La agrupación poblana, integrada por 45 músicos, conmemorará dos décadas de trayectoria con conciertos gratuitos en San Felipe Otlaltepec y la capital del estado.
La Banda Sinfónica Mixteca (BSM) celebrará este 2026 sus 20 años de trayectoria como una agrupación dedicada a impulsar el talento musical y preservar las tradiciones de las comunidades del sur de Puebla. Fue fundada el 12 de septiembre de 2006 en San Felipe Otlaltepec, municipio de Tepexi de Rodríguez, a partir de la solicitud de músicos de la región para contar con una banda que representara a las comunidades mixtecas.
Actualmente, la agrupación está integrada por 45 músicos originarios de Tepexi de Rodríguez y municipios como Chigmecatitlán, Santa Clara Huitziltepec, Santa Catarina Tlaltempan, Atoyatempan, Petlalcingo y Tecamachalco, bajo la dirección del maestro José Cándido Flores Apolinar. Durante dos décadas, la BSM ha llevado música sinfónica a distintas comunidades mediante presentaciones didácticas y también ha colaborado con artistas como Lila Downs, además de producir tres discos y obtener reconocimiento a nivel nacional.
Como parte de los festejos, la Secretaría de Arte y Cultura realizará dos conciertos gratuitos con la participación de la solista invitada Alma Delia Solís Medina. El primero será el jueves 10 de septiembre a las 16:00 horas, en San Felipe Otlaltepec, mientras que el segundo se llevará a cabo el sábado 12 de septiembre a las 12:30 horas, en la Casa de la Cultura “Profesor Pedro Ángel Palou Pérez”, en la capital poblana.
Con estas actividades, el Gobierno de Puebla busca reconocer la trayectoria de la Banda Sinfónica Mixteca y mantener vigente una tradición musical ligada a las bandas de viento de la región. La celebración también busca acercar a más personas a la música y destacar el talento de las comunidades mixtecas como parte del patrimonio cultural del estado.
La jornada se realizará el 3 de septiembre en alrededor de 90 librerías del Fondo Educal, con libros, presentaciones, charlas y actividades para lectores.
El Fondo de Cultura Económica (FCE) realizará su Gran Venta Nocturna el jueves 3 de septiembre, como parte de las celebraciones por su 93 aniversario. La jornada comenzará a las 17:00 horas y contará con descuentos de hasta 60% en algunos títulos del FCE, además de rebajas de hasta 50% en libros de otras editoriales.
La venta se llevará a cabo en alrededor de 90 librerías de la red Fondo Educal, donde habrá ejemplares de más de 30 editoriales, entre grandes sellos e independientes. También se instalarán mesas especiales para apoyar a Ediciones Era, editorial que atraviesa una difícil situación económica, con libros a precios reducidos.
Además de la venta de libros, algunas librerías tendrán presentaciones, charlas y actividades para niñas y niños. Entre los participantes estarán Elena Poniatowska, Juan Villoro, Paco Ignacio Taibo II, Óscar de la Borbolla y Yelitza Ruiz, mientras que en otras ciudades como Monterrey y Guadalajara también se realizarán encuentros con escritores y actividades culturales.
El programa incluirá temas de literatura, divulgación científica, narrativa infantil y juvenil y novela gráfica. El FCE también anunció dinámicas en las que los asistentes podrán ganar bicicletas y libreros diseñados por ilustradores. La programación completa podrá consultarse en los canales oficiales del Fondo de Cultura Económica.
El recinto de avenida Balderas, que durante años funcionó como cine y después permaneció abandonado, reabrirá sus puertas el 30 de agosto.
El antiguo Cine Ciudadela, ubicado en avenida Balderas 108, en el Centro de la Ciudad de México, tendrá una nueva vida como Teatro Balderasluego de permanecer cerrado durante una década. El inmueble, inaugurado como cine en 1973 y que años después funcionó como sala para adultos, fue remodelado para convertirse en un espacio dedicado a las artes escénicas.
El recinto fue convertido en una sala con capacidad para 700 personas, luego de que originalmente tuviera espacio para mil 100 espectadores. La remodelación conservó elementos del inmueble, incluido el vestíbulo, y se realizaron trabajos de iluminación, sonido, escenario, camerinos y áreas técnicas. Debido a su valor patrimonial, las modificaciones tuvieron que contar con autorización del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El productor Miguel Alonso, encargado de operar el nuevo teatro, explicó que uno de los principales objetivos es recuperar el espacio para el público y convertirlo en una nueva opción cultural en la zona de Balderas. La intención es mantener una cartelera permanente de lunes a domingo, con propuestas de distintos géneros y precios que permitan acercar el teatro a más personas.
La apertura será el próximo 30 de agosto con una temporada de “El lago de los cisnes”, a cargo del ballet Arte en Movimiento y Alonzzo Producciones. Posteriormente, el 12 de septiembre se presentará “Santas y perversas, entre monjas anda el diablo”, mientras que en noviembre está programado “El cascanueces”. También se contempla incluir conciertos, musicales y otros espectáculos.
El Teatro Balderas busca así recuperar un inmueble que durante décadas formó parte de la vida cultural del Centro de la capital. Tras su etapa como Cine Ciudadela, su transformación en sala para adultos y diez años del cierre, ocurrido en 2013, el recinto volverá a recibir público con una nueva propuesta enfocada en las artes escénicas y el entretenimiento.
La cinta de Christopher Nolan superó a ‘Deadpool & Wolverine’ al alcanzar mil 352 millones de dólares en taquilla mundial.
“La Odisea”, dirigida por Christopher Nolan, se convirtió en la película clasificada para adultos (+18) más taquillera de la historia, al alcanzar mil 352 millones de dólares en ingresos a nivel mundial. Con esta cifra superó los mil 338 millones de dólares obtenidos por “Deadpool & Wolverine” en 2024, que hasta ahora tenía el récord.
La cinta llegó a los cines el 17 de julio de 2026 y recaudó 264 millones de dólares durante su primer fin de semana, el mejor estreno en la carrera de Nolan. La producción está basada en el poema épico de Homero y tiene una duración cercana a las tres horas.
Con este resultado, “The Odyssey” se convirtió en latercera película para adultos en superar los mil millones de dólares en taquilla, después de “Deadpool & Wolverine” y “Joker”. Además, es la película más taquillera en la trayectoria de Nolan y logró el mayor estreno de la historia para IMAX.
La película está protagonizada por Matt Damon, quien interpreta a Ulises, rey de Ítaca, y cuenta su largo viaje de regreso a casa después de la Guerra de Troya. El reparto también incluye a Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya y Charlize Theron, entre otras figuras.
De Daniel Castro Zimbrón, a partir de la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández; El delirio de poder y la violencia de los marginados como una metáfora del dolor de la relación padre e hija.
En los 40, Pedro Armendáriz padre en La noche avanza (1951) de Roberto Gavaldón fue la sombra moral de la ciudad. En los 70, el cine de ruptura nos dio a sus dos figuras clave: Alejandro Parodi en Llámenme Mike (1979), un policía amnésico que solo volviéndose loco podía hacer justicia, y Pedro Armendáriz Jr. como Héctor Belascoarán Shane, el detective que leía y perdía. En esa línea directa se coloca Cipriano Zuzunaga, protagonista de “Tus dos muertos”.
La película es adaptación de la novela negra “Tus dos muertos” (Alfaguara, 2016) de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Gudiño creó a Zuzunaga como un antihéroe serial, un personaje que viene de antes y sigue después, y eso se siente: ya llega cargado de mañas, deudas morales y relaciones podridas con el sistema.
La premisa es brutalmente mexicana: Investigar delitos en México parece un sinsentido; salvo que la víctima sea alguien poderoso, como el hijo de un candidato. Zuzunaga es un policía al límite de la razón, como todo lo marginal e institucional. Cobra plazas, extorsiona, sobrevive. Pero su verdadero expediente son sus pendientes familiares.
Castro Zimbrón entiende que el noir no es un género, es una forma de mirar. Alto contraste, noche perpetua, siluetas recortadas, la ciudad como viñeta. Neones que sangran, sombras que se comen los rostros, la violencia estilizada como trazo grueso. Los marginados no son un realismo sucio, son arquetipos trágicos iluminados a contraluz. Y en este caso, el aterrizaje es totalmente afortunado. Aquí es donde la película conecta con una tradición poco explorada: el policía que alucina. El antecedente directo es el propio Mike de Llámenme Mike. Zuzunaga entra en esa genealogía. No alucina por droga, alucina por dolor. Ve a su hija donde no está, escucha voces de un caso que es su propia conciencia.
El reparto femenino es clave y es donde la película encuentra su resonancia trágica. Myriam Bravo, Ofelia Córdova y Camila Calónico integran una suerte de corifeo trágico. Encarnan distintas miradas que parecieran reproducir la imagen de la misma mujer: todas atrapadas y es importante esa analogía, porque hace visible que la herida es una sola y se repite.
La presencia de la ausencia de otra mujer es la que estructura todo; lejana, en esa cápsula afuera y aparentemente a salvo. Esa ausencia es el centro moral de la película. Todo lo que Zuzunaga hace es para alcanzar a esa voz que está fuera de su alcance. La edición de sonido a triple registro en lo básico incidental de la sorpresa, más lo alucinatorio como situación, nos da además carecteriologías aisladas de los espacios dotando de profundidades de inevitabilidad a la historia. Dirigida por Daniel Castro Zimbrón y producida por Varios Lobos en coproducción con España, está protagonizada por Gerardo Trejoluna como Zuzunaga y Brontis Jodorowsky como Arcángel.
Extraordinaria que no hay blanqueamiento en las caracterizaciones ni un acercamiento edulcorado de la pobreza. El México marginal no es pintoresco sino manchado deslavado o residual, es una maquinaria de supervivencia donde cada favor se cobra con cuerpo.
Brontis Jodorowsky hace un trabajo sumamente complejo por las distintas tensiones que reprime en Arcángel. También como personaje deja una interesante posibilidad como paradigma a futuro, pues en la saga literaria, Arcángel está presente.
Gerardo Trejoluna se muestra como el espléndido actor de corporalidades y mundos internos abismales que es; Una actuación de antología para no variar tratándose de él; referencial.
Bellísimo ver a cuadro en una de sus últimas apariciones, al Maestro Juan de la Loza. ** Fundamental apoyar al cine de manufactura nacional, más cuando representa un trabajo de enorme calidad como este, entretenimiento de primer orden.**
Tus dos muertos De Daniel Castro Zimbrón. Basada en la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández. Con Gerardo Trejoluna, Brontis Jodorowsky, Alexis Ayala, Juan Daniel García Treviño, Myriam Bravo, Ofelia Córdova, Camila Calónico y José Sefami
La alcaldía Azcapotzalco, encabezada por Nancy Núñez, prepara el Festival Ollin, una jornada que reunirá música, cultura, deporte, emprendimiento y servicios para las juventudes chintololas este 22 de agosto en la Alameda Norte.
La Alameda Norte será sede del Festival Ollin el próximo 22 de agosto, a partir de las 10:00 horas, como parte de una jornada dedicada a las juventudes de Azcapotzalco. El encuentro busca convertirse en un espacio de convivencia, expresión y reconocimiento al talento joven de la demarcación.
La programación incluirá presentaciones de rock, ska, rap, trap, reggae, reguetón, pop, cumbia y electrónica, además de actividades deportivas y culturales. También se instalará un corredor gastronómico con jóvenes emprendedores, así como espacios para mural colectivo, préstamo de bicicletas, futenis y una clase de defensa personal.
El festival contará además con la participación de instituciones y organizaciones que ofrecerán orientación sobre salud mental, prevención de adicciones, empleo, capacitación y desarrollo juvenil. Entre ellas se encuentran INJUVE, IMJUVE, IAPA, PILARES, el Consejo Ciudadano y dependencias de salud, cultura y trabajo.
Con esta jornada, la alcaldía busca que la Alameda Norte funcione como un punto de encuentro para las juventudes chintololas, combinando entretenimiento con información y oportunidades. El Festival Ollin se realiza en el marco del Día Internacional de la Juventud, con la intención de promover espacios de respeto, participación y sana convivencia.
El sitio, ubicado en Cintalapa, fue un antiguo lugar de peregrinaje donde los zoques acudían para pedir lluvias y buenas cosechas.
El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) reveló el hallazgo de la Cueva Mundo Zoque, en Cintalapa, Chiapas, donde fueron localizadas 179 piezas prehispánicas y 13 ofrendas. El descubrimiento ocurrió luego de que el guía local Jairo Díaz reportó el sitio a las autoridades, quienes enviaron a especialistas para iniciar los trabajos arqueológicos.
De acuerdo con el director del INAH, Joel Omar Vázquez Herrera, la cueva se encuentra a unos 20 metros bajo tierra y tiene una longitud de 100 metros. El lugar habría sido un sitio de peregrinaje para los pueblos zoques, quienes acudían para pedir lluvias y buenas cosechas durante periodos de cambios climáticos y escasez de agua.
Entre los objetos encontrados hay piezas de cerámica que podrían corresponder al Clásico Tardío, entre los años 600 y 900 d.C., además de estalactitas y estalagmitas modificadas para representar figuras humanas o las fauces de un monstruo. También fueron identificadas representaciones de jaguares y tecolotes, así como un sahumador con un mango de 32 centímetros.
El INAH realizará nuevos estudios para determinar con mayor precisión la antigüedad y características de las piezas. El hallazgo es considerado relevante para conocer las prácticas rituales y la relación de los antiguos pueblos zoques con la naturaleza, particularmente con el agua y la agricultura.
La Jefa de Gobierno, Clara Brugada, inauguró los murales “Apoteosis”, obras que representan el encuentro de dos mundos: la cultura occidental y la mexica.
📹 #Vídeo | Esta mañana desde las instalaciones del metro Auditorio Nacional, la Jefa de Gobierno, Clara Brugada (@ClaraBrugadaM), revela el nuevo mural holográfico más grande del mundo. pic.twitter.com/j2EWW51X5z
La mandataria capitalina señaló que estos murales simbolizan el encuentro entre ambos mundos, al representar a los dioses Apolo y Dionisio, por un lado, y a Xochipilli, por el otro. Destacó que esta monumental obra de arte holográfico busca democratizar la cultura al integrar la estética y la historia en el trayecto cotidiano de las y los usuarios del transporte: “El Metro se convierte en una inmensa obra contra las desigualdades y, por supuesto, es una gran herramienta de democratización del arte y la cultura”, afirmó.
Agregó que la modernización del Metro no solo implica mejoras en infraestructura y seguridad, sino también convertirlo en un espacio de memoria e identidad.
La Jefa de Gobierno, Clara Brugada (@ClaraBrugadaM), señaló que dentro de su administración se invirtieron 25 mil millones de pesos para la rehabilitación del transporte colectivo Metro, agrego que hubo un aumento del presupuesto para el metro del 22% es decir 8 mil millones de… pic.twitter.com/arikSHjeYf
Brugada destacó la inversión de 25 mil millones de pesos en el Sistema de Transporte Colectivo Metro durante este año, así como un incremento del 22 % en los dos años de su administración, lo que representa más de 8 mil millones de pesos adicionales. Además, mencionó la inversión de 40 mil millones de pesos en la Línea 3, que permitirá la adquisición de 45 trenes nuevos y la sustitución de vías.
El artista plástico, Federico Kampf, señaló que se pintaron más de 22 m² de los murales que se entregaron en la estación Auditorio Nacional. pic.twitter.com/ijdUF2zlYA
Por su parte, el artista plástico Federico Kampf explicó que los murales colocados en la estación Auditorio Nacional se componen de seis piezas ensambladas con doce mil tiras pintadas individualmente, una técnica que exige precisión matemática y un esfuerzo técnico sin precedentes. El artista añadió que no cobró por su trabajo y que se trata de una labor muy detallada, en la que se debe pensar cuidadosamente los colores y las formas.
Teatro Brujo pone en escena con altísimo nivel, una serie de desobediencias a la cronotopia en Warmi Kuntur; Voz escénica para una mujer alada, de Teatro Brujo, Mabel Petroff y Bruno Castilo en Centro Cultural El Hormiguero
Toda colonización empieza por robarle el tiempo al otro. Antes que la tierra, antes que la lengua, se coloniza el reloj. Nos enseñaron que el tiempo es una línea que avanza, que progresa, que deja atrás. Que lo ancestral es lo superado. Que ser mujer es entrar, a tiempo, en la jaula que otros diseñaron.
Mabel Petroff y Bruno Castillo llevan años sosteniendo una compañía que es en sí misma una desobediencia geográfica: México-Ecuador. “La compañía nació justamente con la intención de romper fronteras y poner en diálogo distintas perspectivas culturales. Ese desplazamiento geográfico también ha sido un desplazamiento de la mirada”.
Ese desplazamiento es epistémico. No es turismo cultural. Es lo que Silvia Rivera Cusicanqui llama pensamiento ch’ixi: esa mancha donde blanco y negro no se mezclan en gris, sino que se contaminan, se cuestionan, permanecen en tensión fecunda.
“Hemos transitado por el circo, el performance, el clown, la dramaturgia, el trabajo corporal, la máscara, la música y también por investigaciones vinculadas con nuestra memoria y nuestra identidad. Hemos entendido que no se trataba de acumular lenguajes, sino de encontrar un lenguaje propio capaz de contenerlos”.
Y aquí aparece la primera clave decolonial de la obra: para Teatro Brujo, lo intercultural no es sumar exotismos. “No consiste en poner un elemento andino junto a uno europeo o mexicano y decir que hemos hecho una mezcla. Es mucho más profundo: es permitir que esas culturas se cuestionen entre sí y que, en ese encuentro, aparezca algo nuevo”. Lo ensayaron antes en Proyecto Atawallpa con un texto quechua como palimpsesto. En Warmi Kuntur lo encarnan.
El cuerpo de Petroff se vuelve territorio de disputa temporal. En él habitan Nina, la Señorita Julia y Catalina -tres mujeres paridas por la pluma masculina de la modernidad europea: Chéjov, Strindberg, Shakespeare— y la Warmi Kuntur, la mujer cóndor. La abuela.
“La abuela, mi abuela que es el mundo andino ella es pasado y es presente“.
Esa frase destruye la cronología occidental. En la filosofía del tiempo andino, quechua-aymara, el pasado no está atrás. El pasado está delante, porque es lo que ya vimos, lo que conocemos. El futuro está atrás, a nuestras espaldas, porque es lo que no vemos. Ñaupaq, decían los abuelos. Por eso la abuela puede ser pasado y presente al mismo tiempo sin contradicción.
Frente a esa temporalidad circular y encarnada, Nina, Julia y Catalina viven en el tiempo lineal del amo. María Lugones llamó a esto colonialidad del género: el sistema moderno no solo racializó, sino que generizó el tiempo. A Nina se le exige ser a tiempo inocente, a Julia a tiempo culpable, a Catalina a tiempo domesticada. Tres jaulas con reloj.
“¿Cuántas veces una mujer ha tenido que aprender a vivir dentro de una jaula construida por otros?” Es la pregunta que Teatro Brujo pone al centro. No es una pregunta psicológica, es una pregunta ontológica. La jaula es el tiempo patriarcal que les dice cuándo amar, cuándo callar, cuándo morir.Warmi Kuntur no viene a redimirlas. Viene a mostrarles otro tiempo.
Y ese otro tiempo se escucha antes que se entiende. La obra hace del sonido su ritual de descolonización.
“Desde la génesis del proyecto pensamos que las mujeres necesitamos ser voz, articular discurso, generar palabras”, dicen. Por eso convocan a Sandra Olivares, cantante y compositora mexicana que “hizo del canto un dispositivo conceptual de repetición con líneas de búsqueda mestizas y dispares”, a Roberto Moscoso, compositor ecuatoriano que organiza el material, y al luthier Oswaldo Morocho, que construye “un artefacto-instrumento sonoro con las voces de las aves conectándonos con la naturaleza”.
No es casual. Si el logos colonial nos quitó la palabra, el canto y el trino la devuelven. Layla Díaz, codirectora, y Olivares trabajan para que “las mujeres tengan diferencia en sus voces, se sienta la diversidad en su sonoridad y por eso trabajamos mucho como habla cada una de las mujeres-ave”.
Cada mujer-ave es una desobediencia vocal. Ya no hablan como les enseñaron a hablar las obras donde nacieron. Tartamudean, trinando, gritan, cantan en lenguas que no son idioma sino memoria corporal. Es lo que el pensamiento decolonial llama corazonar: pensar con el cuerpo, no sobre el cuerpo. El instrumento de aves de Morocho no es utilería, es epistemología: el conocimiento no viene solo del libro europeo, viene del cielo andino, del canto de los pájaros que los abuelos saben escuchar.
El vestuario de Montserrat Díaz y los cielos filmados por Iván José Petroff terminan de cerrar la operación: hay cosmos. Un cosmos que aviva “los procesos personales y búsquedas propias, porque si bien el Teatro es grupal/colectivo, también nos permite escucha a cada artista que también tiene su propia voz”.
Por eso la obra “no hace concesiones”. “Después de tantos años ya no nos interesa hacer una obra que simplemente sea cómoda de mirar. Nos interesa hacernos preguntas. Y algunas preguntas necesariamente incomodan”.
Incomoda porque desobedece el mandato más fuerte de la modernidad: “progresar”.
“Como Teatro Brujo creemos que el presente es ancestral, necesitamos reconocernos como seres cruzados por las abuelas, por el ritual, por la búsqueda de símbolos que dan sentido a nuestras vidas. El futuro es un valor capitalista, necesitamos ser presente, dejar de ‘progresar’, queremos ser origen”.
El futuro como valor capitalista. Aníbal Quijano lo advirtió: la idea de futuro es la coartada del capital para hacerte despreciar lo que ya eres. Te promete que si trabajas, si te domesticas, si entras en la jaula a tiempo, llegarás a ser alguien. Warmi Kuntur responde: no queremos llegar, queremos volver. No a un pasado idealizado, sino al origen como posición.
Ser origen no es nostalgia, es desobediencia. Es decir: no voy a correr hacia adelante en tu línea, voy a hundirme en mi presente, que está lleno de abuelas.
“La forma que hemos construido nace de aquello que necesitamos decir. Y cuando una poética nace de una necesidad verdadera, deja de ser una elección ornamental: se convierte en una posición frente al mundo”.
Warmi Kuntur es esa posición. Una mujer que en lugar de aprender a vivir en la jaula, aprende a recordar que tiene alas. Y que esas alas no son metáfora, son memoria de cóndor.
En El Hormiguero, por unos minutos, el tiempo del amo se suspende. Y el presente, por fin, se vuelve ancestral.
Hay historias que nos enseñaron a repetir. Y hay cuerpos que decidieron reescribirlas.
Warmi Kuntur es un vuelo de mujeres que rompen el libreto establecido.
A partir del Jueves 13 de Agosto. Todos los Jueves, 20:00 H. En El Hormiguero. Gabriel Mancera 1539. Metro Hospital 20 de noviembre.
En el marco de la conmemoración del centenario del natalicio de Fidel Castro Ruz, nacido el 13 de agosto de 1926, la plataforma MX Nuestro Cine estrenó la serie documental México y Cuba en el tiempo. Reflexiones sobre Fidel, dirigida por el realizador mexicano Eduardo Flores. La serie se transmite desde el jueves 13 de agosto a las 20:00 horas por la señal 22.2, por streaming y a través de las redes sociales de MX Nuestro Cine y Canal 22.
Con siete entregas que cierran el 19 de agosto (y que se espera en breve se han retransmitido por distintos canales a nivel nacional) , la producción propone un recorrido íntimo y coral por la vida, el ideario y la trascendencia del líder de la Revolución Cubana, a partir de testimonios únicos de quienes lo conocieron, colaboraron con él o crecieron bajo la influencia de su proyecto político y cultural. No se trata de una biografía lineal, sino de una serie de reflexiones cruzadas entre México y Cuba, dos países cuya historia compartida marcó el siglo XX latinoamericano.
El primer capítulo abrió con el trovador Amaury Pérez, una de las voces más emblemáticas de la nueva trova, quien habló del papel de la cultura como columna vertebral del proceso revolucionario y del renacer artístico que vivió Cuba después de 1959. El segundo episodio reunió a dos amigos de la etapa universitaria de Fidel en La Habana: el periodista Max Lesnik, figura histórica del exilio cubano radicado en Miami, y el cineasta Alfredo Guevara, fundador del ICAIC. Ambos evocaron al joven líder universitario impregnado del ideario martiano de soberanía nacional y antiimperialismo.
El tercer capítulo, centrado en los orígenes de la Revolución, contó con el testimonio del general en retiro Fabián Escalante, quien encabezó el Departamento de Seguridad del Estado entre 1976 y 1988 y fue uno de los hombres encargados de proteger la vida de Fidel. Escalante recordó el discurso del 8 de enero de 1959, a su entrada en La Habana, como el momento en que se hizo evidente que comenzaba una transformación profunda, irreversible, para la isla.
La serie continúa con una entrega dedicada al deporte como proyecto de emancipación, con los campeones olímpicos Alberto Juantorena y Javier Sotomayor, quienes narraron cómo la Revolución influyó en su formación atlética y en su vínculo personal con Fidel. El quinto capítulo aborda uno de los episodios más dramáticos de la relación Cuba-Estados Unidos en los años noventa: el caso de Elián González, el niño balsero, junto a su padre Juan Miguel González, quienes relatan su encuentro con Fidel y la operación política y humana que permitió el regreso del niño a la isla.
Los dos episodios finales vuelven a la mirada de Escalante para desentrañar las estrategias de seguridad y los cientos de atentados organizados contra Fidel, y cierran con Abel Prieto, intelectual y director de Casa de las Américas, para reflexionar sobre la vida cultural cubana contemporánea y el legado del pensamiento fidelista en las artes.
Como parte del homenaje, el ciclo incluye la proyección de Mi hermano Fidel (1977), el emblemático documental del realizador Santiago Álvarez, fundador del Noticiero ICAIC Latinoamericano, una pieza clave para entender la dimensión humana del líder cubano vista desde el cine militante.
La serie, producida de manera independiente por el estudio MX Nuestro Cine, ha tenido eco en medios nacionales e internacionales como La Jornada, Cubadebate, Telesur y Radio Habana Cuba, que han destacado su valor testimonial en el contexto del centenario. CUBA FRENTE AL BLOQUEO
El estreno del serial coincide con el anuncio del nuevo proyecto del director Eduardo Flores: Cuba frente al bloqueo, cuyo largometraje documental se titula Vivir Bloqueado.
Se trata de una investigación independiente que se propone contar la extraordinaria historia de cómo una isla caribeña ha sobrevivido a más de 60 años de bloqueo y se mantiene en pie. El proyecto no busca construir un discurso unilateral, sino explorar cómo esta política —llamada “bloqueo” en el discurso cubano por sus efectos prácticos, y “embargo” en el marco jurídico estadounidense— se ha convertido en un factor central en la vida económica y social de la isla.
Según la sinopsis del proyecto, el embargo constituye una compleja red de leyes y resoluciones impuestas por Estados Unidos que busca detener, mediante duras sanciones, toda actividad económica de la isla con cualquier otro país o entidad, pues sus efectos y alcances son extraterritoriales. Muchos gobiernos y organismos internacionales lo han calificado de ilegítimo e ilegal. Tras más de seis décadas, se ha configurado un escenario complejo que exige distinguir entre sus dimensiones legales, sus impactos operativos y las interpretaciones políticas que acompañan cada término.
El documental se define como un proyecto independiente, de investigación, sin fines partidistas y sostenido por el apoyo voluntario y alianzas ciudadanas, con el objetivo de que voces invisibilizadas encuentren espacio y de preservar el sentido humano del tema.
Las personas interesadas en conocer y apoyar esta nueva producción pueden hacerlo a través del sitio oficial del proyecto:
Un proyecto que continúa la línea de trabajo de Flores sobre la memoria compartida entre México y Cuba, ahora desde la perspectiva del presente y de la resistencia cotidiana frente al cerco económico más prolongado de la historia contemporánea.
