El recorrido de 1.5 kilómetros en la colonia Cabrera combina floricultura, cultura y turismo, de la mano de familias que producen y venden cempasúchil.
La Ruta del Mictlán busca fortalecer la producción de cempasúchil en Atlixco mediante un recorrido de 1.5 kilómetros que combina tradición mexica, turismo y venta directa de flores. La iniciativa, impulsada por productores y viveristas de la colonia Cabrera con el acompañamiento del Gobierno de Puebla, también busca dar mayor visibilidad a los pequeños comerciantes y generar nuevas oportunidades para más de 300 familias.
La importancia de esta actividad se refleja en el crecimiento de la producción: hace 16 años se cultivaban alrededor de 5 mil macetas de cempasúchil en Atlixco y actualmente la cifra alcanza 2.5 millones de plantas. Alrededor del 90% corresponde a variedades naranjas y el resto a otros colores, mientras que la producción abastece a distintas regiones del centro y sur del país.
Foto: Frank Alvarado / LRMX
La Ruta del Mictlán se realiza del 3 de octubre al 8 de noviembre y lleva a los visitantes por los nueve niveles del inframundo de la tradición mexica, representados mediante figuras monumentales elaboradas con la participación de jóvenes artistas y artesanos. El recorrido permite conocer los espacios donde las familias cultivan el cempasúchil y acercarse a una tradición que forma parte de la identidad de Atlixco.
Además de la experiencia cultural, uno de los objetivos principales es que los visitantes puedan adquirir flores directamente de productores y viveristas, a precios accesibles. Esta dinámica permite que una mayor parte del beneficio económico permanezca en las comunidades y ofrece a los pequeños comerciantes un espacio para mostrar y vender su trabajo durante una de las temporadas más importantes del año.
Foto: Frank Alvarado / LRMX
La secretaria de Agricultura y Desarrollo Rural, Ana Laura Altamirano Pérez, destacó que la iniciativa reconoce el trabajo de las familias que hacen posible que el cempasúchil llegue a los hogares y altares, al tiempo que genera nuevas alternativas de comercialización. De esta manera, la floricultura se vincula con el turismo y la cultura para fortalecer la economía local.
La Ruta del Mictlán convierte así los viveros de Atlixco en un espacio de encuentro entre tradición y producción. Más allá de visitar los escenarios dedicados a la cultura mexica, el recorrido permite conocer a quienes cultivan el cempasúchil y contribuir directamente al comercio local, fortaleciendo una actividad que se ha convertido en un referente de la región.
Fuente: Coordinación General de Comunicación Social de Azcapotzalco. Este contenido no fue elaborado por la redacción de Los Reporteros MX.
La alcaldesa Nancy Núñez destacó que más de 50 mil personas acudieron a la edición XXIII de Son Para Milo en Azcapotzalco, festival que durante cuatro días reunió música tradicional mexicana, gastronomía y expresiones culturales, además de reivindicar el derecho de la ciudadanía al acceso a la cultura.
La edición número XXIII del Festival de Música Tradicional Mexicana Son Para Milo concluyó este fin de semana con una asistencia superior a 50 mil personas durante sus cuatro días de actividades en la explanada de la Alcaldía Azcapotzalco. El encuentro convirtió el espacio público en un punto de reunión para habitantes de la demarcación y visitantes de otras alcaldías y municipios.
El festival contó con cuatro escenarios, además de una amplia oferta gastronómica y cultural instalada en los alrededores, lo que generó un ambiente de celebración que se extendió durante todo el fin de semana. La música tradicional y las distintas expresiones artísticas fueron protagonistas de una jornada que reunió a públicos de diferentes edades.
Nancy Núñez destacó que este tipo de encuentros permiten acercar las expresiones artísticas a la ciudadanía y fortalecer el acceso a la cultura. La alcaldesa señaló que Azcapotzalco busca consolidarse como un espacio para espectáculos de calidad y como una demarcación que reivindica y defiende el derecho de sus habitantes a disfrutar de actividades culturales.
Con Son Para Milo, Azcapotzalco volvió a abrir sus puertas a espectáculos artísticos de gran convocatoria, mientras la demarcación se prepara para nuevos encuentros culturales. Entre ellos se encuentra la tercera edición del Festival Tlalmanalli Azcatl, programada para finales de octubre, con la intención de mantener una agenda cultural activa para la ciudadanía.
El escritor mexicano fue elegido por unanimidad por la amplitud de su obra, su aporte al periodismo y el humanismo, humor e ironía presentes en sus textos.
El escritor mexicano Juan Villorofue reconocido con el Premio Internacional Carlos Fuentes a la Creación Literaria 2026, otorgado por la Secretaría de Cultura y la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). El jurado decidió por unanimidad concederle el galardón por “la amplitud y alcance de su obra”, que abarca distintos géneros con maestría y rigor.
El comité destacó también su contribución a la formación de nuevos lectores y su presencia en el ensayo y el periodismo en Hispanoamérica. Señaló que su obra establece un diálogo entre el presente y la tradición “desde una perspectiva humanista llena de humor e ironía”. Villoro recibirá un diploma, una reproducción de una escultura de Vicente Rojo y un estímulo económico equivalente a125 mil dólares.
A sus 70 años, Villoro cuenta con una trayectoria como escritor, periodista, docente, editor, dramaturgo y guionista. Entre sus obras destacan El testigo,El vértigo horizontal,La tierra de la gran promesa,Examen extraordinarioyEl libro salvaje, novela juvenil que ha vendido más de un millón de ejemplares. También ha recibido reconocimientos como los premios Iberoamericano José Donoso, Manuel Rojas, Herralde, Xavier Villaurrutia y el Premio a la Excelencia Periodística de la Fundación Gabo.
Villoro se convierte en el undécimo ganador del Premio Internacional Carlos Fuentes, creado en 2012 tras la muerte del autor deLa región más transparenteyLa muerte de Artemio Cruz. El reconocimiento también ha sido otorgado a Mario Vargas Llosa, Sergio Ramírez, Eduardo Lizalde, Luis Goytisolo, Luisa Valenzuela, Diamela Eltit, Margo Glantz, Elena Poniatowska, Luis García Montero y Gioconda Belli. Desde 2019, el premio se entrega anualmente.
Fuente: Coordinación General de Comunicación Social de Quintana Roo. Este contenido no fue elaborado por la redacción de Los Reporteros MX.
La Fundación de Parques y Museos de Cozumel invita a la comunidad a conocer la primera novela de Irving Abelardo Sauri Medina,La letra de mi vida, en una presentación que se realizará con entrada libre, como parte de los espacios culturales impulsados bajo el Nuevo Acuerdo por el Bienestar y Desarrollo de Quintana Roo promovido por la gobernadora Mara Lezama.
La Fundación de Parques y Museos de Cozumel (FPMC) invitó a la comunidad a la presentación de La letra de mi vida, primera novela del escritor Irving Abelardo Sauri Medina. El encuentro será el lunes 5 de octubre, a las 19:00 horas, en el auditorio del Museo de la Isla, con entrada libre para toda la comunidad.
La obra propone un viaje alrededor del amor, la identidad, la aceptación y las experiencias que dejan huella. A través de Mateo, su protagonista, la novela explora cómo las personas que forman parte de nuestra vida pueden transformarnos, acompañarnos y contribuir al proceso de descubrir quiénes somos.
La novela también aborda el proceso de aceptación dentro de la comunidad LGBTQ+, así como temas relacionados con las pérdidas, los sueños compartidos, las promesas y la posibilidad de comenzar nuevamente. La FPMC destacó que la presentación representa una oportunidad para acercarse a una nueva voz de la literatura contemporánea y dialogar sobre las experiencias humanas presentes en la obra.
Irving Abelardo Sauri Medina es maestro en Comunicación Corporativa por la Universidad Anáhuac Mayab y desde la infancia ha mantenido una relación cercana con el teatro, la música y la lectura. Actualmente trabaja en su segundo manuscrito, mientras que su experiencia profesional en la industria de la aviación también ha alimentado su narrativa a partir de viajes, encuentros y despedidas. La cita es el lunes 5 de octubre a las 19:00 horas en el Museo de la Isla; la entrada será libre.
Este espectáculo es un viaje íntimo que va entretejiendo, un viaje unipersonal que terminará siendo colectivo. Con elementos con presteza y poética empleados, tanto de circo, como de comedia, teatro físico, clown y malabarismo. Una creación de la compañía : Qué Risa tu Risa. Monoambiente narra la historia de un artista nómada que convierte las tareas cotidianas y los objetos comunes en un juego poético sobre los viajes y la vida itinerante.
Un monoambiente como se le conoce en Argentina o bien en Uruguay por influencia rioplatense, es la vivienda nómada por excelencia: la del estudiante que llega a la ciudad, la del artista de gira, la del migrante. No tienes cuartos de más porque no te puedes dar el lujo de tenerlos. Se abre entonces la compuerta poética y de la destreza. En el circo contemporáneo el malabar ya no es demostración de destreza, es un sistema de signos. Como plantea Bouissac, el circo opera con un doble código: el técnico y el espectacular, y el objeto deja de ser utensilio para volverse signo en escena. En ese marco, la pelota, el balde o el plato no significan por lo que son, sino por lo que hacen en el aire.
Ziethen lo define con precisión: el malabar es la dramatización del aplazamiento del fracaso. Cada objeto lanzado es una crisis pospuesta y lo que el público celebra no es el éxito final, sino la continuidad. El malabar es, por eso, tiempo suspendido, gravedad negociada y trabajo visible.
En el circo contemporáneo latinoamericano, el tiempo suspendido en un espacio se vuelve código. Como señala Infantino ( no el de la FIFA) , la tradición nómada no se retoma como estética sino como condición material: la casa se vuelve escenario y los objetos domésticos se vuelven aparato. El malabar, entonces, es hacer que lo cotidiano no se caiga. El escenario no necesita cruzar una frontera para hablar de migración, porque ya es migración.
Un mueble blanco que es ropero, cocina y casa a la vez condensa lo que Paul Bouissac llama:” el paso del objeto útil al signo escénico”, y lo que Seibel documentará como la condición histórica del artista circense: ser migrante por oficio, donde la casa no es un lugar sino el trayecto. Por eso el monoambiente funciona sin divisiones: como dice Abdelmalek Sayad de la doble ausencia, no se está del todo allá ni del todo acá, y todo tiene que pasar en el mismo metro, a la vista.
Este montaje es perfecto para ejemplificar toda la teoría que ha llegado a exponer y plantear investigación por lo bien logrado del discurso “monoambiental” del Maestro Guglielmone . Tras una función con lleno total en el hermoso teatro Sergio Magaña en la Ciudad de México, como parte del programa “Ciudad escena”, esperamos encontrar a un corto plazo más fechas o una larga temporada a la que siga otra y otra más para compartir el espacio , la mesa , la luz de una vela y el traslado épico gracias al arte del Clown, a la habitación interior de la belleza.
En entrevista, el creador de MONOAMBIENTE reflexiona:
¿Cómo construyes dramatúrgicamente la animación del objeto para que deje de ser utilería y se vuelva partenaire escénico?
La construcción dramatúrgica viene de la curiosidad del viajero, de esa perspectiva peculiar de mirar con otros ojos lo que me rodea. Trasladé esa mirada a lo pequeño de un monoambiente, donde el espacio reducido me obligó a enfocarme en los detalles y en lo simple. Así, el objeto dejó de ser utilería para volverse partenaire; dejó de ser un adorno inanimado en el momento en que el cuerpo entró en diálogo con sus características físicas, retóricas, simbólicas e imaginarias, animando los objetos para generar coreografías de acciones cotidianas.
¿Qué herramientas específicas del circo contemporáneo operan como dispositivos de investigación en el Monoambiente?
La relación con los objetos nace de la técnica tradicional del malabarismo, pero trasladada a los objetos cotidianos. Mi proceso fue traducir los principios técnicos de los objetos tradicionales —clavas, pelotas, aros— a la naturaleza y usabilidad de los objetos comunes de cualquier hogar.
¿Cómo trabajas la relación cuerpo-espacio-objeto?
En la gran pista te mantienes en constante atención hacia los espectadores; el virtuosismo tiene que ser constante. En cambio, el espacio de un monoambiente tiene límites muy precisos y lo íntimo te da la oportunidad de profundizar y de observar con atención. Cuando se detiene la aventura literal, no se detiene la curiosidad.
Ángel Villarreal fotos interior: @fotoyvagancia y Alexandro Guerrero.
Fuente: Coordinación General de Comunicación Social de Azcapotzalco. Este contenido no fue elaborado por la redacción de Los Reporteros MX.
La alcaldesa de Azcapotzalco, Nancy Núñez, invitó a la población a disfrutar de la XXIII edición del encuentro “Son para Milo”, que reunirá gratuitamente en Azcapotzalco a más de 100 agrupaciones de música y danza tradicional mexicana, además de gastronomía, artesanías y actividades culturales.
Del 1 al 4 de octubre, la explanada de la Alcaldía Azcapotzalco será escenario de la XXIII edición del Encuentro de Música Tradicional Mexicana “Son para Milo”, una celebración que reunirá a más de 100 grupos musicales y dancísticos provenientes de la Ciudad de México y distintos estados del país. Las actividades serán gratuitas y ofrecerán al público una muestra de huapangos, sones jarochos, gustos, polkas, chilenas y otras expresiones de la música tradicional mexicana.
La alcaldesa Nancy Núñez destacó que para Azcapotzalco representa un compromiso ser sede de este encuentro, al considerar que permite acercar a la población las distintas manifestaciones culturales de México. “Este festival es un espectáculo esperado por todas y todos quienes amamos nuestras raíces, nuestras tradiciones”, señaló, al invitar a las y los chintololos a participar en esta fiesta cultural.
El programa contará con agrupaciones como La Endiablada, Pindékuecha, Serafín Ibarra, Los Hermanos Tavira, Los Guerreros, Cecy Boeta, Camperos de Valles, Los Descarados y la Orquesta Jaranera Noh Beh de Mérida, entre otras. Además de los conciertos y presentaciones de danza, habrá talleres, presentaciones de libros y una conferencia, con actividades dirigidas a públicos de distintas edades.
La celebración también contará con más de 250 expositores de artesanías y gastronomía tradicional provenientes de entidades como Oaxaca, Chiapas, Veracruz, Estado de México, Puebla, Zacatecas e Hidalgo. “Son para Milo” se realizará el jueves 1 de octubre de 14:00 a 22:00 horas; viernes 2, de 11:00 a 22:00; sábado 3 y domingo 4, de 10:00 a 22:00 horas, convirtiendo durante cuatro días a Azcapotzalco en un punto de encuentro para la música, la danza y las tradiciones mexicanas.
Fuente: Coordinación General de Comunicación Social de Quintana Roo. Este contenido no fue elaborado por la redacción de Los Reporteros MX.
La gobernadora Mara Lezama impulsa acciones vinculadas con la cultura y la participación de las juventudes, mientras estudiantes de Cozumel demostraron su talento durante el XXII Concurso de la Canción Mexicana organizado por la FPMC.
Estudiantes de secundaria y preparatoria de Cozumel demostraron su talento musical durante la edición XXII del Concurso de la Canción Mexicana, organizado por la Fundación de Parques y Museos de Cozumel (FPMC) en el auditorio del Museo de la Isla. El certamen reunió a familiares, amistades y público en general para disfrutar de interpretaciones de música regional mexicana y composiciones de reconocidos autores nacionales.
La directora de Pedagogía y Asistencia Social de la FPMC, Dianela Cervantes Chi, señaló que el concurso forma parte de las actividades por las fiestas patrias y busca generar espacios para que las nuevas generaciones desarrollen y compartan sus capacidades artísticas. Durante las presentaciones, el jurado evaluó aspectos como afinación, entonación, métrica, dicción e interpretación.
En la categoría de secundaria, Mónica Julissa Tzuc obtuvo el primer lugar, seguida por Mariana González Vivas. En preparatoria, Edgar Chan conquistó el primer sitio; Ligia Dzul obtuvo el segundo, Helena Pérez el tercero y María José Gamboa el cuarto. El jurado estuvo integrado por Brigi Pulido, Saraí Pech, Lupita Arredondo y Marian Meléndez, mientras que el programa incluyó presentaciones especiales de artistas locales y del ballet de Plaza del Sol.
Al concluir el certamen, la directora del Museo de la Isla, Isela Carrillo Cupul, entregó reconocimientos a las y los participantes y destacó la importancia de mantener espacios para la expresión artística de las juventudes. Con 22 ediciones, el concurso se mantiene como una de las actividades culturales de la FPMC para promover la música mexicana y la participación juvenil, en concordancia con el Nuevo Acuerdo por el Bienestar y Desarrollo de Quintana Roo, impulsado por la gobernadora Mara Lezama.
El Teatro del Centro Cultural Helénico presenta: “Salto mortal al Xib’alb’a“, un relato del Popol Vuh desde la mirada de la Compañía Tránsito Cinco.
Esta notable producción, por su nivel de realización y grado de ejecución, nos ofrenda trazos e imágenes bien conceptualizados , ensoñados. Esa articulación se consolida con brillantes secuencias en sus distintas especialidades, que atrapan a las infancias con asombro.
La obra toma un relato de la tradición k’iche’ del Popol Vuh. Los gemelos Ixb’alanke y Junajpú descienden al Xib’alb’a, el inframundo, para enfrentar las pruebas impuestas por sus señores y vengar la muerte de sus padres.
En “Salto mortal al Xib’alb’a“, el cuerpo es el enunciado mismo en tanto sintaxis del relato. Muy afortunado el modo en que conforme se da la progresión en los actos del mito, se corren riesgos también en la búsqueda por plantear un carácter semiótico desde circo contemporáneo con estos personajes. No obstante, encontramos momentos de cohesión de la escena en su totalidad planteados como oscuros o intervalos que en cuanto a convención podrían replantearse con el fin de no desdibujar el viaje en la imaginación y la relación con el poder de los protagonistas ya emprendido. El aparato circense es el objeto con el que el cuerpo dialoga y la determinación del aparato es un signo con una materialidad propia. En este caso encontramos la metáfora en cada decisión corporal controlada y cada aparato corresponde a una de las Casas del Xib’alb’a, por eso el concepto plástico tiene mucho sentido en sus enormidades y perspectivas.
El peso compartido es otro signo central. La acrobacia en dúo y el mano a mano son interdependencia, dos cuerpos que sostienen, cargan y equilibran un peso común. El elemento poético se conforma en el contacto y comunica vínculo y corresponsabilidad, la hermandad a nivel de cosmogonía en los gemelos.
La altura en esta pieza como signo, esa distancia respecto al suelo genera profundidades que acrecentan su dimensión con el excelente trabajo musical. Volviendo al discurso , aquí la verticalidad indica tránsito entre niveles. La altura por su parte es el significante del descenso al inframundo; así el espectador es parte del sistema, su respiración, su silencio y su reacción completan la producción de sentido, especialmente para el público de las infancias.
Interesante además esta propuesta porque más allá de una ilustración del mito, hay búsquedas de la mímesis con apuesta deconstruida del mito desde el escenario a un sistema de signos corporales que también es de altísimo nivel de ejecución condensando y complejizando la idea general y que logra concretarse. Abriendo aún más el espacio de interés acerca de la investigación en torno a la puesta en escena en el circo contemporáneo.
Elementos como el aro suspendido con los dos intérpretes formando una sola figura, código del riesgo compartido; la suspensión capilar (una de las técnicas más exigentes), que aquí es el signo del sacrificio final; El gran cráneo del árbol del Xib’alb’a con los señores del inframundo, que es una somo espectacular y agradecible al teatro de gran formato con títere gigante nos abrazan, sorprenden y guian con generosidad. El vestuario luce especialmente desde lo ritual, trabajo de Azucena Galicia . En la iluminaciónEdgar Mora, lograda en lo espectacular protagonistas del tono general. Mención especial merece la contorsión sobre la isla verde con la pelota azul del juego de pelota maya, la flexibilidad extrema como signo de las pruebas físicas del inframundo.
“Salto mortal al Xib’alb’a“ Autoría y dirección: Jorge Díaz Mendoza Elenco: Alejandra Palestina, Jessica González, Nayeli Ramos, Ricardo Díaz y Yareli Reyes Iluminación: Edgar Mora / Vestuario: Azucena Galicia / Producción ejecutiva: Jessica González / Producción operativa y audio: Eduardo Martínez / Gestión y logística: Silvia Lozano / Asistencia de dirección: Fernanda Palacios / Foto y video: Enid Hernández. ( interior nota). Compañía: Tránsito Cinco Artes Escénicas S.C. Proyecto apoyado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC). Imagen de la obra para portada: Luis Quiroz. Teatro del C.C. Helénico, Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, CDMX. Temporada: Hasta el 11 de octubre de 2026, sábados y domingos 13:00 h. Boletos en taquilla y en http://helenico.gob.mx
Un thriller doméstico que bien puede ser una metáfora de la desaparición y del silencio La dramaturgia y dirección de Emanuel Ureña no operan bajo el régimen de la sorpresa, propio del “jump scare” del teatro comercial de terror, si no bajo el régimen del suspense como información compartida.
Por: Alexandro Guerrero
En este sorprendente texto, el espectador conoce la existencia de la norma doméstica y su consecuencia punitiva antes que la víctima la transgreda como motor fundamental de la trama y la progresión de la historia. La duración de la escena se convierte en el significante principal, se genera una ocularización interna secundaria: el público ve más que el personaje, y esa asimetría de saber produce angustia, no susto. La focalización espectatorial superior acontece y con trabajo sumamente comprometido del elenco, nos brinda una experiencia muy intensa.
La instalación del dispositivo voyeurista en El huésped nos convierte en cómplices actantes. Algo cercano a lo que hoy testificamos con la vigencia de programas y contenidos que se especializan en situaciones de violencia , delincuenciales e historias de violencia estructural cotidiana. El dispositivo escénico de esta pieza a estrenarse en el Teatro Emilliere, opera como cámara de vigilancia muda e inútil. El espectador es posicionado como voyeur involuntario de la intimidad y las consecuencias extremas en este devenir de la existencia doméstica en un lugar recóndito.
El Huésped no es un agente externo que invade, sino una presencia endógena latente. Se subvierte el tópico de la invasión del hogar (home invasion): el monstruo es cohabitante y posee legitimidad contractual dentro de la diégesis.Hay transferencia de culpa y construcción del vértigo espacial.
La víctima internaliza la responsabilidad de la violencia como cuando en narrativas que conocemos de hace décadas quién desaparece es así mismo culpable de no ser encontrado: la falta no es del agresor por agredir, sino de quienes infringido la norma del control o de romper el silencio. Sempiterno plantea su estética en el significante de la vigilancia mesa las llaves ,el orden, la precisión amenazante de un mal riguroso casi quirúrgico como clausura perversa.
El horror no es la ruptura, es la revelación a renormalizar. Estructuralmente y hasta las últimas consecuencias, la estructura que planeta Ureña es la permanencia. Su protagonista ejecuta el ritual doméstico de forma impecable después del castigo. Un cierre en falso qué ha sido cíclico es el imaginario donde la diégesis se restablece para que el espectador quede expulsado de esa normalidad y reconstruyendo hechos que ya no son aislados. Es lo que Wood denomina “el retorno de lo reprimido normalizado”, no obstante desde el terror psicológico ya podemos ver la serialidad del mal completada.
En esta puesta en escena, las “reglas de la casa” implican un vacío semántico. Su contenido específico es irrelevante para la trama. Su función es puramente estructural: es el pretexto que activa el dispositivo punitivo pues permite desplazar el foco de qué se prohíbe, a quién y lo más notable. El cuestionamiento por el atributo de desde dónde y porqué se tiene el poder de prohibir.
La contención expresiva El terror se produce por disonancia entre la pulcritud externa y el colapso interno. La actriz no gritará por ser inducida al sopor qu es torturante; el espectador guarda el eco, y los sumará hasta verlo desbordarse.
Vale la pena mencionar que el principio de mise-en-scène aquí, consiste en nunca iluminar el objeto de la angustia si no iluminar el umbral.” El huésped “ debe permanecer mayormente fuera de campo visual y en campo sonoro acusmático. Es el espectador quien proyecta su propio huésped en esa sombra. La dirección acierta en su eficacia en cuanto a economía de medios, dando así, máxima eficacia semiótica.
“El huésped ” no pertenece al género del terror sobrenatural, sino al del thriller doméstico de suspense psicológico. Su estructura no busca la catarsis aristotélica por purga, sino la incomodidad por reconocimiento. El dispositivo final no ocurriría en el Teatro Emilliere, sino en el domicilio del espectador cuando, al volver, verifica “quizá” si su propia casa también tiene reglas, muchas no dichas.
En entrevista exclusiva con el creador de la obra de la Cía. Sempiterno Artes Escénicas para Los Reporteros MX. Emanuel Ureña refiere que la pregunta más difícil acerca de este su proceso fue el cómo delinear dramatúrgicamente a el mal.
“Como dramaturgo y amante del terror, el mal es una palabra dificil. En las peliculas es muy obvio, es el villano. Pero el mal verdadero es cuando se hacen cosas destructivas fisicas, mentales, emocionales teniendo TODA la conciencia de ello y que no afecte en nada o no nazca de nada. El mal común es hasta infantil, el del villano con traumas que lucha contra un sistema. El mal verdadero es cuando una persona, una compañía, un ente busca con paciencia, hasta con un cierto disfrute, destruir sin correr. Un asesino en serie que solo busca eliminar por necesidad, un gobierno que busca llenarse su ego con destrucciones obvias, un ser que quiere mantener su ego, estatus, poder porque es su única forma de sentir. En nuestra realidad no existen super héroes que puedan luchar contra eso, y la humanidad está dormida por la comodidad. El mal sabe usar el universal “divide y vencerás”. ¿De qué autores te alimentaste para escribir EL HUÉSPED?
Harlan Ellison “No tengo boca y debo gritar” (1967): Ciencia ficción oscura donde una IA llamada AM toma conciencia, odia a la humanidad por crearla y extermina a todos, dejando vivos a cinco humanos con inmortalidad para torturarlos por miles de años hasta que intentan matarse entre ellos. El último queda convertido en una babosa humana que se arrastra para siempre.
“Siempre quise escribir algo con esa idea por lo inhumano y lo cruel. Al inicio la obra sería en un cuarto donde varias personas se llevarían a la locura sin saber por qué estaban ahí, hasta que se dan cuenta que hay una persona manejándolos como títeres y viendo al público”.
Excelente paráfrasis a setenta años de la obra de Amparo Dávila escrita en 1956, un cuento en primera persona que situa a una ama de casa infeliz que vive con su marido, hijos y sirvienta en un pueblo abandonado. El marido lleva un ente ( el huésped, que nunca se especifica si es hombre, animal o ser), que todos ven como peligro menos él.
“Yo me río con el terror, lo disfruto desde lo más profundo, me da una sensación de poder por analizar las emociones que genera. No busco usar referencias, leo y releo el guión como si yo fuera todos los personajes, hasta que siento esa sensación”.
¿Cómo fue tu proceso de dramaturgia?
“Quería generar una sensación de desolación al perder la esperanza. Noté que la cabaña como encierro abierto, el patriarca dominante asesino, la mujer con poder pero empequeñecida eran la solución, pero no servirían sin un catalizador. Así nacieron la hermana, la amiga, el esposo y la esposa. Para darle mayor poder, una representación de lo que quería decir, que representa a una IA, nació la sirvienta, que aunque no dice mucho, mueve toda la historia y da profundidad al patriarca. Por último nace la hija, que vive su propia lucha por ser joven”.
“Investigué cada personaje desde lo psicológico: El narcisista, Vínculo traumático, Síndrome de Estocolmo, Disonancia Cognitiva, hipervigilancia y cohesión extrema. Después creé la imagen completa, todas las escenas, y empecé a trabajar escena por escena sin que los personajes se rompieran”.
Ureña cuenta con dos adaptaciones y dos obras de autoría que fueron clave para llegar a este próximo estreno.
Adaptaciones:“El suicidio perfecto”, de “75 Puñaladas” de Martín Ginner, comedia fantástica sobre un espía en escena de suicidio, adaptada a un México con agencia de espionaje mundial. Y “Las Costureras”, de “El censo” de Emilio Carballido, versión más oscura y trágica sobre dos costureras con taller clandestino en 1945.
Autoría: “Amor, Guerra y Clown”, en un México inexistente en 1940 donde un vagabundo y una enfermera encuentran el amor antes de la guerra, y “La Princesa y la Pirata”, comedia infantil sobre equidad donde una princesa y una pirata vencen a su dragón para ser libres.
“Con La Princesa y la Pirata quiero contar que la libertad está en nuestra decisión. Con Amor, Guerra y Clown quiero expresar lo que significa el amor sincero sin prejuicios, inexistente hoy pero no inalcanzable”.
¿Buscas provocar políticamente al espectador?
“No. Dionisio Leiva, gran actor y dramaturgo costarricense, me dijo: escribe lo que quieras contar, luego piensas en lo que significa y eso hice. Mis metáforas son inconscientes porque mi superyó quiere hablar. No quiero enfocarme en cambiar a las personas. Si soy fiel a lo que quiero expresar, el público sentirá y reflexionará desde su mundo”.
“Con El Huésped busco decirles que tenemos el poder de cambiar las cosas malas. TODOS entendemos la realidad pero hacemos la vista gorda hasta que es demasiado tarde y ahí radica el verdadero terror, no en un monstruo, en lo desconocido, sino en nuestro interior, en que sabemos la verdad de todo pero miramos al otro lado por miedo a sentir”.
EL HUÉSPED Dramaturgia y dirección: Emanuel Ureña Compañía: Sempiterno Artes Escénicas / Acarus-Art Producciones Elenco: Korey Rivera, Mayr, Ely Rodríguez, Yaretth Dávila, Roma, Denisse García Música original: Adair Mendoza
Temporada: 3, 10, 17, 24 y 31 de octubre de 2026 – 18:00 h Sede: Teatro Emilliere. Unión postal #171. Alcaldía B.J. Ciudad de México. Boletos:http://elhuespedterror.boletopolis.com
El director mexicano asistirá a la edición 24 del FICM, donde se proyectará su cinta por el aniversario de su estreno; el festival reunirá 96 películas en competencia.
El director mexicano Guillermo del Toroserá uno de los invitados principales de la edición 24 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), que se realizará del 16 al 25 de octubre. Su presencia estará relacionada con una proyección especial de “El laberinto del fauno”, a 20 años de su estreno.
El festival tendrá 96 películas en competencia, distribuidas entre las secciones Michoacana, Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano y Largometraje Mexicano. En esta última competirán 12 producciones, entre ellas “Ceniza en la boca”, de Diego Luna; “Los nuevos”, de Rodrigo Plá, y “Salón de belleza”, de Nathalia Acevedo.
El jurado de Largometraje Mexicano estará presidido por el director español Juan Antonio Bayona y contará con Jaione Camborda, Gabriela Ortiz y Amy Redford. En las demás secciones participarán especialistas y cineastas como Juan Carlos Rulfo, Jonathan Romney, Pedro Aguilera, Federico Luis, Iván Trujillo y Nicolás Echevarría.
La película “Campeón gabacho”, de Jonás Cuarón, será la encargada de inaugurar el festival el 16 de octubre, con la presencia del director, su padre Alfonso Cuarón y parte del elenco. También se anunció la participación de figuras como James Gray, Carlos Reygadas, Gael García Bernal, Demián Bichir, Diego Boneta y Elpidia Carrillo.
Además de las funciones y competencias, el FICM busca impulsar el cine mexicano y la producción realizada en Michoacán. De acuerdo con sus organizadores, durante sus 24 años el festival ha contribuido a formar público y a dar mayor visibilidad a películas y realizadores nacionales.
