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  • TRIAGE: Veinte años de la Escuela: “Del Rock a la Palabra”

    TRIAGE: Veinte años de la Escuela: “Del Rock a la Palabra”

    Por Alexandro Guerrero

    Iniciamos en esta columna una serie de artículos enfocados en conmemorar un sitio en el que de manera gratuita las y los jóvenes de la ciudad han creado comunidad y resistencia.

    En 2006, Guillermo Briseño abrió la puerta en Chimalistac porque el país ya había castigado bastante al rock. Lo corrió de Avándaro a patadas, lo llamó ruido, lo confundió con delito. Él dijo: si es ruido, entonces hay que darle palabra. Y si es palabra, que corte. Que cure.

    “Aquí el más pelón se hace trenzas” , espeta con orgullo al micro el maestro Briseño. Para él, este oficio no es para sonar bonito. Es para abrirle el pecho a alguien y meterle aire. Por eso en esta escuela no hacen técnicos de la distorsión; hacen colectivos que se entretejen ya entre las distintas generaciones de egresados y maestros, entre otras banderas, para que se sepa en la pedagogía del rock, que una guitarra sin frase que duela, es solo un mueble caro.

    Por esa casa pasaron Betsy Pecanins y dejó su incendio intacto. Hebe Rosell, Felipe Souza, tantos otros que no fueron a dar clase: fueron a compartir la herida. Para Briseño, aquí el maestro no califica. Acompaña. Sangra con el alumno hasta que la rola dice lo que tiene que decir.

    Veinte años y siguen en Av. de la Paz 26. Gratis. Con cédula SEP, sí, pero para Memo eso es papel. Lo que no es papel son los 138 que audicionaron por primera vez en aquel convulso año del fraude electoral perpetrado por el PRIAN, de la “otra campaña” y la represión de Atenco. Los que hoy tocan fuera del país y ya no piden permiso: los que regresan a dar clase porque entendieron que el rock también se hereda igual que las luchas, la poesía y la ideología.

    Para los veinte años, Briseño no quiso pastel. Hubo unos ricos tacos y un sabroso y opíparo toquin. Entre tanto “fest” sobremoderno por el varo: aquí se treparon a incendiar con sonido su propio altar. El altar escuela y ahí nomás.

    Mientras afuera el arte se cotiza por stream, él sigue defendiendo que el rock es derecho, no mercancía. Que tres acordes todavía pueden salvarte la vida. Pero hay que saber cuáles. Y hay que saber por qué.

    Veinte años del Rock a la Palabra. Briseño no celebra números. Celebra que el ruido se sabe y se escribe bien. Y que la palabra, cuando va amplificada, todavía es la mejor enfermera.

    La tarea, dice, sigue: curar. Raspar. No dejar morir.


    El lineup del 20 aniversario en donde nos brindaron una inmensa tocada: “SOLISTAS QUE NO ESTÁN SOLOS”. Este viernes 15 de mayo de 2026 sonaron en la celebración: Marica; Nay Stanfield; Rima Yamir; Verónica Ruiz; Marisol Portilla; Geo Equihua y Nacho Quirarte. Alucinantes y de alto nivel en cada propuesta.

    Los Invitados de honor: IRAIDA NORIEGA: INFINITO. Con: Alex Otaola; Chema Arreola; Toto Merino; Christian Balderas.

    Histórico es el Foro Betsy Pecanins ya de la EMRP, ahí precisamente en Av. De la Paz No 26 anexo, Chimalistac.
    Con apoyo logístico y técnico de la Secretaría de Cultura del gobierno de la Ciudad de México.

    Rockeando y palabreando, el festejo continuará.

  • TRIAGE: Jaime Ades y la Broma Cósmica

    TRIAGE: Jaime Ades y la Broma Cósmica

    Reír con el caos para no perderse, este 23 de mayo en el Foro del Tejedor ¿Qué es la Broma Cósmica?

    Por Alexandro Guerrero

    Para Jaime Ades, referencial cancionista y escritor mexicano, la “Broma Cósmica” es un filtro sinestésico para observar la vida. Es ese momento donde empiezas a encontrar coincidencias tan bien colocadas que no pueden ser casualidad. Es la forma de ver la existencia con humor a pesar de las adversidades, porque “el buen sentido del humor es esencial para no perderse en la complejidad de la existencia“.

    El proyecto: Crónicas de la Broma Cósmica no es un libro convencional; es un libro sonoro que integra texto, imágenes, tablaturas y audio vía códigos QR. Reúne 12 canciones y textos que Ades llama una “recapitulación poética”: prosa con “florituras del lenguaje”, rimas y musicalidad. Hay canciones que nacieron tras la pandemia, cuando todos nos cuestionamos qué retomar después, en el caso de Ades, fue aferrarse al piano, pulir la técnica.

    Las canciones trazan un arco evolutivo en la vida del autor, desde sus orígenes hasta sus proyecciones futuras. El lector-escuchador puede profundizar en las ideas y letras mientras las escucha.

    ¿Por qué “broma“?

    Vivimos entre extremos: solemnidad e hilaridad. La polarización es un problema cuando deja de existir esa “corriente alterna y directa entre un polo y el opuesto”, reflexiona.

    El desafío poético a la industria

    Ades critica que en la era digital “la música ha dejado de ser orgánica” y hay falta de conexión entre artistas y audiencia. Su libro sonoro es un llamado a que otros músicos exploren formatos que les permitan recuperar el control sobre su trabajo. Ya no trae CD, no hay objeto: todo el audio está integrado con QR.

    Las letras abordan nostalgia, identidad y la búsqueda de significado en un mundo caótico. “Es un viaje que invita a la reflexión y la conexión emocional“.

    En tiempos actuales en cafebrería El péndulo Gandhi y Amazon como ebook puedes adquirirlo.

    Si buscas vivirlo, valga la redundancia, “en vivo“, en el Foro del Tejedor con banda completa: Manolo Rodriguez, Kike Rosales, Sabina Ades y Hanya Vera; Cafébrería El Péndulo Colonia Roma te espera el sábado 23 de mayo.

    La Broma Cósmica de Jaime Ades es aceptar que el universo te juega bromas con sus coincidencias y su caos, y la única forma de atravesarlo es con música, poesía y humor. Es un manifiesto contra la solemnidad y contra la música de streaming sin alma ni convicción.

    Sábado 23 de mayo, 8:30 p.m.
    Boletos en: https://bit.ly/4dQikbF
    📍 Álvaro Obregón #86. Colonia Roma, CDMX.

  • TRIAGE: Valentina Barrios y Los indómitos presentan: Defender lo que quiero; “Rock de alto voltaje para levantar la cabeza”

    TRIAGE: Valentina Barrios y Los indómitos presentan: Defender lo que quiero; “Rock de alto voltaje para levantar la cabeza”

    Por Alexandro Guerrero

    Con 12 canciones pensadas como un viaje de principio a fin, Valentina Barrios y Los indómitos lanzan: Defender lo que quiero, un álbum que funciona como “refugio antibombas para infantes terribles y estándar”. La banda, autodefinida como “la más literaria de México”, mezcla rock, narración oral y reflexiones sobre la adolescencia, el mundo adulto y la búsqueda de identidad.

    El disco contó con apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, vertiente Fomento y Coinversiones 2023, y reúne a un equipo amplio de músicos, letristas y productores. Aunque no tienen tocadas próximas, el grupo prepara sesiones en vivo y participaciones en radio pública y por internet que anunciará en redes.

    Platicamos con Valentina Barrios sobre el origen del disco, la historia de Los indómitos y qué significa defender lo que uno quiere en nuestros días.

    En entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, Valentina Barrios nos cuenta:

    A.G. ¿Cómo nace “Defender lo que quiero”?

    V.B. Nace de mi deseo por compartir canciones que plantean temas interesantes y reflexiones que exploran posibilidades imaginativas para asimilar mejor las cosas que suceden en nuestro mundo individual, comunitario y global.

    A.G. ¿Cuál es la historia de Los indómitos?

    V.B. Nos presentamos por primera vez en 2016 en la FIL Guadalajara como Valentina Barrios y Los indómitos con el Concierto de cuentos, un espectáculo de rock y narración oral diseñado para celebrar los 25 años de la colección A la orilla del viento del Fondo de Cultura Económica. Eso después se convertiría en todo un álbum. Desde entonces, el ensamble se ha conformado en diferentes etapas por excelentes músicos: personas ingeniosas, divertidas y talentosas con quienes colaboramos en torno al repertorio. Desde hace diez años somos la banda de rock más literaria de México.

    A.G. ¿Cómo se defiende lo que uno quiere en el mundo así como está?

    V.B. Es una labor de tiempo completo que implica trabajar con la razón y con las emociones. Exige la atenta observación del entorno y también de nuestros pensamientos y palabras. Requiere tener curiosidad por saber y conocer cosas, realizando muchas preguntas y, sobre todo, se defiende mejor al animarse a imaginar y producir ideas en cada espacio y oportunidad que se presente.

    A.G. ¿Cuál ha sido la respuesta en los toquines en directo?

    V.B. Percibo mucho respeto por parte del público que presencia nuestros espectáculos. Es grato recibir muestras de interés y atención. En ocasiones, al tiempo en que se lleva el ritmo, alcanzo a notar gestos introspectivos, reacciones afectivas en respuesta a las letras. Entonces siento que estamos brindando una experiencia estética que resulta significativa y eso me llena de honor y agradecimiento.

    A.G. ¿Qué nos compartirías del proceso de creación de este trabajo?

    V.B. Tuve la fortuna de producir, junto con un equipo colmado de talento y cariño, 12 canciones realizadas de manera individual, ensambladas en un álbum pensado para escucharse de principio a fin. Es un viaje que pasa por el fin de la infancia, el descubrimiento del mundo adulto y la búsqueda de identidad. Un álbum dedicado para quienes viven, vivieron y vivirán la adolescencia. Defender lo que quiero es “rock de alto voltaje para levantar la cabeza”.

    A.G. ¿Hay algo en especial que para ti sea muy importante decir en esta producción?

    V.B. Realizamos el álbum “Defender lo que quiero como un refugio antibombas para infantes terribles y estándar”. Con apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura en la vertiente Fomento y Coinversiones 2023, la producción contó con la colaboración letrística de Elia Crotte, Francisco Barrios, Diego Castillo y Julia Castillo. Se realizó gracias a la creatividad musical de Isaac Pichardo Zapi, El Oso Avalle, Silvestre Villarruel, Diego Benlliure, Oswaldo Guzmán, Checocoyambo, DJ Ninja UNO, Julia Castillo, Silvio Castillo y Dya Mues. La producción musical fue de Hans Mues, Valentina Barrios y Los indómitos: Charly Santana, Rodro Moreno, Javi Reyes y Ariel Dorrego.

    Además, en el camino encontré y confirmé grandes nuevas amistades que aportaron su valiosa motivación y cariño: gracias a Daniela Lara, Monika, Emilio Gómez, Valfar, Luis Castillo, Christian Díaz Fantomas, Pablo Vito Moretti, Rodrigo Palacios, Beatriz Calderón y Nayelli Ayala, que fueron parte fundamental para impulsar y mantener el ánimo en el tramo más difícil del camino.

    A.G ¿Tienes alguna ruta de tocadas próximas? ¿Dónde serán y cuándo?

    V.B. No tenemos próximas tocadas, pero estaremos realizando algunas sesiones en vivo, participando en emisiones de radio pública y por internet, que estaremos promoviendo en redes sociales.

    Escucha el álbum aquí: https://orcd.co/vbdefenderloquequiero
    Redes sociales: @valentinabarriosmx

    Fotógrafo: Jona Race / @jourace

    CONTACTO /
    @valentinabarriosmx

  • TRIAGE: “Barrionetas”, llega a la Carpa Geodésica

    TRIAGE: “Barrionetas”, llega a la Carpa Geodésica

    Por Alexandro Guerrero

    Esta original y aguda comedia musical dirigida por Gabriel Pascua, inició exitosamente temporada el 29 de abril con próximas funciones el 6 y 13 de mayo, 20:00 h en el espléndido espacio de la Nueva Carpa Geodésica ubicada en Insurgentes Sur; Ciudad de México.

    La Compañía Una raya en el cielo presenta “Barrionetas”, con la dirección musical de Aldo Bárcenas, el montaje es una comedia musical que rescata la vida de las vecindades de los años setenta con marionetas de barra y música en vivo de Chava Flores.

    El argumento nos remite al actual fenómeno de desplazamiento y gentrificación:

    En el corazón de una vecindad setentera, los muros guardan secretos y los tendederos ondean historias. Los vecinos resisten la rutina a través de la risa y el baile. Sin embargo, una amenaza de desalojo ensombrece a la comunidad obligándola a defender no sólo sus paredes, sino su memoria colectiva.

    Acompañada por la música en vivo de Chava Flores, esta obra es un homenaje a la picaresca, al ingenio y a la solidaridad del barrio. Los personajes cobran vida entre los acordes de las crónicas musicales de nuestro gran cronista urbano, recordándonos que mientras haya un canto que entonar y un vecino que sostener, la identidad no puede ser desalojada.

    Gabriel Pascual nos comparte en exclusiva para Los Reporteros MX.

    Sobre el origen del texto y la investigación

    “El texto apareció cuando yo estaba en la Universidad Veracruzana. Lo leí de una revista que se llama Tramoya, me gustó muchísimo y lo empecé a trabajar en Xalapa, con la ayuda del maestro Manuel Montoro, maestro Barkley y el maestro Enrique Pineda. El texto fue escrito en 1987. Ya en la Ciudad de México, lo empiezo a trabajar con Una raya en el cielo y ya tenemos diez años como grupo. El proceso fue hacer la investigación aquí en la ciudad de las diferentes vecindades que existían en los setenta, y a partir de ahí creamos los personajes a través de las canciones de Chava Flores. Todo lo que pide el texto es música de chachamambo”.

    ¿Por qué la Carpa Geodésica y los cambios para este montaje?

    “Buscando los espacios encontramos la Carpa Geodésica, que nos funciona perfectamente bien para el montaje por la forma en que está diseñado el lugar. Al encontrar ese espacio empezamos a trabajar el movimiento escénico. Otra cosa bien importante es que integramos música en vivo, que eso no lo tenía originalmente el montaje anterior. Tenemos diez músicos dirigidos por el maestro Aldo Bárcenas, que es músico de la UNAM. Eso nos ha permitido tener otro ritmo dentro de la obra”.

    Sobre el equipo creativo

    “Aunado al trabajo de la maestra Natalia Janco, que es la de diseño escenográfico, y del maestro Alfredo Márquez, egresado también de la escuela de Bellas Artes, haciendo la iluminación que nos apoya con toda la atmósfera que pide la obra. El trabajo de la maestra Natalia Janco es fundamental a la hora de hacer la paleta de colores con el vestuario: nos ha ayudado muchísimo”.

    “Barrionetas”:
    Compañía: Una raya en el cielo – 10 años de trayectoria.
    Dramaturgia: Texto original publicado en Revista Tramoya, 1987
    Dirección de escena: Gabriel Pascual
    Dirección musical: Aldo Bárcenas
    Escenografía: Natalia Janco · Jimena Rosas
    Vestuario: Natalia Janco · Julieta Anzures
    Iluminación: Alfredo Márquez
    Diseño de cartel: Bek Martínez
    Música: Chava Flores, interpretada en vivo por ensamble de 10 músicos en escena
    Duración: 60 minutos
    Público: Todo público

    Funciones

    Carpa Geodésica. Av. Insurgentes Sur 2135, San Ángel, Álvaro Obregón, 01000 Ciudad de México
    Fechas: 29 de abril, 6 y 13 de mayo de 2026
    Horario: 20:00 h
    Costo: $150 general. $100 estudiantes, maestros, INAPAM y vecinos de la Alcaldía Miguel Hidalgo con INE. Venta en taquilla y Boletia.

    La obra es garantía de una experiencia inolvidable para el espectador.


    Redes: @Unarayaenelcielo | @CarpaGeodesicaMX

  • TRIAGE: “Réquiem” con rostro joven, lo mejor de la música en nuestro país

    Por Alexandro Guerrero

    Primer cuatrimestre 2026 de tiempos atroces y cuando las voces construyen comunidad y paz. El Ensamble Escénico Vocal del SNFM pone cuerpo, voz y biografía a una obra monumental junto a la Orquesta Escuela Carlos Chávez.

    El Réquiem que sonó el último fin de semana de abril del complejo y duro 2026, no empezó en el escenario. Empezó en aulas de ensayo de Los Pinos, en Semilleros de Tlaxcala, en autobuses que cruzan la ciudad a las 6 de la mañana. Empezó en las gargantas de 30 jóvenes del Ensamble Escénico Vocal del Sistema Nacional de Fomento Musical.

    Las voces detrás del atril

    El programa de mano del concierto “Réquiem” no solo lista obras y compositores. Lista nombres. Y detrás de cada nombre del Ensamble Escénico Vocal hay una ruta distinta hacia el mismo atril.

    Andrea, 19 años, soprano. Viene de un Semillero Creativo de Música en Nezahualcóyotl. Entró a los 12 años “porque daban desayuno y me gustaba cantar”. Hoy prepara audición para la Licenciatura en Canto en la Orquesta Escuela. “El Réquiem me enseñó que mi voz puede sostener a otra. Si yo me desafino, se cae mi compañera. Es igual que en el barrio”.

    Luis, 22 años, barítono. Estudió contabilidad pero lo dejó. “No me hallaba”. Su mamá lo inscribió al coro comunitario del SNFM en Iztapalapa. “Aquí entendí que la disciplina no es regaño, es ensayar hasta que el respiro de 30 personas sea uno solo”.

    Dana, 17 años, mezzosoprano. Es la menor del ensamble. Llega desde Xochimilco. “Mis papás no son músicos. Pero cuando me escucharon cantar el Lacrimosa en el primer ensayo, mi papá lloró. Dijo que nunca había oído algo tan bonito salir de la casa”.

    El Ensamble Escénico Vocal no es un coro tradicional. Fusiona canto, teatro y movimiento, por eso sus integrantes también son actores, bailarines, narradores. En el Réquiem, sus cuerpos cuentan el texto tanto como sus voces: manos que se buscan en el Dies Irae, espaldas que se quiebran en el Agnus Dei.

    Un modelo que canta a la inclusión

    El SNFM lo dice sin rodeos: “La práctica musical colectiva es la fuerza transformadora e incluyente que fomenta la cultura de paz”. Para entrar al Ensamble no necesitas apellido famoso ni pagar colegiaturas impagables. Necesitas voz, compromiso y 5 años de formación que puedes adquirir gratis en los 183 Semilleros Creativos que el Sistema tiene en 25 estados.

    “Muchos llegan sin leer música”, cuenta María Eugenia Guerrero, directora del Ensamble. “Aquí aprenden solfeo, pero sobre todo aprenden a escuchar al otro. Un Réquiem no lo hace un solista. Lo hace una comunidad que respira junta”.

    Esa comunidad sostiene también a la Orquesta Escuela Carlos Chávez, con más de 100 instrumentistas de entre 17 y 26 años. En el programa de mano aparecen todos: desde los contrabajos de Erika Marlene Corona Sorroza hasta las arpas de Alondra Máynez Hernández. Son la prueba de que el título de Licenciatura Instrumentista, reconocido por la SEP desde 2009, puede construirse fuera de los conservatorios tradicionales.

    ¿Por qué un Réquiem?

    Porque es música para duelos colectivos. Porque México duele. Y porque poner a 30 jóvenes de periferias, pueblos y barrios a cantarle al descanso eterno es también cantarle a la posibilidad de vida.

    “El sonido empodera”, repite el lema del SNFM. Y se ve: una chica de Xochimilco sosteniendo un Si bemol por 8 compases empodera a su familia entera. Un barítono de Iztapalapa cantando “Dona eis requiem” empodera a su colonia.

    El Réquiem que montaron no habla de la muerte como final. Habla del trabajo invisible de hacer comunidad: afinar, esperar tu entrada, no tapar al de al lado, cargar el atril cuando acaba el concierto.

    Lo que sigue

    El Ensamble Escénico Vocal y la Orquesta Escuela Carlos Chávez son semillero, pero también presente. Sus giras han llegado a EUA, España y Argentina como parte de Iberorquestas Juveniles. En México, se presentan en Bellas Artes, en Los Pinos y en plazas públicas donde el boleto cuesta lo mismo que nada.

    El programa de mano cierra con todos los nombres. No es vanidad: es política pública. Decir que Dana, Luis y Andrea existen, cantan y le ponen cuerpo a Brahms o a Mozart, es decir que la cultura de paz no es discurso. Es ensayo de martes y jueves de 4 a 7 pm.

    Próximas audiciones: Si tienes entre 16 y 24 años y quieres ser parte del Ensamble o la Orquesta Escuela, consulta la convocatoria en http://fomentomusical.cultura.gob.mx. Los Semilleros Creativos en tu estado son la puerta de entrada.

  • Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    Francesca Guillén encabeza “Mujeres soñaron caballos” en La Teatrería

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    Una obra escrita por Daniel Veronese, bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado.

    La experimentada y lúcida actriz de cine , teatro y televisión Francesca Guillén protagoniza; Mujeres soñaron caballos, del dramaturgo argentino Daniel Veronese, que se presenta en La Teatrería bajo la dirección de Mariana García Franco y Abraham Jurado, producción de Pacto Escénico.

    La obra sitúa al espectador como testigo incómodo de una cena entre dos hermanos y sus parejas. Lo que inicia como un encuentro cotidiano se transforma en un campo minado de reproches, deseos frustrados y violencia contenida. Veronese, referente del teatro latinoamericano contemporáneo, usa el absurdo y el realismo para mostrar cómo la intimidad se vuelve un ring de poder.

    Guillén es Ulrika, un personaje que oscila entre la vulnerabilidad y la rabia. Su interpretación transita del sarcasmo al quiebre emocional con una precisión que sostiene la tensión de la obra. La acompañan en escena Mónica Jiménez como Bettina, Juan Ríos como Iván, Estela Aguilar como Julika, Carlo Basabe como Roger, Gina Granados como Lucera y Víctor Loomis como Rainer.

    Mujeres soñaron caballos se ha convertido en un texto clave del teatro iberoamericano por su forma de retratar el delirio de los roles de género y la descomposición del núcleo familiar sin panfletos ni juicios. Esta versión mantiene el pulso original de Veronese pero resuena con ecos locales: la casa como territorio de disputa, la cena como ritual fallido.

    Veronese no escribe obras: escribe partituras para que el actor se estrelle. Su mérito es devolverle al diálogo la categoría de acción. Su límite es que sin un actor que entienda el silencio, el texto se queda mudo. Daniel Veronese es una teatralidad – estado de emergencia.

    En exclusiva para LosReporterosMX , Francesca comparte una serie de reflexiones:

    “El hilo de plata se coge a ciegas”

    A.G. ¿Qué representa para ti en este momento formar parte de esta puesta en escena?

    F.G. Reconectar con mi animal lúdico en un montaje breve, mordaz y lleno de posibilidades para transitarse; mi animal en búsqueda de escape del acotado espacio en que transita. Resignarme en la intuición del que habita y escucha en tiempo presente… el rompimiento de mi propia imposición a ceñirme a lo que no palpita conmigo. Eso significa este montaje en este momento de mi vida. Develar mi propio laberinto y resolverlo a mi tiempo en donde corresponde.

    A.G. ¿Qué fue lo que más te atrapó del concepto, de la historia, del guión de: Mujeres soñaron caballos?

    F.G. Me fascina que el planteamiento esté sustentado en el trabajo de sus intérpretes y no en los decorados u otros elementos ajenos que culminarían en artificio. La desnudez simbólica de las actrices y los actores poniendo el cuerpo como único filtro ante la mirada del espectador.Damos peso a la palabra, el subtexto, el silencio, y la historia fincada a estos únicos elementos; Gatillos improvisados para detonar contra el otro / la otra mediante la exhibición grotesca de su falta.

    También me pareció magnífico que el autor exija ceñirse a lo que está escrito. Sin adiciones, sin reiteración, sin sobre explicación. La sabiduría intuitiva de la palabra como un acto impulsivo y sin filtro.

    A G. Háblanos de Ulrika, tu personaje.

    F.G. Decadente, ácida, lastimada, hiriente, soez, mordaz, piromaniaca emocional.Impaciente, profética y densa.Cínica, histérica, irónica, sarcástica y cáustica.

    Desde el punto de vista del reto actoral: exquisita.

    A.G. Tienes una gran trayectoria en cine, teatro y televisión. ¿Consideras que este montaje representó un reto? ¿Cómo lo encaraste?

    F.G. En muchos sentidos mi abordaje al mundo es siempre infantil, por lo que todo en esta vida me representa un reto, un riesgo, un salto al vacío. Un nuevo juego que seguro me dolerá.

    En este caso concreto: sí, tuve muchas crisis en el proceso. Mucha angustia e incomprensión de la petición. Sentí por momentos que me invitaban a deshacerme de mí para llegar a algo nuevo… sigo sin resolver tal enigma, pero decidí confiar en mi entraña… y accionar. Solo ahí, en escena, en la acción, se halla la solución. El hilo de plata que se coge a ciegas pero guía hacia un nuevo nivel del inframundo en que se habita.

    Me gusta hilvanar palabras y sensaciones… de eso me amarro para el salto al vacío. El aterrizaje es siempre desconocido lo que me hace sentir finalmente viva y auténtica en mi búsqueda.

    A.G. ¿Cuál es tu sensación tras el estreno? ¿Qué tal te sientes con esta producción y este elenco?

    F.G. Bueno, aún queda un camino para seguir encontrando tesoros y trampas. El montaje es joven en todo sentido así que lo mejor está por venir. Cuando la madurez nos alcance a todos los intérpretes en escena entonces nacerá el fruto, mientras tanto habitamos el árbol, nos familiarizamos con su ritmo.

    Me gusta este elenco, esta conformación de entidades en todo sentido diversas. No todo me agrada en nosotros, pero aún eso me agrada.

    Somos una perfecta familia disfuncional con filias y fobias para resolver y resonar. Hay un equilibrio en la precariedad del colectivo y las certezas que creemos poseer y que sin embargo aún están por sorprendernos.

    La puesta cuenta con diseño de escenografía e iluminación de Alberto Reyna, asesor de movimiento escénico Edson Martínez.

    Mujeres soñaron caballos

    Autor: Daniel Veronese

    Dirección: Mariana García Franco & Abraham Jurado

    Elenco: Francesca Guillén – Ulrika, Mónica Jiménez – Bettina, Juan Ríos – Iván, Estela Aguilar – Julika, Carlo Basabe – Roger, Gina Granados – Lucera, Víctor Loomis – Rainer

    Producción: Pacto Escénico

    Foro: La Teatrería, Tabasco 152, Roma Norte, CDMX

  • CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    CANAL 14 Estrena la serie: Sesiones Vagabundas México

    TRIAGE.                                   

    Por: Alexandro Guerrero

    Producir la serie Sesiones Vagabundas México, conducida y realizada a partir de la idea original de Mauricio Figueiral, fue todo un honor.

    La más reciente temporada del programa, nació de una invitación que recibí en el Hotel Nacional de La Habana en 2022. Desde ahí, pensar en las distintas posibilidades de locaciones y sedes fue ir dando con el encuentro de distintas latitudes, también institucionales, que en materia cultural decidieron apoyar este proyecto sin pensarlo dos veces.

    El elenco que se conformó es, además, una maravillosa muestra de diversidad en un aspecto amplísimo. Eso fue lo que busqué de alguna manera curatorialmente: desde lo musical, mostrar para Latinoamérica cuál es el sonido de lo que es México hoy. Teniendo como coproductores a Orlando Canseco, Rol Alvarez y Alfonso Vázquez Pérez, además del audio del maestro Antonio Diego.

    Sesiones Vagabundas, grabada en México se transmite  por Canal 14 a las 5:30 p.m. los miércoles, a partir de este 22 de abril. La señal y complicidad de teleSURtv  y CanalHabana acompañan en esta aventura sonora que consta de 11 capítulos y sus protagonistas son: Mariachi Amazonas de Alejandra Carballido; Horacio Franco;  Sol Pereyra; Jaime Ades; Iskander; Alexandro Guerrero; Tere Estrada; Jorge Fratta; Julia González; Adriana Camacho, Ross CL y Orlando Canseco: Lobo Estepario. El centro Nacional de las artes, la Fonoteca nacional, Tepito y su espacio cultural, Centro Cultural “El rule”, Hostal Regina, Xochimilco, Cafebrería El péndulo ;La Esmeralda; El estudio A de Radio educación y el Museo del tequila y el mezcal de Garibaldi , son los escenarios y el marco de las sesiones en esta infinita urbe tan diversa.

    Sesiones Vagabundas: historia del proyecto de Mauricio Figueiral

    Sesiones Vagabundas nació en Cuba como una serie documental-musical creada, dirigida y conducida por el cantautor Mauricio Figueiral. El formato se emitió por primera vez en Canal Habana y luego tomó proyección internacional a través de TeleSUR, donde lleva más de cinco años al aire.

    La tesis era clara: sacar la música de teatros y estudios para llevarla a “rincones ocultos de La Habana que no salen en postales, que no salen en revistas porque solo los cubanos amantes de la ciudad conocen”. Cada capítulo combina sesión acústica en vivo + entrevista íntima con artistas “muy queridos” del panorama cubano. La conversación, sin guion, busca “descubrir al ser humano que creemos conocer, pero que aún le queda demasiado por contarnos”.

    Con apoyo de instituciones culturales y la Asociación Hermanos Saíz, la serie salió de La Habana para retratar otras escenas. Figueiral lo explicó así: “Estoy en Camagüey retratando su música y sus lugares públicos, con agrupaciones jóvenes y otras que se renuevan constantemente”.

    Las temporadas grabadas tanto en la Habana como en la República de Cuba en ciudades del interior así como en Caracas, se han transmitido por distintos canales de la televisión pública de México.

    El criterio curatorial no es el hit, sino la historia que puede abrir la música cuando se toca sin máscaras.

    Fuente: Canal Catorce https://share.google/54iki14ewFPgDE6et

  • El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    El Gorila: Un encuentro visceral con la identidad y la libertad en el teatro de Jodorowsky

    TRIAGE

    Por: Alexandro Guerrero

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky por fin en México. Se presenta a partir del próximo 24 de abril en el Teatro Orientación del CCB /INBAL.

    Desde la visión del creador chileno Alejandro Jodorowsky, la escena es un acto de resurrección, no un cadáver para el análisis. Una de las claves del Teatro de Alejandro Jodorowsky es que nunca ha buscado ser “comprendido” dramatológicamente. No distingue niveles, ni mide tiempos “diegéticos”, tampoco defiende el pacto ficcional como condición del hecho escénico. En “El Gorila”, atestiguamos un teatro deliberado que rechaza la autopsia académica. Emancipado a distintos niveles de esa teoría que disecciona la escena: “El Gorila” creado por Alejandro y Brontis Jodorowsky por primera vez en México, a partir de un cuento de Franz Kafka, muestra a un simio que aprende a ser humano para evitar la jaula. Esa en la que normalmente estamos todos profundamente solos.

    Aquí se invierten los términos: si la teoría exige distancia estética, en el Gorila, se da una propuesta que busca incendiarla. “La distancia es el infierno de los tibios”, sostendría la poética. Por eso Brontis no “interpreta” al gorila, se pone al servicio del rito con argumentos técnicos en lo actoral impecables y dinámica escénica precisa y lanzada poderosamente como crítica anticríptica, también de las “actoralidades” que ven como éxito al falso altar de la institución.

    “El Gorila” no necesita ser afirmado como vigente para publicidades demagógicas, la pieza es un manifiesto de reivindicación del suceso. En su genealogía, el teatro nació en la sangre, en la máscara que llama a los dioses. El paso por la academia, dice la visión del director, volvió al teatro “oficina con aire acondicionado” donde se llenan formularios. Lo volvió contable. Frente a eso, en “El Gorila” también se nos presenta una oportunidad de recuperar como espectadores, una propuesta muy lograda desde la agresión simbólica (sin intrumentalizarla), al sacrificio y el grito como herramientas, no como excesos.

    El Gorila ofrece su informe a una academia de hombres con birrete que aplauden sin entender que están siendo acusados, el informe es un escupitajo. El teatro vivo, sostiene esta postura, no cabe en cuadros ni categorías. El día que entre al aula, romperá los cuadros, orinará el pizarrón y saldrá aullando. Ese día, el crítico tendrá que elegir entre medir el aullido o aullar con él.

    La disyuntiva es clara: se puede entender el teatro o se puede dejar que el teatro nos intervenga para de algún modo nacer de nuevo. Entre tanto teatro gris de inercias hoy aquí, El Gorila respira.La jaula ahora es algorítmica El gorila de Kafka aprende a imitar al humano para salir de su jaula física. Hoy, millones de personas aprenden a imitar al algoritmo para no ser invisibles: editan su rostro, modulan su opinión, repiten tendencias para que la plataforma no las encierre en el silencio. El Gorila pone cuerpo a esa domesticación voluntaria. En escena, Brontis muestra cómo la “libertad” se consigue a costa de la naturaleza propia. El público de 2026 ya no ve una metáfora: ve su feed de TikTok, su CV optimizado para IA, su pasaporte biométrico. Hay una crísis de identidad como herramienta a la biopolítica global: De Gaza a Ucrania, de las elecciones en USA a las protestas por el agua en América Latina, el dilema es el mismo que grita el Gorila : ¿a qué renuncio para que me dejen vivir? Migrantes que borran su acento, disidentes que callan para no ser cancelados, países que negocian su soberanía por seguridad. Jodorowsky, premiado en 2025 con la Medalla Bellas Artes por “la osadía y la libertad creativa”, recurre a Kafka para recordarnos que adaptarse puede ser una forma de morir. El montaje dura 70 minutos; la pregunta dura toda la salida del teatro.

    El director recibió la Medalla Bellas Artes 2025 y desde París expresó: “a los artistas les falta agradecimiento real”. El Gorila es ese agradecimiento convertido en herencia. No es nostalgia: es advertencia. A sus 96 años. Alejandro Jodorowsky en otra mancuerna creativa con Brontis Jodorowsky nos regalan una bomba para recordarnos que seguimos eligiendo la jaula porque le tememos a la selva. ¿Quién necesita más espejos que nos digan que “estamos bien”? Aquí tenemos un Gorila que nos espeta si hay sentido en haber aprendido a caminar en dos patas.

    Brontis Jodorowsky nació en la Ciudad de México en 1962, debutó a los 7 años en El Topo (1970) dirigida por su padre. ,Tras participar en “La montaña sagrada” (1973) y ganar la Diosa de Plata al Mejor Actor Infantil en 1974 por El muro del silencio de José Luis Alcoriza, se trasladó a Francia en 1979 y estudió teatro con Ryszard Cieslak. Desde entonces ha desarrollado una carrera internacional trabajando en escena con directores como Ariane Mnouchkine, Irina Brook, Jorge Lavelli y Simon Abkarian, y ha dirigido óperas como Pelléas et Mélisande (2009), Rigoletto (2011) y Carmen (2012). En cine ha actuado en Santa Sangre (1989), La danza de la realidad (2013) y Poesía sin fin (2016), ambas de su padre, además de Tau, 7 días en Entebbe, Bayoneta y Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (2018), donde interpretó al alquimista Nicolas Flamel. Paralelamente, publicó “Manual de codicia” (2020), un libro de aforismos críticos sobre la sociedad de mercado y prepara en la actualidad un nuevo lanzamiento editorial. Recientemente participó como actor en la etnoficción de Tania Campos Thomas: “Como Elena, en París” en el Théâtre de l’Opprimé de la ciudad francesa a que refiere el título del montaje, pieza integrada por un equipo creativo francomexicano. Esto en el marco de las actividades que conmemoran el bicentenario de las relaciones diplomáticas México –Francia y el aniversario 110 del nacimiento de la escritora Elena Garro. Producto de esta residencia con la compañía mexicana (…) Puntos suspensivos; “La structure” compañía de Brontis Jodorowsky, colaboran entrambas para la temporada de: “El Gorila” que alberga la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura/INBAL.

    El Gorila, espectáculo de Alejandro y Brontis Jodorowsky se estrenó en 2009. Era la primera vez que padre e hijo firmaban juntos el montaje: Alejandro en dirección, escenografía y música; Brontis en escena. De ahí saltó a París en 2010 para una temporada en el Théâtre du Lucernaire. Ese mismo año cruzó el Atlántico y se instaló todo junio en el Teatro Sarmiento de Buenos Aires. La gira europea se extendió. Ya se había visto en Francia, Italia e Inglaterra antes de agosto de 2011. En 2011 tuvo dos hitos italianos: se presentó en Siena, en el Teatro Politeama di Poggibonsi dentro del Fenice Festival toscano, y el 17 de agosto llegó a España por primera vez, al Festival de Teatro y Danza de San Javier, en Murcia, en el Auditorio Parque Almansa. En 2012 el monólogo siguió viajando. El 29 de enero se estrenó en Madrid, en el Teatro Circo Price, siendo España el séptimo país en verlo en tres años. Ese mismo año volvió a la tierra natal de Alejandro: Santiago de Chile, como parte del XIX Festival Santiago a Mil en el Teatro GAM, con Brontis presentándose por primera vez en Chile. Entre 2010 y 2016, el monólogo sostuvo una gira internacional de seis años que lo llevó por varios países de Europa, América y Reino Unido. Tras esa itinerancia, El Gorila regresó a París en la temporada 2015-2016 “tras una larga gira de seis años”.

    Ahora, en 2026, del 24 de abril al 17 de mayo este mítico acontecimiento escénico, eslabón indispensable en la historia del Teatro Mexicano Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque, en Ciudad de México. Jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00. Los boletos ya están disponibles en:https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=411

  • TRIAGE: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”

    TRIAGE: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”

    Por Alexandro Guerrero

    La exposición: “Bajo el signo de Nut” de Mónica Dower en el Centro Cultural “El Rule”, se extiende hasta el 19 de abril.

    Mónica Dower estudió pintura con la maestra Teresa Cito y la carrera de Artes Visuales con los maestros Gilberto Aceves Navarro y Francisco Castro Leñero (FAD, UNAM).
    Realizó una residencia en París de tres años (1989-1992) trabajando dibujo y arte oriental, en el atelier del Maestro Luis Ansa.

    Ha realizado 15 exposiciones individuales y ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en México y en otros países como Alemania, Argentina, Canadá, China, Croacia, Cuba, España, EUA, Francia, Italia, Portugal y Suiza.

    Su exposición individual más reciente, Mujeres entretejidas, Guerreras en el Tiempo, Politécnico Nacional, Centro Cultural Jaime Torres Bodet, textos de Dina Comisarenco y de Miriam Kaiser, marzo 2025. Su exposición individual internacional más
    reciente, Guerreras en el Tiempo, en el Instituto de Cultura de México en España, curada por Mónica Sotos, abril 2022.

    Su exposición colectiva más reciente: 8M, maestras y
    alumnas de La Esmeralda
    , Paseo de las jacarandas, en el Cenart, 2026. Artista Invitada en 2022 y 2021 en La Iberoamericana de Toro, Mujer y Artes Visuales, Siglo XXI, Primera y Segunda Edición, en Castilla y León, España, curada por Víctor Del Campo. Finalista en la II Bienal de arte contemporáneo Barco, León Guanajuato, curador, Tobías Ostrander, 2023. Finalista en la Bienal Lumen 2021, Parámetro IV realizada en el Museo de La Ciudad de México. Cuerpo, dolor y sombras, comissaire Mónica Sotos, Instituto Cultural
    de México en España
    , Madrid, 2021.

    Es docente de La ENPEG desde 2014, y ahora se encuentra cursando la Maestría MPIAV, Maestría en Producción e Investigación en Artes Visuales de la Esmeralda.

    En entrevista exclusiva para Los Reporteros MX, la Maestra Dower comparte detalles de su exposición “Bajo el signo de Nut”.

    A.G ¿De dónde surgió esta exposición?

    M.D. Surgió por invitación de Cony Cuevas, coordinadora de Alas y Raíces en CDMX, para una conferencia en el marco de Tiempo de Mujeres, en marzo. La propuesta era hablar de mi serie Guerreras en el Tiempo: una reflexión que reactiva a mujeres del pasado y las pinta como guerreras. Son figuras valientes cuya imagen pervive en mi obra. Busco rescatar lo que significaron y significan: mujeres que defendieron sus vidas, sus familias, su cultura y encarnan una matriarca. Mi aproximación es sincrética: trabajo su imagen con bordados mexicanos que pinto, y así, mediante la trama y el color, unifico su cultura y la nuestra. Es también un homenaje a mis raíces y a mi genealogía migrante que se mexicanizó. Finalmente Cony consiguió el espacio en el Centro Cultural El Rule, donde pude mostrar las piezas. Como he trabajado también las series de Nut, Coatlicue y Círculo de Afectos, con el curador Luis Rius Caso armamos una curaduría representativa que reúne todas.

    A.G. ¿Qué urgencia expresiva te llevó al tema?

    M.D. La primera fue hacer un retrato de mi abuela materna, Jacqueline Schmitt, quien formó parte de la Resistencia francesa y trasladaba información en bicicleta entre pueblos. Murió en el parto de gemelos por falta de sangre, y mi madre quedó huérfana a los 4 años. Le pedí a mi madre, Dominique, una foto de mi abuela y que eligiera un textil para dibujarlo y así cobijarla. Eligió un textil mexicano; así mi abuela, virtualmente, recibe el calor y la generosidad de este país.

    La muestra recibió la visita del crítico de arte y creador senegalés Ery Cámara, autor de The language that we share; Mirando al Xoloitzcuintle; África Hoy; Arte Animista; y Senegal nuestro país. Tradiciones culturales de las etnias. África. La figura de Nut es emblemática: protectora de la bóveda celeste. Me apropié de su imagen encorvada como símbolo protector; en Nut en sororidad se le ve protegiendo a una mujer, quien a su vez protege a otra, y así al infinito…

    El dibujo Mujer abrazando a la Coatlicue expresa también esa necesidad de protegernos y vincularnos con una fuerza mayor, de manifestar el fervor en el abrazo.

    Estos lazos quedan registrados en la secuencia de imágenes:

    • Jacqueline Schmitt, abuela de la autora, dibujo, 70 x50 cm, 2021
    • Nut en Sororidad, 70 x100 cm, acuarela sobre papel, 2025
    • Abrazo, carbón sobre papel amate 120 x200 cm
    • Círculo de Afectos, secuencia de acuarelas de 30 x40 cm, 2026
    • Dominique, abuela de la autora, frente al retrato de su madre: Jaqueline

    En las acuarelas de Círculo de Afectos, los danzantes celebran y festejan cargando flores que funcionan como vasos comunicantes que los obligan a habitar el presente. Ahí mi necesidad es respirar, sentir la alegría como acción micropolítica, pues el sistema ha instrumentalizado nuestros cuerpos y descansar, hacer algo ocioso o festejar contradice la exigencia de ser siempre productivos.

    Sin duda, momento de aprovechar esta temporada de vacaciones, para acercarse a esta expresión profunda y pertinente en un contexto en que se vuelve vital pensar en las deidades de protección y la belleza como fin último de nuestra especie.

    Abierta al público todos los días de las 10 am a las 19 hrs.

    En portada Mónica Dower y Ery Cámara. ww.monicadower.com

  • TRIAGE: Especial Día Mundial del Teatro

    TRIAGE: Especial Día Mundial del Teatro

    Por Alexandro Guerrero

    “Todo marzo en el Helénico Festejamos el Teatro”: Luis Arturo García, recién nombrado Director de este axial Centro Cultural del país, platica con Los Reporteros MX.

    Luis Arturo García, politólogo y creador escénico, nos brinda un espacio en medio de su labor al frente de esta institución para compartir estrategias y reflexiones: Egresado de la UNAM en Ciencias Políticas y del Centro Universitario de Teatro, considera que es tiempo de relevo generacional en diversas áreas de la administración y el proyecto cultural de nuestro país.

    Queremos hacer del Centro Cultural Helénico un espacio más inclusivo y diverso, que refleje la riqueza cultural de México“. “Nuestro objetivo es crear un lugar donde la gente se sienta cómoda y pueda disfrutar de la cultura, el arte y el teatro en su mejor forma expresiva con los medios que requiera“.

    El teatro es un espacio para la discusión, la escucha y el diálogo, especialmente en tiempos de violencia y polarización” y señala: “Queremos crear un espacio donde la gente pueda reunirse, compartir ideas y reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos“.

    Luis Arturo también resalta la importancia de la formación de públicos y la educación artística. “Queremos trabajar con las escuelas y las comunidades para crear programas de educación artística que sean accesibles y relevantes para todos“. “Queremos que la gente se sienta cómoda con el arte y el teatro, y que lo vea como una parte integral de su vida“.

    Actividades en el Día Mundial del Teatro de entrada libre organizadas por el CC Helénico

    27 de marzo

    En el Centro Cultural Helénico

    • 18 h — Aprender a nadar (Foro Alternativo)
    • 20 h — Los Hardings (Foro La Gruta)
    • 20 h — El manipulador de mentes (Teatro Helénico)

    En bibliotecas

    • 13 h — Vendedora de voces (Biblioteca Vasconcelos)
    • 17 h — Por temor a que cantemos libres (Biblioteca de México)

    En cuanto a los planes a corto plazo, Luis Arturo menciona que se están trabajando en varias iniciativas, incluyendo la creación de un nuevo programa de residencias artísticas y la organización de un festival de teatro internacional.

    “Queremos hacer del Helénico un lugar de encuentro para artistas y públicos de todo el mundo, ahora con el mundial, nuestra forma de llegar a los espectadores es más lúdica, vengan al Helénico a seguir jugando después de los partidos “, es un lugar de encuentro.

    El nuevo director destaca la importancia de la interdisciplina y la colaboración con otros estados para llevar el teatro y las artes a más comunidades. “Es nuestra obligación distribuir de manera equitativa los recursos y apoyar a los proyectos que buscan innovar y experimentar“, dice con convicción. “Queremos trabajar de la mano con los estados y las comunidades para crear programas y proyectos que sean relevantes y significativos para ellos“.

    Aquí resalta una reciente convocatoria en colaboración con el Estado de Sonora. Al respecto, la titular del Instituto de Cultura de dicho Estado, la Maestra Beatriz Aldaco nos comparte:

    “La relación colaborativa con el Centro Cultural Helénico se da con base en la creciente actividad teatral en el estado y por la calidad de los grupos que se han ido consolidando y proyectando en el contexto estatal, nacional e internacional, los cuales han compartido escenarios con grandes compañías en países como Italia, Francia, Estados Unidos, Colombia, Guatemala y El Salvador, por mencionar algunos. Eso hizo posible que ese prestigioso centro cultural aceptara la coordinación con el ISC y nos propusiera llevar a cabo “Saberes sobre la escena”, que consiste en la capacitación de creadoras y creadores en el ámbito teatral; además de este esfuerzo, también fue posible concretar la colaboración de “Proyectos de producción escénica”, con una bolsa de 200 mil pesos para dos grupos del estado. Cada grupo seleccionado recibirá 100 mil pesos para la producción
    de su propuesta escénica. El Instituto Sonorense de Cultura conmemora este día 27 de marzo el Día Mundial del Teatro con funciones en diferentes municipios el estado, considerando también el Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Adolescentes, que se conmemoró el 20 de marzo,
    y el Día Mundial del Títere y/o Marioneta, que tiene su celebración el 21 de este mismo mes. Todas estas fechas conmemorativas forman parte de la cartelera de nuestra
    institución”, concluye.

    https://helenico.gob.mx/convocatorias/detalle/4046/saberes-sobre-la-escena-en-sonora-2026.

    Centro Cultural Helénico https://share.google/yafb1edb8Fb7IdcCA

    Instituto Sonorense de Cultura https://share.google/UmHjQL2zdsRiBldXd

    ¡VIVA EL TEATRO!