco Castro Leñero (FAD, UNAM).
    Realizó una residencia en París de tres años (1989-1992) trabajando dibujo y arte oriental, en el atelier del Maestro Luis Ansa.

    Ha realizado 15 exposiciones individuales y ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en México y en otros países como Alemania, Argentina, Canadá, China, Croacia, Cuba, España, EUA, Francia, Italia, Portugal y Suiza.

    Su exposición individual más reciente, Mujeres entretejidas, Guerreras en el Tiempo, Politécnico Nacional, Centro Cultural Jaime Torres Bodet, textos de Dina Comisarenco y de Miriam Kaiser, marzo 2025. Su exposición individual internacional más
    reciente, Guerreras en el Tiempo, en el Instituto de Cultura de México en España, curada por Mónica Sotos, abril 2022.

    Su exposición colectiva más reciente: 8M, maestras y
    alumnas de La Esmeralda
    , Paseo de las jacarandas, en el Cenart, 2026. Artista Invitada en 2022 y 2021 en La Iberoamericana de Toro, Mujer y Artes Visuales, Siglo XXI, Primera y Segunda Edición, en Castilla y León, España, curada por Víctor Del Campo. Finalista en la II Bienal de arte contemporáneo Barco, León Guanajuato, curador, Tobías Ostrander, 2023. Finalista en la Bienal Lumen 2021, Parámetro IV realizada en el Museo de La Ciudad de México. Cuerpo, dolor y sombras, comissaire Mónica Sotos, Instituto Cultural
    de México en España
    , Madrid, 2021.

    Es docente de La ENPEG desde 2014, y ahora se encuentra cursando la Maestría MPIAV, Maestría en Producción e Investigación en Artes Visuales de la Esmeralda.

    En entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, la Maestra Dower comparte detalles de su exposición “Bajo el signo de Nut”.

    A.G ¿De dónde surgió esta exposición?

    M.D. Surgió por invitación de Cony Cuevas, coordinadora de Alas y Raíces en CDMX, para una conferencia en el marco de Tiempo de Mujeres, en marzo. La propuesta era hablar de mi serie Guerreras en el Tiempo: una reflexión que reactiva a mujeres del pasado y las pinta como guerreras. Son figuras valientes cuya imagen pervive en mi obra. Busco rescatar lo que significaron y significan: mujeres que defendieron sus vidas, sus familias, su cultura y encarnan una matriarca. Mi aproximación es sincrética: trabajo su imagen con bordados mexicanos que pinto, y así, mediante la trama y el color, unifico su cultura y la nuestra. Es también un homenaje a mis raíces y a mi genealogía migrante que se mexicanizó. Finalmente Cony consiguió el espacio en el Centro Cultural El Rule, donde pude mostrar las piezas. Como he trabajado también las series de Nut, Coatlicue y Círculo de Afectos, con el curador Luis Rius Caso armamos una curaduría representativa que reúne todas.

    A.G. ¿Qué urgencia expresiva te llevó al tema?

    M.D. La primera fue hacer un retrato de mi abuela materna, Jacqueline Schmitt, quien formó parte de la Resistencia francesa y trasladaba información en bicicleta entre pueblos. Murió en el parto de gemelos por falta de sangre, y mi madre quedó huérfana a los 4 años. Le pedí a mi madre, Dominique, una foto de mi abuela y que eligiera un textil para dibujarlo y así cobijarla. Eligió un textil mexicano; así mi abuela, virtualmente, recibe el calor y la generosidad de este país.

    La muestra recibió la visita del crítico de arte y creador senegalés Ery Cámara, autor de The language that we share; Mirando al Xoloitzcuintle; África Hoy; Arte Animista; y Senegal nuestro país. Tradiciones culturales de las etnias. África. La figura de Nut es emblemática: protectora de la bóveda celeste. Me apropié de su imagen encorvada como símbolo protector; en Nut en sororidad se le ve protegiendo a una mujer, quien a su vez protege a otra, y así al infinito…

    El dibujo Mujer abrazando a la Coatlicue expresa también esa necesidad de protegernos y vincularnos con una fuerza mayor, de manifestar el fervor en el abrazo.

    Estos lazos quedan registrados en la secuencia de imágenes:

    • Jacqueline Schmitt, abuela de la autora, dibujo, 70 x50 cm, 2021
    • Nut en Sororidad, 70 x100 cm, acuarela sobre papel, 2025
    • Abrazo, carbón sobre papel amate 120 x200 cm
    • Círculo de Afectos, secuencia de acuarelas de 30 x40 cm, 2026
    • Dominique, abuela de la autora, frente al retrato de su madre: Jaqueline

    En las acuarelas de Círculo de Afectos, los danzantes celebran y festejan cargando flores que funcionan como vasos comunicantes que los obligan a habitar el presente. Ahí mi necesidad es respirar, sentir la alegría como acción micropolítica, pues el sistema ha instrumentalizado nuestros cuerpos y descansar, hacer algo ocioso o festejar contradice la exigencia de ser siempre productivos.

    Sin duda, momento de aprovechar esta temporada de vacaciones, para acercarse a esta expresión profunda y pertinente en un contexto en que se vuelve vital pensar en las deidades de protección y la belleza como fin último de nuestra especie.

    Abierta al público todos los días de las 10 am a las 19 hrs.

    En portada Mónica Dower y Ery Cámara. ww.monicadower.com

  • TRIAGE: Especial Día Mundial del Teatro

    TRIAGE: Especial Día Mundial del Teatro

    Por Alexandro Guerrero

    “Todo marzo en el Helénico Festejamos el Teatro”: Luis Arturo García, recién nombrado Director de este axial Centro Cultural del país, platica con Los Reporteros MX.

    Luis Arturo García, politólogo y creador escénico, nos brinda un espacio en medio de su labor al frente de esta institución para compartir estrategias y reflexiones: Egresado de la UNAM en Ciencias Políticas y del Centro Universitario de Teatro, considera que es tiempo de relevo generacional en diversas áreas de la administración y el proyecto cultural de nuestro país.

    Queremos hacer del Centro Cultural Helénico un espacio más inclusivo y diverso, que refleje la riqueza cultural de México“. “Nuestro objetivo es crear un lugar donde la gente se sienta cómoda y pueda disfrutar de la cultura, el arte y el teatro en su mejor forma expresiva con los medios que requiera“.

    El teatro es un espacio para la discusión, la escucha y el diálogo, especialmente en tiempos de violencia y polarización” y señala: “Queremos crear un espacio donde la gente pueda reunirse, compartir ideas y reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos“.

    Luis Arturo también resalta la importancia de la formación de públicos y la educación artística. “Queremos trabajar con las escuelas y las comunidades para crear programas de educación artística que sean accesibles y relevantes para todos“. “Queremos que la gente se sienta cómoda con el arte y el teatro, y que lo vea como una parte integral de su vida“.

    Actividades en el Día Mundial del Teatro de entrada libre organizadas por el CC Helénico

    27 de marzo

    En el Centro Cultural Helénico

    • 18 h — Aprender a nadar (Foro Alternativo)
    • 20 h — Los Hardings (Foro La Gruta)
    • 20 h — El manipulador de mentes (Teatro Helénico)

    En bibliotecas

    • 13 h — Vendedora de voces (Biblioteca Vasconcelos)
    • 17 h — Por temor a que cantemos libres (Biblioteca de México)

    En cuanto a los planes a corto plazo, Luis Arturo menciona que se están trabajando en varias iniciativas, incluyendo la creación de un nuevo programa de residencias artísticas y la organización de un festival de teatro internacional.

    “Queremos hacer del Helénico un lugar de encuentro para artistas y públicos de todo el mundo, ahora con el mundial, nuestra forma de llegar a los espectadores es más lúdica, vengan al Helénico a seguir jugando después de los partidos “, es un lugar de encuentro.

    El nuevo director destaca la importancia de la interdisciplina y la colaboración con otros estados para llevar el teatro y las artes a más comunidades. “Es nuestra obligación distribuir de manera equitativa los recursos y apoyar a los proyectos que buscan innovar y experimentar“, dice con convicción. “Queremos trabajar de la mano con los estados y las comunidades para crear programas y proyectos que sean relevantes y significativos para ellos“.

    Aquí resalta una reciente convocatoria en colaboración con el Estado de Sonora. Al respecto, la titular del Instituto de Cultura de dicho Estado, la Maestra Beatriz Aldaco nos comparte:

    “La relación colaborativa con el Centro Cultural Helénico se da con base en la creciente actividad teatral en el estado y por la calidad de los grupos que se han ido consolidando y proyectando en el contexto estatal, nacional e internacional, los cuales han compartido escenarios con grandes compañías en países como Italia, Francia, Estados Unidos, Colombia, Guatemala y El Salvador, por mencionar algunos. Eso hizo posible que ese prestigioso centro cultural aceptara la coordinación con el ISC y nos propusiera llevar a cabo “Saberes sobre la escena”, que consiste en la capacitación de creadoras y creadores en el ámbito teatral; además de este esfuerzo, también fue posible concretar la colaboración de “Proyectos de producción escénica”, con una bolsa de 200 mil pesos para dos grupos del estado. Cada grupo seleccionado recibirá 100 mil pesos para la producción
    de su propuesta escénica. El Instituto Sonorense de Cultura conmemora este día 27 de marzo el Día Mundial del Teatro con funciones en diferentes municipios el estado, considerando también el Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Adolescentes, que se conmemoró el 20 de marzo,
    y el Día Mundial del Títere y/o Marioneta, que tiene su celebración el 21 de este mismo mes. Todas estas fechas conmemorativas forman parte de la cartelera de nuestra
    institución”, concluye.

    https://helenico.gob.mx/convocatorias/detalle/4046/saberes-sobre-la-escena-en-sonora-2026.

    Centro Cultural Helénico https://share.google/yafb1edb8Fb7IdcCA

    Instituto Sonorense de Cultura https://share.google/UmHjQL2zdsRiBldXd

    ¡VIVA EL TEATRO!

  • TRIAGE: Radio Educación llega a dos meses de exitosas transmisiones con “Grita ¡Goya!”

    TRIAGE: Radio Educación llega a dos meses de exitosas transmisiones con “Grita ¡Goya!”

    Por Alexandro Guerrero

    Fernanda Tapia, directora de la institución, en entrevista para Los Reporteros MX.

    Radio Educación, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, transmite desde enero de 2026 Grita ¡Goooya!, una producción de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en la que se dialoga y reflexiona sobre temas sociales, culturales y políticos que interpelan a las juventudes en la actualidad.

    Con un enfoque crítico y plural, Grita ¡Goooya! pone al centro las voces estudiantiles para reflexionar sobre problemáticas contemporáneas desde la experiencia universitaria. A lo largo de trece episodios, el programa propone un espacio que vincula la experiencia estudiantil con los retos colectivos de la sociedad.

    Se abordan temas como las creencias religiosas, la espiritualidad, el futuro del planeta, las múltiples formas del amor, las experiencias de estudiantes indígenas en la UNAM, la vida universitaria durante el confinamiento, el impacto de las redes sociales, los estigmas generacionales, el racismo cotidiano, la salud mental, las diversidades sexogenéricas, el patriarcado, la meritocracia y el debate en torno a las drogas, entre otros.

    Es conducido por Demian Ernesto Pavón, Mariana Berenice Vega González y Katia Lara Vargas, integrantes del Programa Universitario de Estudios sobre Democracia, Justicia y Sociedad (PUEDJS-UNAM), quienes, junto con estudiantes de distintas facultades de la UNAM, desarrollan un espacio de escucha, análisis y reflexión colectiva en torno a la sociedad, la cultura y la política.

    Pavón, sociólogo y editor del PUEDJS, es también coordinador editorial del periódico ¡Goooya! y doctorante en Sociología por la UNAM; mientras que Vega González estudia Sociología en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales y cuenta con experiencia en medios universitarios como Radio UNAM y TV UNAM; Lara Vargas, por su parte, es tesista de la Licenciatura en Filosofía por la Facultad de Filosofía y Letras y violinista egresada del Conservatorio Nacional.

    ¡Grita Goooya! se transmite por Cultura 96.5 FM los martes a las 12:30 h y también por Cultura Sonora 104.3 FM los sábados a las 17 h, hora local.

    Radio Educación transmite en la Ciudad de México a través de Cultura 96.5 FM y Cultura 1060 AM “La Centenaria”; en Morelia por Cultura Michoacán (95.3 FM); en Hermosillo por Cultura Sonora (104.3 FM); en Mérida por Cultura Yucatán (107.9 FM); en Cultura México (6185 kHz, Onda Corta) y para todo el mundo a través de radioeducacion.edu.mx.

    Fernanda Tapia, directora de Radio Educación, en entrevista:

    A.G. ¿Cómo se da el encuentro entre Radio Educación y la Revista Goya/PUEDJS UNAM?

    F.T. Coincidí con el Dr. John Ackerman en un evento y me platicó sobre el proyecto. Me regaló un ejemplar de la revista y quedé gratamente sorprendida. Cuando me comentó que los chicos estaban grabando pódcast, se nos ocurrió la misma idea: abrirles la radio pública.

    A.G. ¿Cuál ha sido el proceso para transformar estas voces en expresión radial?

    F.T. Los jóvenes de Grita Goya manejan muy bien la tecnología; ellos mismos convirtieron la revista en pódcast. Radio Educación ha amplificado su voz para llegar a otros públicos, potenciando un diálogo intergeneracional.

    A.G. ¿Cómo les fue en el primer programa?

    F.T. El tema del rating es complejo. Más allá de eso, lo importante es que la radio pública se rige por el beneficio social y la pertinencia del contenido. En Grita Goya celebramos escuchar a jóvenes reflexionando con solidez, respeto y entusiasmo.

    A.G. ¿Qué sorpresas tendrá la audiencia?

    F.T. Mejor los invitamos a escuchar la serie todos los martes por Cultura 96.5 FM y los sábados por Cultura Sonora 104.3 FM.

    A.G. ¿Habrá más actividades a futuro?

    F.T. Esta es una colaboración que será fructífera, diversa y duradera. Con la UNAM mantenemos una relación sólida y este proyecto tiene el valor de traer directamente las voces estudiantiles.

    Demian Ernesto Pavón, co-conductor, destacó que la transición al formato radiofónico ha sido un desafío, pero también una oportunidad para visibilizar problemáticas de la juventud que suelen ser ignoradas. “Es un trabajo conmovedor y necesario, una conquista de espacios para la juventud”, afirmó.

    Redes sociales:

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    Radio Educación: La Radio de las Culturas de México.

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  • TRIAGE: OPUS 94 transmitirá “Por siempre Rita”, programa especial a 15 años de la desaparición física de una infinita presencia icónica

    TRIAGE: OPUS 94 transmitirá “Por siempre Rita”, programa especial a 15 años de la desaparición física de una infinita presencia icónica

    Por: Alexandro Guerrero

    La emisora Opus 94.5 del Instituto Mexicano de la Radio-IMER, presenta un programa especial dedicado a recordar la trayectoria y el legado de Rita Guerrero, una de las voces más singulares de la música mexicana contemporánea. A 15 años de su partida, el recuerdo de su presencia escénica magnética y su sensibilidad profunda sigue vivo en el corazón de sus seguidores.

    Rita Guerrero trascendió los márgenes del rock para adentrarse en el teatro, la televisión cultural y la interpretación de música antigua, demostrando su versatilidad y curiosidad estética. Su rigor interpretativo la llevó a explorar repertorios diversos y a tender puentes entre tradición y contemporaneidad, creando un legado que trasciende una discografía o una escena musical.

    A través de testimonios de colaboradores y personas cercanas, así como de una selección musical representativa, este especial ofrece un retrato íntimo de la artista. Se exploran sus inicios en Santa Sabina, su incursión en la música antigua y su pasión por la enseñanza y la difusión cultural.

    Rita Guerrero falleció el 11 de marzo de 2011 a causa de cáncer, dejando un vacío en la escena musical mexicana. Sin embargo, su trabajo permanece como testimonio de una búsqueda artística que demostró que lo antiguo también puede ser contemporáneo. Su legado sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos y artistas, y su música sigue siendo un referente de la rica diversidad cultural de México.

    Un Legado que Trasciende el Tiempo

    La emisora Opus 94.5 invita a todos a unirse a este tributo a Rita Guerrero, una verdadera icono de la música mexicana. A través de este programa especial, se busca recordar su contribución a la cultura y su impacto en la sociedad. Su música y su legado seguirán siendo una fuente de inspiración para aquellos que buscan innovar y crear algo nuevo. Miércoles 11 de marzo. 18:00 hrs en: https: //www.imer.mx/opus/

  • TRIAGE: Tere Estrada, una voz de poder y libertad, se presenta en el Teatro de la Ciudad

    TRIAGE: Tere Estrada, una voz de poder y libertad, se presenta en el Teatro de la Ciudad

    Por: Alexandro Guerrero

    La rockera mexicana Tere Estrada se prepara para presentar su noveno álbum y cómic, “Nube Volcán”, un proyecto que celebra a las mujeres libres y poderosas a través de 12 canciones cargadas de fuerza y rebeldía.

    El concierto, se llevará a cabo este sábado 7 de marzo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, promete ser un evento inolvidable, con Tere Estrada y su sexteto interpretando temas como “Superheroína de tu cómic”, “Sirenas al ataque” y “Mi moto es la ley”.

    “Nube Volcán” es un proyecto multidimensional que fusiona música, ilustración y literatura, y que invita a reflexionar, empoderarse y expandirse. El álbum y el cómic estarán disponibles en formato físico y digital, y se podrán adquirir en el concierto o en plataformas digitales.

    Detalles del evento:

    • Fecha: 7 de marzo
    • Hora: 19:00 h
    • Lugar: Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
    • Boletos: Disponibles en Ticketmaster

    Tere Estrada es una de las voces más emblemáticas del rock en México, con 37 años de carrera y nueve discos. Ha sido pionera en visibilizar el papel de las mujeres en la música y ha recibido reconocimientos por su labor en la cultura.

    En 2023 la Comisión de Igualdad de Género del Congreso de la Ciudad de México le otorgó la medalla Hermila Galindo por su labor en la cultura, y en 2024 la Comisión para la Igualdad del Senado de la República le dio un reconocimiento por su importante desempeño en la música mexicana. Nube Volcán es un homenaje a la fuerza femenina, al poder de la voz y a la resiliencia.

    Síguela en:

    Escucha Superheroína de tu cómic en plataformas digitales: https://ffm.to/tere-estrada-superheroina-de-tu-comic

    Videoclip oficial de Superheroína de tu cómic: https://www.youtube.com/watch?si=CrzR4FZZVCbzHaFY&v=alI0dErCIc4&feature=youtu.be

    Escucha Sirenas al ataque: https://ffm.to/tere-estrada-sirenas-al-ataque

    Escucha Mi moto es la ley: https://ffm.to/tere-estrada-mi-moto-es-la-ley

    Así como en: https://www.youtube.com/watch?v=9bGL6jeB96I&list=RD9bGL6jeB96I&start_radio=1&t=1081s , donde podrás disfrutar de una sesión para teleSURtv Latinoamérica y Canal Habana, grabada en los estudios de Radio Educación en la Ciudad de México.

  • TRIAGE: Feral, la ley del cuerpo se presenta en la Karpa De Mente

    TRIAGE: Feral, la ley del cuerpo se presenta en la Karpa De Mente

    Por: Alexandro Guerrero

    Un espectáculo radical para la conciencia y los sentidos, en los tiempos que vivimos.

    La Escuela de Artes Circenses de la Ciudad de México y la Escuela de Música del Rock a la Palabra presentan la temporada de estreno de una pieza de circo contemporáneo inspirada en El señor de las moscas de William Golding.

    Acrobacia, riesgo y música en vivo para explorar qué sucede cuando las reglas desaparecen y el cuerpo se convierte en ley.
    “Feral es una puesta en escena donde el espectador pasará por distintos estímulos emocionales y visuales, a través de diferentes técnicas del circo, y de la música en vivo.

    Para nosotros como interpretes ha sido un proceso bello estar bajo la dirección de Iván Mondragón y Edgar Cendejas, ya que cada uno desde su experiencia nos fueron guiando de manera individual y como grupo sin dejar a un lado a los músicos y cantantes, los cuales también son parte de cada escena”, nos comparte la artista circense Patricia Ramírez.

    Más que una adaptación literal, Feral: La ley del cuerpo es una reinterpretación contemporánea donde el cuerpo se convierte en territorio político y poético. La obra evidencia cómo el poder se encarna, cómo la comunidad se construye y se fractura, y cómo la ley, cuando deja de estar escrita, se inscribe en el músculo, la respiración y el riesgo compartido.

    El proyecto consolida el proceso formativo de los estudiantes al situarlos en un contexto profesional de creación, investigación y temporada abierta al público, reafirmando el circo contemporáneo como un lenguaje escénico capaz de dialogar críticamente con la literatura y la realidad social.

    Diego Quintero desde su experiencia formativa y proceso de montaje, comenta:

    “Participar como intérprete/malabarista en Feral, la ley del cuerpo, es un verdadero placer. Como artista que trabaja con la energía y la carga que la escena y los momentos del proceso me brindan, el estar en un montaje con tantos matices es deleite y una oportunidad de poner el cuerpo, la mente y la presencia a prueba con diferentes objetivos en cuestión de minutos. Todo el equipo ha trabajado arduamente y puesto el alma y cuerpo para presentar una obra que se quede en la memoria y el gusto del público, las expectativas son altas, pero estamos seguros de que no vamos a defraudar“.

    En el marco del Proceso Intensivo de Creación de la Licenciatura en Artes Circenses Contemporáneas, la Escuela de Artes Circenses de la Ciudad de México y la Escuela de Música del Rock a la Palabra presentan:

    Feral: La ley del cuerpo

    Bajo la dirección de Edgar Zendejas e Iván Tonaltzi Mondragón, es una creación escénica desarrollada por estudiantes y profesores como parte de un laboratorio intensivo donde el cuerpo es territorio de investigación, riesgo y pensamiento. Inspirada en la pregunta central de la novela —¿qué ocurre cuando la estructura social desaparece?—, la obra traslada el conflicto al lenguaje físico del circo contemporáneo: acrobacia, equilibrios, suspensión, caída y resistencia como metáforas vivas del poder, el miedo y la organización colectiva.

    Aquí, la isla no es un lugar: es una condición corporal.
    La ley no se escribe: se encarna.

    El montaje explora cómo el grupo se constituye, se fractura y se transforma bajo presión. Las técnicas circenses dejan de ser demostración virtuosa para convertirse en dispositivos dramatúrgicos donde la confianza, la violencia, el ritual y la supervivencia se juegan en tiempo real. La música original, creada e interpretada en colaboración con la Escuela de Música del Rock a la Palabra, construye una atmósfera sonora que amplifica el pulso físico del elenco.

    Feral no ilustra la novela; la reimagina desde el cuerpo colectivo. Es un ejercicio de formación profesional que asume la escena como espacio de riesgo compartido, donde estudiantes y docentes investigan juntos los límites entre civilización e instinto, entre orden y pulsión.

    ¿Los tiempos que corren con su violencia y descarnamiento estarán a la altura de este grupo de artistas que siguen soñando con el cuerpo y develando las entretelas de lo que somos como condición humana? El circo volverá a firmarlos una vez más y la oscuridad del humano. No se la pierdan.

    Dirección:

    Edgar Zendejas
    Iván Tonaltzi Mondragón Vallejo

    Elenco Circo:

    Araceli Tagle
    Venus Ale Paineñamkü
    Sofía Carvajal
    Irene Zermeño Sánchez
    Zoe Ponce Arellano
    Carlos Alejandro Trejo López
    Patricia Ramírez
    Harry Garabato
    Diego Negrete
    Elena Becerril

    Elenco Música:

    Floor Delgado
    Katia Barrera
    Eric Nisadó
    Alan Lazcano
    Samuel (Samukas) Hernández López

    Diseño y realización del apartado circense “Cubo”

    Oscar Oliveros

    Vestuario:

    María Aiko

    Secuencia Acrodanza:

    Andrea Salas

    Iluminación:

    Iván Tonaltzi Mondragón

    Maestros de especialidad:

    Bruno Guglielmone
    Vladimir Lissovski
    Oscar Oliveros
    Sabrina Gallardo
    Valeria Meza
    Yareli Reyes Negrete.

    Del 17 de febrero al 15 de marzo ENTRADA LIBRE. Viernes 6 y 13
    Sábados 7 y 14
    Domingos 8 y 15. Foro Karpa De Mente. Miguel Hidalgo #195. Fuentes Brotantes. Tlalpan.

  • “El Mandarín Milagroso”: Una Danza Contemporánea que Transforma el Clásico en la Modernidad

    “El Mandarín Milagroso”: Una Danza Contemporánea que Transforma el Clásico en la Modernidad

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    En su mejor momento, el espléndido Teatro de las Artes del Cenart, concluye hoy temporada: “El Mandarín Milagroso”.

    “El Mandarín Milagroso”, es un espectáculo de danza contemporánea que explora el deseo, la violencia y la redención desde una mirada contemporánea. La obra, creada por Duane Cochran y Aksenti Danza Contemporánea, se inspira en la célebre partitura de Béla Bartók , tuvo un memorable estreno el 30 de enero y concluye hoy funciones , 1 de febrero en el Teatro de las Artes.

    La historia original de Melchior Lengyel es reinterpretada por Cochran, quien propone una lectura renovada de este clásico modernista en diálogo con el Concierto para Violín de Igor Stravinsky. La obra es un programa escénico de gran complejidad musical y emocional, que une la fuerza de la música con la expresividad del cuerpo en un lenguaje contemporáneo profundamente humano y visualmente hipnótico.

    “El Mandarín Milagroso” es un cuento espeluznante sobre prostitución, robo, engaño y homicidio, que fue censurado en su estreno en 1926. La versión de Cochran traslada la historia al Barrio de Tepito, en la Ciudad de México, y cuenta con la participación de reconocidos intérpretes y creadores escénicos, como Sebastián Kwapisz, concertino de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Qué manera de abrir el año 2026 en este espacio. Altísimo nivel de ejecución, espléndido encuentro de precisión y sensibilidades.

    El elenco de El Mandarín Milagroso en el CENART (Centro Nacional de las Artes) está conformado por la compañía Aksenti Danza Contemporánea, bajo la dirección y coreografía de Duane Cochran. En escena: Cecilia Contreras, Elena Hernández, Yoshio Córdoba, Jonathan Villeda, Gustavo Morales, Antonio Salcedo, Juan Negrete, Luis Armas y Rodolfo Aguilera. La obra es posible gracias al apoyo del estímulo fiscal EFIARTES de Gran Formato en su edición 2024, otorgado por primera vez a la disciplina dancística. La música, el diseño lumínico y el vestuario se integran para construir una atmósfera poética y visualmente poderosa. El Teatro de las Artes: Un Espacio Emblemático de la Cultura en México.

    Teatro de las Artes: Es ya un histórico recinto de la Cultura en México que sin duda atraviesa una de sus mejores épocas, no solo por el nivel del equipo técnico y el funcionamiento estricto para las amplias necesidades estéticas de cada espectáculo que es ahí con sensibilidad programado. El equipo de sala despliega gentileza y es atento a cada requerimiento en términos de seguridad. El CENART nos lleva de un asombro a otro por las propuestas al público que lo han convertido más que nunca en la actual administración, en un sitio cercano y constante en la vida de innumerables habitantes de nuestra inmensa urbe, además de ser un sitio referencial para visitantes del interior de la república y otros países. Generoso e impecable, el pulmón cultural de México. Con imágenes de Diana García. El mandarín milagroso / Cierra temporada.

    Fechas y horarios:

    – Domingo 1 de febrero , 18:00 h

    Lugar: Teatro de las Artes, Cenart

    Boleto: 200 pesos

    El CENART ofrece descuentos del 50% para estudiantes y maestros (con credencial vigente) en taquilla y para sus cursos, además de promociones como el “Miércoles 2×1” en espectáculos, que suelen ser exclusivas de taquilla, y a veces descuentos especiales para donaciones o en plataformas como Promodescuentos.cenart.gob.mx